"DAYBREAKERS"

CUANDO LOS VAMPIROS GOBIERNEN EL MUNDO

Sinopsis: Año 2019. La práctica totalidad del planeta ha sido infectada por una misteriosa enfermedad que ha acabado por convertirles a todos en vampiros. Los pocos humanos que quedan se han convertido en ganado para los vampiros, pero los humanos se están extinguiendo, y con ellos la posibilidad de que los vampiros sigan gobernando el mundo. Edward Dalton, un hematólogo vampiro que está investigando un alimento alternativo para sus congéneres, conocerá a Audrey, una humana que le hará partícipe de un descubrimiento científico que decidirá el futuro de humanos y vampiros.

Los hermanos Spierig nos sorprendieron gratamente con su cinta gore “Undead” (2003), y ahora regresan a la mitología de las criaturas de la noche con esta cinta con claros referentes al mundo del cómic. “Daybreakers” está repleta de claroscuros que impregnan una fotografía más que sugerente, de momentos excelentes y otros un tanto desgarbados. Con claras influencias de películas como “Matrix” –las granjas de humanos– o “Metropolis” –los planos generales de la ciudad nos la recuerdan continuamente–, la ambientación de la película posee aspectos muy bien elaborados, aunque poco originales, que nos permiten sumergirnos en un mundo futuro un tanto idealizado. Pero ahí acaba todo. Partiendo de un planteamiento general bastante original, nos vamos adentrando en un guión demasiado básico y muy poco trabajado, precipitado en algunos casos, y que únicamente parece contar con esa relativa “sorpresa” final para darle cierto aliciente a la historia. Los personajes, a pesar de contar con actorazos de la talla de Ethan Hawke, Sam Neill o Willem Dafoe, están sumidos en la más absoluta inocuidad, faltos del menor síntoma de profundidad o trasfondo, y obligados a servir de meros comparsas de una historia precipitada y escueta, sobre todo si tenemos en cuenta las enormes posibilidades que brindaba el planteamiento inicial. A favor, unos efectos especiales impactantes y bien trabajados que al menos hacen justicia a lo que se espera de una película de vampiros.

"THE ROAD"

ÉTICA PARA EL FIN DE LOS TIEMPOS

Sinopsis: Basada en la novela homónima de Cormac McCarthy y ganadora del premio Pulitzer, nos sitúa en un mundo postapocalíptico en el que, un padre y un hijo, realizan un largo viaje hacia la costa en busca de un lugar seguro donde asentarse. Pero el trayecto no estará exento de riesgos, y se encontrarán con algunos de los pocos seres humanos que aún quedan vivos. Algunos se han vuelto locos o están enfermos. La mayoría, por desgracia, se han convertido en caníbales que depredan a sus semejantes.

Aunque debo reconocer que no he leído la novela, debo admitir que la labor de John Hillcoat a la dirección es verdaderamente sublime en lo que a intención de adaptación literaria se refiere. Uno puede vislumbrar y entender perfectamente los pasajes de la obra literaria, no sólo a través de esa voz en off tan necesaria que salpica ciertos momentos de la cinta con formidable prudencia, sino también a través de esos trasfondos apocalípticos comedidos pero impresionantes, hundidos en tal amalgama de grises que se podría decir que son las plasmaciones oníricas de un texto en blanco y negro. Un gris de desesperanza y vacuidad que produce una profunda desolación y malestar en el espectador, y que ayuda enormemente a hacernos sentir al borde del fin de nuestra raza. En ese sentido, una merecida congratulación para la excelente labor en la fotografía de Javier Aguirresarobe, quien parece haber encontrado finalmente un hueco definitivo en la Meca del Cine.
Pero sobre todo, debo quitarme el sombrero ante la impresionante labor interpretativa de Viggo Mortensen, quien con esa voz rota y entristecida y esa mirada melancólica y temerosa, logra hacernos conmover hasta extremos pocas veces alcanzados. Y otro diez para Kodi Smith-McPhee en el papel de su hijo, una réplica a la medida de su coprotagonista adulto, y sin el cual el papel de Mortensen perdería gran parte de su valor. Y a su vez se encuentran rodeados de unos secundarios de la talla de Charlize Theron, Robert Duvall o Guy Pearce, ambos gratificados con su particular escena memorable, y que ayudan potencialmente a crear una pléyade de personajes sólidos y reales sin los cuales, no hubiera sido posible hacer creíble un futuro tan desolador.
Hillcoat ha sabido compaginar perfectamente el lirismo narrativo de ciertos pasajes con la fluidez fílmica de los momentos de mayor tensión, sin caer en ningún momento en la arritmia o en la pesadez.
Y no hay que olvidar la fuerza interna del mensaje que pretende transmitir la película -a través de unos personajes intencionadamente sin nombre-, un mensaje esperanzador y trágico a la vez, y en cuya exposición se evalúa la bestialidad inherente al ser humano en contraposición a su idealismo y fuerza intrínsecos, que nos hace capaces de lo mejor y de lo peor. Y esa intencionalidad, desapegada en parte de etiquetas que puedan restarle credibilidad a la historia, es algo que merece otro punto a favor en una obra cuyo conjunto resulta, en conclusión, merecedora de las mejores alabanzas.

"LA CUARTA FASE"

ABDUCCIONES EN ALASKA

Sinopsis: Basada en hechos reales documentados, la película nos narra los hechos vividos por Abbey Tyler, psicóloga afincada en Nome, Alaska, quien tuvo una serie de pacientes de la misma localidad con graves problemas de trastorno del sueño. A medida que avanzó en sus terapias de hipnosis, todos sus pacientes comenzaron a manifestar comportamientos que hacían sospechar encuentros con inteligencias no-humanas. Todos ellos afirmaban haber visto cerca de sus ventanas una lechuza blanca. La doctora Tyler acabó dándose cuenta que todas esas visiones y encuentros de los habitantes de Nome, se remontaban a los años 60.

Lo más llamativo de “La Cuarta Fase” (Olatunde Osunsanmi, 2009) es, sin lugar a dudas, el modo en que está narrada. Hay un empeño de su director por no hacernos olvidar en ningún momento que la película está basada en hechos reales, y lo hace con un empeño casi documentalista. Nos advierten desde un principio que, lo que vamos a presenciar, es una dramatización de los extraños sucesos acaecidos a la familia de la doctora Tyler y a algunos de sus pacientes, pero el soporte audiovisual que nos proporcionan –cotejado siempre en paralelo con las interpretaciones de los actores– ayuda enormemente a esa sensación de inquietud al saber que, lo que estamos viendo, además de suceder realmente, puede tener visos de contactos con seres no humanos. Lo malo es que, en ocasiones, el aporte documental ralentiza un poco el ritmo de los acontecimientos, y no aporta nada nuevo al discurso, ya que únicamente pretende comparar, en paralelo, la interpretación ficticia con los hechos reales que sucedieron en Nome.
Hay un par de escenas particularmente impactantes –que no contaré aquí por razones obvias–, pero exceptuándolas a ellas no hay, en ningún momento, intención alguna por parte del realizador de manipular nuestro modo de percibir las cosas, lo cual es de agradecer.
“La Cuarta Fase”, difiere de otras películas que hablan de contactos y abducciones extraterrestres en varios puntos, y precisamente por ello es de especial interés. Únicamente por ello, debería ser de visionado obligatorio. Eso sí, que nadie espere una película de extraterrestres al uso, ni nada por el estilo.
De entre esos puntos divergentes, tal vez el más destacado sea que no llegaremos a ver extraterrestres en ningún momento. Por otro lado, tampoco llegamos a tener al final una visión clara del conjunto, sino toda una serie de datos, pruebas, videos, grabaciones de audio, posibles testimonios históricos, etc., que nos proporcionarán toda una amalgama de piezas que conforman un puzzle de difícil resolución.
El espectador, sin lugar a dudas, saldrá del cine con la sensación de que hay algo. No sabemos muy bien qué, ni por qué, pero no nos quitaremos de encima ese ligero malestar que nos producirá el saber que, la próxima vez, podría sucedernos a nosotros.

"PANDORUM"

UN THRILLER SCI-FI

Sinopsis: Dos de los tripulantes de una nave espacial, el teniente Payton y el cabo Bower, despiertan de la hibernación sumidos en una profunda amnesia. No recuerdan nada de lo que ha sucedido, ni quiénes son ni qué hacen a bordo de esa nave cuyo destino y misión no recuerdan. Sólo hay un modo de intentar dar respuesta a tanta incógnita: adentrarse en el interior de la nave en busca de pistas. No tardarán en averiguar que no se encuentran solos en ella, y que una desconocida y terrible amenaza acecha en las oscuras y sórdidas entrañas de la nave. De ellos depende, no sólo el éxito de la misión, sino incluso el destino de la raza humana.

Christian Alvart se ha configurado a lo largo de su corta filmografía (“Antikörper, el ángel de la oscuridad”, 2005; “Expediente 39”, 2009; “Pandorum”, 2009) como un director con una más que interesante perspectiva plástica para el género del thriller y el terror. Y es que el realizador germano, ha sabido manifestar hasta el momento una personalidad bastante definida en el terreno del thriller psicológico –género común, dentro de las variantes, a toda su filmografía–, pero sin abandonar ciertos clichés del género que siempre resultan ser baza segura para el éxito de una película.En el caso que nos atañe, la última obra de Alvart se convierte en un estimulante thriller sci-fi que bebe directamente del mayor de los clásicos modernos en este género, “Alien, el octavo pasajero” (Ridley Scott, 1979). No es gratuita tampoco la similitud –guiño, dirían algunos– entre los seres que pueblan la nave y los “morlocks” que inventó H.G. Wells para su novela “La máquina del tiempo” (1895). Pero dejando de lado el tema de los morlocks, hay que decir que es mayor la deuda que tiene “Pandorum” con el film de Scott, innegable tanto desde el punto de vista conceptual como compositivo.Concluir con ello que “Pandorum” no es más que un refrito de otros estándares anteriores, sería una conclusión equivocada a la que no deberíamos llegar.

Es de agradecer que Alvart nos gratifique con un arranque de cinta bastante más interesante e inquietante de lo habitual, con escenas tan oscuras y plomizas que logran que el espectador se sienta ya asfixiado sin que nada haya sucedido aún. Se puede oler el miedo en el aire, se puede palpar la tensión y el desconcierto en el más que interesante encuentro entre un siempre carismático Dennis Quaid y un correctísimo Ben Foster, que consiguen despertar el interés en el espectador desde el primer minuto de cinta. El significado del título en sí mismo –“Pandorum” significa “síndrome disfuncional orbital”–, ya dice mucho del carácter de la obra que estamos viendo.Desgraciadamente, ese aire casi existencial que supura al inicio, se convierte súbitamente en un macabro juego del escondite que acabará siendo excesivamente convencional, como si con ello pretendieran agradar a un público demasiado malacostumbrado a un tipo de cine concreto y que, muy al contrario, agradece esos cambios de perspectiva que se esbozan al principio del film.

Por suerte, al final se retoma ese interesante debate que da inicio a la cinta, y que acaba convirtiéndose en un auténtico galimatías perfectamente orquestado y nada mentiroso, cuya resolución no dejará indiferente a nadie por el mensaje implícito que conlleva. Un mensaje que, por otro lado, aún sigue estando en boga hoy en día.

"EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTON"

EL DESEO DEL RELOJERO CIEGO

Sinopsis: Benjamin Button es un niño que nace con una extraña enfermedad que le hace parecer físicamente tan viejo como un hombre de 80 años. Pero las cosas empeoran cuando comienza a rejuvenecer a medida que pasan los años. Benjamin Button nos arrastrará desde Nueva Orleáns hasta los más recónditos y exóticos lugares del planeta, en un intento por enfrentarse a su aciago destino y a la dudosa bendición que le ha sido otorgada.

Uno no puede dejar de maravillarse por el modo en que el extraordinario David Fincher (“Seven”, “El Club de la Lucha”, “Seven”, “Zodiac”) se redefine a sí mismo con cada nuevo largometraje que nos brinda. Ha dejado de lado el salvajismo visual y el retrato de la parte más oscura del corazón humano –con el que nos embargó en sus exitosas “Seven” (1995) y “El Club de la Lucha” (1999)–, para profundizar de un modo especial en la materia intangible que forma los sueños y temores de la mente y el corazón humanos. Partiendo de un conceptualismo ciertamente surrealista, desde esquemas marcadamente literarios –no en vano está basada en un relato corto de F. Scott Fitzgerald–, y utilizando como vehículo narrativo un mensaje epistolar que toma forma de diario, Fincher solapa el pasado y el futuro a través de un cuento imposible de tintes clásicos que llega a converger en ciertos puntos con el particular mundo de Tim Burton. Digno de Burton sería el relojero ciego, que construye un reloj que gira en sentido contrario como metáfora del tiempo que nos atrapa y nos cambia, que destruye nuestros sueños mientras nos empeñamos en construir un futuro que jamás llega, y que se erige de este modo en responsable indirecto de lo que estamos a punto de presenciar, como una especie de oráculo que vaticina lo imposible y provoca la extraña “maldición” que caerá sobre Benjamin Button al nacer, justo el mismo día en que finaliza la Gran Guerra. Una maldición que, dicho sea de paso, puede recordarnos de algún modo a la que sufre el protagonista de “El increíble hombre menguante” (Jack Arnold, 1957).
Pero salvando cualquier otra distancia y comparación, “El curioso caso de Benjamin Button” es una auténtica obra de orfebrería, una compleja maquinaria que trabaja a la perfección, con cada una de sus piezas minuciosamente diseñadas, construidas y engrasadas para que funcionen bien hasta en el más mínimo detalle, como si se tratara del reloj de la estación de Nueva Orleáns, con el que comienza la narración. Puede que el mayor de sus logros, sea la solidez con que está construida toda la historia, sustentada sobre unos personajes completos y detallistas que evolucionan a cada minuto que pasa y que están espléndida y sólidamente interpretados. En ese sentido, el excelente trabajo de Eric Roth consigue despertar en el espectador el sentir hacia los personajes, convirtiéndoles en testigos en primera persona de su envejecer físico y resistencia espiritual, de sus búsquedas y desencuentros, y de todo cuanto significa el hecho –tan sencillo y complicado a la vez– de vivir nuestras propias vidas y ser testigos al mismo tiempo de las vidas de aquellos que nos rodean.
Hay que hacer una mención especial al sorprendente y realista trabajo de maquillaje –especialmente al de Brad Pitt–, así como a la comedida y cuidada interpretación de los actores, que consiguen ser consecuentes con la evolución de sus personajes y hacérnoslos de este modo creíbles. De no haber sido así, la historia habría perdido gran parte de su solidez.
La poderosa banda sonora y una excelente fotografía contribuyen, y no poco, a reforzar el aura casi mágica de cuento que transpira toda la cinta, sin que por ello abandone en ningún momento la sensación de realismo de la que hablábamos. Una curiosa y difícil simbiosis que Fincher consigue llevar a buen puerto de un modo verdaderamente loable. Y para aquellos que aún quieran saber más, decir que Fincher se supera a sí mismo evitando sobrepasar los límites dramáticos, huyendo de la melosidad a la que se pudiera haber prestado por la propia naturaleza de su obra, y midiendo al mismo tiempo con precisión de cirujano los márgenes de una historia de amor e infortunio que bien pudiera haber repercutido en exceso sobre la cinta de un modo innecesariamente melodramático. Esos excesos evitados, esos límites no alcanzados, los compensa con un poderoso mensaje existencial que en ningún momento llega a ser cargante o pretencioso, sino más bien sencillo y próximo. Sencillo porque no busca misterios que no sepamos. Próximo, porque nada lo es más que los entresijos de la vida, del tiempo, y de lo que seamos capaces de hacer con ellos mientras estemos de paso por este mundo.

"OUTLANDER"

UN CÓCTEL PERFECTO

Sinopsis: Una nave espacial se estrella en las gélidas tierras noruegas, a principios del siglo VIII, en territorio vikingo. Su único tripulante vivo, Kainan (Jim Caviezel), se encontrará perdido en un mundo que le es del todo ajeno, en medio de unas gentes bárbaras que desconfían de él. Obligados por las circunstancias, por la masacre de un poblado rival y la misteriosa desaparición de algunos de los suyos, los vikingos se verán obligados a tener que confiar en el misterioso extranjero que viene de más allá del hielo, pues él mismo ha traído consigo una criatura monstruosa que amenaza con desolar toda vida que encuentre a su paso.

Con los rescoldos aún calientes de producciones de un corte similar, como fueran “Tristan & Isolda”, (Kevin Reynolds, 2006), “Beowulf” (Robert Zemeckis, 2007) o “Pathfinder, el guía del desfiladero” (Marcus Nispel, 2007), y aprovechando el tirón que las producciones de corte épico-fantástico están teniendo en los últimos años en las salas de cine de todo el mundo, el director Howard McCain nos brinda ahora una historia más que correcta, tanto en sus formas como en su contenido, que logrará entretener, impactar y dejar huella en la memoria del espectador, a pesar de lo difícil que puede llegar a ser el hecho de emular a auténticos mitos del cine de ficción, como pueden ser “El enigma de otro mundo” (Christian Nyby, 1951), “Alien, el octavo pasajero” (Ridley Scott, 1979) o “Depredador” (John McTiernan, 1987). Y lo mejor de todo, es que McCain lo hace con la que es su opera prima para la gran pantalla: conocido por sus cortos “Los pollos” y “Truman”, apenas se ha dedicado hasta el momento a hacer películas para televisión y algunos guiones para el cine.
Tal vez por ello demuestre tanto esmero en su estreno en salas, con una preocupación casi artesanal por los detalles y la factura, que le lleva hasta el extremo de no descuidar nada en absoluto, desde el guión hasta el plantel de actores, pasando por una espectacular fotografía y unos impecables decorados y vestuarios, hasta unos efectos especiales de los que hace un uso prudente que jamás raya en el abuso, y que hacen gala de una personalidad propia y definida que va más allá de los clásicos de los que bebe. Y es que no en vano se ha rodeado de un equipo de profesionales de primera fila: Patrick Tatopolous, diseñador de “Silent Hill”; Barrie Osbourne, uno de los productores de “El Señor de los Anillos” y “Matrix”; Ninth Ray Studios, responsables de los decorados, storyboards, vestuario, atrezzo y animatronics de películas como “Spider-man 2”, las precuelas de “La Guerra de las Galaxias” o “Hulk”; o la diseñadora de vestuario Debra Hanson, que ya trabajo en el de “Beowulf & Grendel”. A todos ellos, se une un elenco de actores que la dan mayor solidez si cabe a la historia, encabezado por el carismático Jim Caviezel –que a pesar de no sentirse demasiado cómodo con el papel de héroe trágico, finalmente consigue bordarlo–, el siempre efectivo John Hurt, Sophia Myles o un impresionante Ron Perlman dándole la réplica al veterano Hurt.
Lo que hay de especial en “Outlander”, no es tanto la esencia en sí de la historia –el enfrentamiento del hombre contra el monstruo–, que ya hemos visto retratada en el cine en innumerables ocasiones, sino la perspectiva desde la que se plantea: ponerse a la sombra de monstruos clásicos como el Alien, el Depredador o La Cosa, y pretender salir indemne en las insoslayables comparativas, no deja de ser una empresa harto difícil, y sin embargo lo consigue. El diseño artístico del Moorwen –nombre que se le da al monstruo, y que se inspira directamente en los Morlocks que H.G. Wells retrató en su novela de 1895 “La máquina del tiempo” y que, por cierto, también eran fotosensibles al igual que el Moorwen– posee esa peculiar mezcolanza entre el ser alienígena que pretende ser y el monstruo mitológico que parece ser, dislocado de un mundo lejano para encajar en otro mundo que se encuentra a miles de años de poder llegar a comprenderlo. Y en medio de tan ardua y admirable labor, su realizador consigue que su presencia en tierra y época vikingas entronque directamente con todos los mitos nórdicos de la bestia, que van desde el famoso Grendel del “Beowulf” hasta los ya clásicos dragones, convirtiendo así tan impensable cóctel en un puzzle perfectamente ensamblado.
Por lo que respecta al aspecto histórico del filme, hay que destacar también enormemente la gran labor realizada, desde los responsables del vestuario, maquillaje y decorados, hasta la música y la fotografía, que consiguen transportarnos a un mundo palpablemente real, lejos de las acartonadas producciones de serie B que suelen campar a sus anchas actualmente con pretenciosas visas de realismo histórico. La solidez interpretativa de todos sus actores, desde el infalible John Hurt hasta el intimidante Ron Perlman, pasando por una Sophia Myles a quien este tipo de papeles ya le son familiares (protagonizó a Isolda en “Tristán & Isolda” hace apenas un par de años), contribuye enormemente al sentimiento de realismo histórico que transpira el metraje. Y al frente de todos ellos vemos a un Jim Caviezel en horas de gloria, convertido en un héroe trágico de otro tiempo y otro lugar que sabe encajar a la perfección en su propia desgracia, y afrontar el destino con una heroicidad más propia del mundo en el que ha caído, que de aquel del que proviene. Y es que en una película de este calibre, con aspiraciones tan elevadas, ninguna pieza del engranaje debe chirriar lo más mínimo.
Por todo eso y más, “Outlander” satisfará las exigencias de un tipo de espectador desacostumbrado a ser sorprendido, de un tipo de espectador que ha perdido la costumbre de salir de la sala con un buen regusto en la boca, con la sensación de haber visto supurar profesionalidad en este tipo de producciones. Porque, aceptémoslo, normalmente es un tipo de cine destinado a caer en el cesto de las series B, aunque acaben convirtiéndose en auténticos “cult movies”. Y es que –esperemos que el tiempo me dé la razón– “Outlander” tiene toda la pinta de estar destinada a convertirse también en un “cult movie”.

"EL INCREÍBLE HULK

¡¡NADA ES MÁS FUERTE QUE HULK!!

Sinopsis: El científico Bruce Banner sufre las irreparables consecuencias de un fallido experimento científico. La exposición a los rayos gamma ha despertado en él un ser terriblemente poderoso e incontrolable, una masa de músculos y bestialidad de color verde que despierta cuando sus pulsaciones se aceleran en exceso. Obligado a apartarse de su colega y prometida, la Doctora Elizabeth Ross, se esconde en una favela en Brasil buscando por todos los medios una cura a su enfermedad. Mientras tanto, el General Thaddeus Ross, padre de su prometida, le busca insistentemente a toda costa con el único fin de que el ejército pueda hacerse con el poder que reside aletargado en la sangre de Banner.

Ni la Marvel ni el público parecieron estar de acuerdo con lo que el brillante Ang Lee hizo del mítico hombre verde. Cuando rodó “Hulk” (2003), el realizador taiwanés pretendió al personaje con la humanidad que merece. Le proporcionó un trasfondo humano, complicando tal vez en exceso las relaciones que unían al protagonista con el resto de personajes, y trabajó –tal vez también en exceso– su pasado para que el espectador se sintiera más identificado con él. Fue una película marcadamente reflexiva, rozando la introspección, pero pecó en la falta de un poco más de acción. Por eso la Marvel quedó tan decepcionada con el producto final y se empeñó en empezar de cero, olvidando por completo la película de Lee.

Era importante repasar este histórico porque así comprenderemos por qué “El Increíble Hulk” (Louis Leterrier, 2008) cambia por completo todo el equipo titular. Además de a Ang Lee, dejaron en el banquillo a Eric Banna, Jennifer Connelly y Sam Elliott, y sacaron al campo a Edward James Norton, Liv Tyler y John Hurt en sus respectivos papeles. Han insistido todos hasta la saciedad en decir que “El Increíble Hulk” arranca de cero, que lo hace olvidando por completo a “Hulk”, pero lo cierto es que no han querido chafarse los dedos, y que ha sido más bien una advertencia al público para asegurarse que irán a verla: en esta nueva entrega se pasa de puntillas por la transformación de Banner en Hulk (se da por entendido que la gente ya lo ha visto en la versión de 2003), y comienza con el científico en una favela brasileña, mientras que “Hulk” terminaba casualmente en una selva sudamericana, por lo que en cierto modo retoma un poco el testigo dejado por Lee.

Cierto es que han conseguido salir airosos en su empeño de inyectarle más acción a la película. Han ganado mucho con el elenco de actores escogidos (especialmente Edward Norton, John Hurt y un siempre brillante Tim Roth), ya que consiguen proporcionarle a la historia toda la profundidad humana que necesita con diálogos escasos y escenas pobres, abandonando el metraje prácticamente a la acción, las luchas, los efectos especiales y las persecuciones.

Sin embargo, el savoir faire de los actores consigue salvar el apartado de las relaciones humanas, añadiendo al valor final de la cinta algo sin lo cual Hulk no sería mas que un monstruo verde dando puñetazos y saltando de un lado para otro para que no le atrapen. Es de agradecer, en ese sentido, que hayan tenido la prudencia de elaborar correctamente este aspecto, sin el cual “El Increíble Hulk” no sería más que otro experimento infográfico impactante pero sin alma, destinado al soporífero consumo veraniego, al estilo de la lamentable “Transformers” (Michael Bay, 2007).

Ayuda muchísimo la potente banda sonora compuesta por Craig Armstrong, autor de partituras tan sugerentes como lo fueron las de “Moulin Rouge” (Baz Luhrmann2001), “El americano impasible” (Phillip Noyce, 2001) o “Elizabeth: la Edad de Oro” (Shekhar Kapur, 2007), y que resonará en la cabeza del espectador mucho después de haber acabado el visionado de la película.

Es de destacar la evolución conceptual y técnica que ha sufrido el diseño infográfico de Hulk, que luce un verde más grisáceo, no tan llamativo, y una musculatura mucho más fibrada, así como un rostro de expresión severa, brutal, que le confiere un aire primitivo y salvaje sin llegar a abandonar esos ramalazos de humanidad domesticada que sufre cuando ve a su querida Beth.

Es muy sugerente el guiño que se incluye cuando Banner sufre la transformación y se le ponen los ojos verdes, ya que esas escenas están presentadas del mismo modo en que lo estuvieron en la serie de TV y las consecuentes películas de las décadas de los 70 y de los 80. Tampoco le faltan los cameos, por supuesto, desde el clásico de Stan Lee hasta el merecidísimo de Lou Ferrigno (quien por cierto le presta la voz a Hulk las pocas veces en que habla, al igual que ya hizo en la de Ang Lee), pasando por otro de Robert Downey Jr. al final de la película que es de lo más especial, y que despertará pasiones entre aquellos espectadores que posean un cerebro más imaginativo.

Son especialmente memorables dos secuencias de la película: la primera de ellas la del campus de la universidad, donde el ejército intenta atrapar a Hulk; y en segundo lugar el enfrentamiento final de Hulk con Abominación, de lo más grande en cuanto a duelos de superhéroes en la gran pantalla. Vamos, cien por cien Marvel.

“El Increíble Hulk”, en resumen, es una propuesta cargada de adrenalina y de espíritu de cómic, un producto de lectura amena y metraje veloz, bastante fiel a su fuente en cuanto a espíritu –salvo en el modo en que Banner se convierte en Hulk, que tampoco representó correctamente Ang Lee–, y que dejará un buen sabor de boca en el espectador, quien incluso podrá llegar a lamentar que no haya más minutos por delante.

A modo de posdata, hay que agradecer a los realizadores que por fin expliquen por qué durante la transformación se le rompe toda la ropa salvo los pantalones. De no ser por ellos, seguiríamos pensando que sólo es debido al intolerante puritanismo yankee.

Y a disfrutar, pues como él mismo dice, “nada es más fuerte que Hulk”.

"LA NIEBLA"

EN LA MENTE DE KING

Sinopsis: Un pequeño pueblo de Maine se ve arrasado por una repentina y desastrosa tormenta. Mientras sus habitantes amanecen intentando regresar a sus vidas y arreglar los desperfectos, una espesa y extraña niebla cubre por completo la tranquila localidad. Pero hay algo más detrás de esa niebla.

La pasión que siente Frank Darabont por la literatura de Stephen King es algo especial. Prueba de ello son las cuatro adaptaciones que con esta ha efectuado ya de novelas y relatos del maestro del terror. La primera de ellas fue un corto de principios de los 80, “Dollar babies”, resultado de una fabulosa iniciativa de Stpehen King, que vendía los derechos cinematográficos de algunos de sus relatos cortos por tan sólo 1$, con el fin de promover a los autores noveles. El resultado satisfizo enormemente a King.
Pero lo que Darabont tenía en mente era “La niebla”. Lo que jamás hubiese imaginado, es que antes de poder cumplir sus sueños acabaría adaptando otras dos obras de King: “Rita Hayworth y la redención de Shawshank” –estrenada como “Cadena perpétua” (1994)– y “El corredor de la muerte” –estrenada como “La milla verde” (1999), dos dramas carcelarios que en verdad se encontraban un poco lejos de su verdadera pasión, que es el género del terror.
“La niebla” es un relato de terror con sabor clásico, cuyo mayor mérito no es la originalidad de su historia, sino los hechos y el desarrollo que plantea. Si en algo es un maestro King, es en el desarrollo de sus personajes y de las relaciones humanas que les unen. Es un analista de la condición humana, y en ese sentido Darabont se ha convertido en un perfecto intérprete de su obra. “La niebla” pretende, no tanto atemorizarnos con el terror ignoto que se encuentra tras ella, sino más bien encararnos con el terror a nuestro propio comportamiento. El verdadero quid de la cuestión son las reacciones de las sociedades humanas cuando se ven sometidas a situaciones extremas, y que con tanto acierto supo exponer William Golding en su obra “El Señor de las Moscas” (1954).
Pero es cierto que el espectador podrá encontrar algo más que un profundo estudio antropológico sobre la condición humana. Hay monstruos de herencia lovecraftiana, y están tras la niebla. El espectador se quedará atenazado a su sillón mientras asiste a un futuro incierto, al despliegue del ingenio humano por sobrevivir en unas secuencias rodadas con gran eficacia, y a un final que no pinta ser, para nada, alentador.
Los puristas, advertidos quedan: Darabont ha optado por un final distinto del que propusiera King en su obra, agridulce, pero ligeramente más esperanzador.

"SOY LEYENDA"

VAMPIROS POSMODERNOS

Sinopsis: El científico militar Robert Neville (Will Smith), se ha convertido en el único hombre vivo sobre la faz de la tierra. Un virus de laboratorio se ha propagado con inusitada y mortífera rapidez, aniquilando por completo el mundo tal y como lo conocemos. Abocado en una desesperada búsqueda or salvar su cordura y al mundo mismo, Neville se enfrentará con sus fantasmas interiores, y con seres humanos convertidos en terroríficas criaturas de la noche.

Hay algo en la novela de Richard Matheson ("Soy leyenda", 1954") que me hizo estremecer de desasosiego cuando la leí, hace ahora ya más de diez años. Tal vez fuera ese intento casi maníaco de Robert Neville por salvar su propia cordura, o puede que el simple hecho de encontrarme frente a la que es sin duda una de las mejores obras literarias del terror contemporáneo. Por desgracia, poco de ello encontramos esta vez en la que es la tercera adaptación cinematográfica de la obra cumbre de Richard Matheson.

A quien esto suscribe le sorprendió gratamente la primera versión ("El último hombre sobre la Tierra", Ubaldo Ragona, 1964), con un impecable Vincent Price un poco teatral. Charlton Heston hizo de las suyas en la segunda adaptación ("El último hombre... vivo", Boris Sagal, 1971), en cuyo guión su creador ni siquiera llegó a participar, aunque sí que lo hizo en la primera. Acorde a aquellos tiempos, esta versión fue bastante más apocalíptica, dejando de lado gran parte del bagaje humano que caracterizaba a la obra. Desgraciadamente, "Soy leyenda" (Francis Lawrence, 2007) es antes un remake de ésta última que una fiel adaptación de la novela.

Para aquellos a quienes esto no les importe, sigan adelante. Se encontrarán frente a una película que sin duda satisfará sus apetitos navideños, con una impecable puesta en escena donde destacan, sobre todo, las apabullantes y desérticas escenas de una ciudad de Nueva York asolada por la vegetación, y manadas de animales campando por doquier, mientras Will Smith recorre las calles fusil en mano, como antaño hiciera el que fuera presidente de la National Rifle Association. Lo peor de todo es que, esta vez, la grandeza del personaje de Robert Neville ha quedado convertida en poco más que una mera anécdota, en un puñado de flashbacks sin espíritu ni motivación, insertos en la cinta con escaso acierto y mucha desgana. Los esfuerzos de Smith por manifestar credibilidad, dada la grandeza del personaje literario, no sirven para mejorar en demasía las deficiencias del film. Sus responsables lo intentan suplir con la adición de unas innecesarias pero impactantes criaturas digitales, a medio camino entre el Gollum de "Las Dos Torres" (Peter Jackson, 2002) y los seres subterráneos de "The Descent" (Neil Marshall, 2005), a las que añaden una pizca de los agónicos alaridos del sacerdote Imhotep en "The Mummy" (Stephen Sommers, 1999). Las adrenalínicas escenas en las que aparecen dichas criaturas, desvestidas una vez más de la humanidad e inteligencia que les confirió su creador en la obra literaria, consiguen al menos mantener en vilo al espectador, pero pierden a su vez todo el sentido que tenían inicialmente. Los originales vampiros endémicos que volvieron del revés el concepto clásico del terror como si de un calcetín se tratara, se convierten en esta cinta en poco más que una incontrolada jauría de pseudozombis dispuestos a arrasar con todo lo que encuentren a su paso. El acoso sufrido por el personaje tanto en la novela como en las dos anteriores adaptaciones, ha quedado reducido a cenizas por unas criaturas salvajes que apenas se limitan a gruñir obscenamente.

Y por último, ese mensaje esperanzador y casi empalagoso que caracteriza las producciones hollywoodienses, alejado infinitamente del mensaje primigenio recogido en la obra de Matheson, y maquillado conveniente y apresuradamente para parecer algo que no es, y que nos proporciona un final pobre que no está a la altura del concepto general de la cinta y mucho menos de la obra.

En definitiva, un producto apto para el consuño navideño,diseñado para el lucimiento personal de la estrella Will Smith (y del perro que le acompaña), y convertida en otra ocasión perdida para adaptar como merece una de las obras cumbres de la literatura de terror y ciencia-ficción contemporáneas.

"ALIEN VS. PREDATOR: REQUIEM"

ALIMAÑAS DEL ESPACIO

Sinopsis: La tranquilidad de la ciudad de Gunnison se verá quebrantada por un acontecimiento sin igual: una nave extraterrestre se ha estrellado en los bosques que lindan con la pequeña población. Lo que nadie espera, es que hayan sobrevivido algunos de sus ocupantes, una raza alienígena peligrosísima que utilizará a cuantos humanos se encuentre por el camino para incubar en ellos a sus crías. Por suerte o por desgracia para la raza humana, otra especie extraterrestre ha seguido el rastro de la nave siniestrada. Se trata de una raza depredadora de la anterior, con una tecnología superior a cualquier otra. El enfrentamiento entre todos ellos, desencadenará una lucha de proporciones épicas, no sólo por la supervivencia de sus respectivas especies, sino por el propio dominio del planeta en que se libra, la Tierra. Lo que nadie sabe aún, es que hay una cuarta raza inmersa en el conflicto: el Predalien.

Dos monstruosos clásicos del cine de ciencia-ficción son los que sirven de punto de apoyo a la franquicia que nos atañe: “Alien, el octavo pasajero” (Ridley Scott, 1979) y “Depredador” (John McTiernan, 1987). Casi una década separaba a estas dos increíbles criaturas, pero eso no fue impedimento para que, prácticamente desde que apareciera el depredador, comenzara a gestarse en distintos foros la idea de enfrentarlos en una misma película. Recuerdo que todo comenzó con un par de preguntas muy sencillas: ¿por qué el Alien tiene ácido por sangre? Y, ¿para protegerse de qué?. El guiño a esta posibilidad se dejó ver en “Depredador 2” (Stephen Hopkins, 1990), cuando vemos el interior de la nave, con los trofeos que atesora el Depredador. El ojo más avezado descubrirá que hay un cráneo de Alien entre los trofeos.
Alien vs. Predator (Paul W.S. Anderson, 2004) vio la luz sin demasiado optimismo. Su director optó por presentar las mejores escenas de acción posibles entre las dos criaturas, conocedor tal vez de que el listón dejado por Scott y McTiernan era demasiado alto para intentar rebasarlo, y creó una película destinada al puro entretenimiento, y a la creación de una franquicia (AVP) que movería mucho dinero en el ámbito de los videojuegos, cómics y merchandising de toda clase.
Ahora pretenden revitalizar dicha franquicia con AVPR, o lo que es lo mismo, “Alien vs. Predator: Réquiem”, que en España han titulado “Alien vs. Predator 2” (Colin y Greg Strause, 2007), conscientes tal vez de lo único que pretende ser esta película. Se encontrarán frente a una extensión de su predecesora, cuyo mayor mérito parece ser el de incluir a un nuevo protagonista: el Predalien. Concebido como una mezcolanza entre ambos extraterrestres, supondrá el mayor aliciente de la cinta, que difícilmente consigue superar a su predecesora.
Esta vez la acción se sitúa en la Tierra, intentando transmitir con ello un mayor desasosiego al espectador, quien deseará que los humanos se aparten del medio para, por lo menos, disfrutar de los minutos en que las dos razas se enfrentan a muerte. El hecho de que sea un único Depredador quien se enfrente a todos los Aliens, supondrá otro de los aspectos más notables de esta producción, donde el ser humano apenas se convierte en un mero vehículo para expresar nuestros propios sentimientos, y de paso no convertir la película en un monólogo de ininteligibles gruñidos extraterrestres. Exceptuando al Predalien y su nuevo sistema de procreación (incuba los huevos directamente en su huésped y en mayor número, por lo que la procreación es mucho más rápida), el resto es más de lo mismo.
Al menos servirá para que las nuevas generaciones repasen estos dos grandes clásicos de la ciencia-ficción, y para que los incondicionales se tomen su correspondiente dosis alienígena. Para el resto, vayan con la sola idea de disfrutar de las escenas de acción que, a pesar de los esfuerzos, y por el hecho de no ser en absoluto novedosas, no llegarán a entusiasmarles como es debido. Eso sí, el duelo final entre el Depredador y el Predalien, no tiene precio.

ESPECIAL BLADE RUNNER

BLADE RUNNER: 25 AÑOS ESPERANDO EL FUTURO

Veinticinco años han pasado desde que se estrenó Blade Runner (1982), y siempre sigue pareciendo que falten veinticinco años más para que nos adentremos en su decadente y futurista mundo, visionado por Ridley Scott y, antes que él, por Phillip K. Dick, su verdadero padre. Ahora, con motivo de esta fecha tan singular, su director se prepara para lanzar la que será la tercera revisión de una de las obras cumbres del cine de ciencia-ficción de todos los tiempos, en donde podremos ver nuevas escenas que han sido filmadas expresamente para tan especial celebración.

Uno puede no sorprenderse por éste hecho, pero no puede eludir la sorpresa que se siente al descubrir que, el mundo de Blade Runner, sigue siendo igual de distante y posible. Es un mérito indiscutible y raro, muy poco habitual en las películas del género, y justamente por ello mucho más meritorio. A pesar de su estética netamente futurista, Blade Runner posee el encanto del cine negro clásico. Dos elementos en particular, esa voz en off de Harrison Ford a lo Raymond Chandler, y una fantástica Sean Young en un atrayente papel de femme fatale, no pretenden sino subrayar el carácter policíaco del filme al más puro estilo del cine negro clásico. El propio Ridley Scott lo dijo el año mismo de su estreno: “es una película situada dentro de cuarenta años, hecha en el estilo de hace cuarenta años”. Solo que ya son sesenta y cinco los años que la separan de la época dorada del cine negro, y ahora parece que no son cuarenta, sino otros sesenta y cinco los años que nos quedan para llegar al futuro que vaticina casi de un modo profético. Syd Mead fue el responsable de realizar toda la concepción gráfica de esta cinta, siempre bajo la supervisión y apuntes del propio Scott. Así por ejemplo, uno de los elementos más característicos del filme, el spinner, vehículo de la policía que no es más que el resultado de un cuidado tunning aplicado a un automóvil de los años 80, que contrasta con el uso de bicicletas en el atiborrado barrio chino. Esto es resultado del intento –fructuoso– del director por mostrarnos una sociedad pluralizada y multiétnica, un mundo en el que la identidad y la herencia cultural son una caótica amalgama que, a su vez, genera una identidad propia y única, por imposible que parezca. Lo vemos también en los planos de la ciudad, donde los McDonalds han sido sustituidos por pequeños establecimientos en donde se vende comida china precocinada, a orillas de grandes edificios y calles húmedas por una perpetua lluvia que ya presagiaba el cambio climático. Piramidales fachadas vítreas de aspecto colosal y frío, se contraponen a edificios que son orgulloso vestigio de un mundo más antiguo, donde esculturas y gárgolas, volutas y acantos neoclásicos tallados en piedra, siguen resistiendo el maltrato del tiempo y el olvido. Se puede rastrear en su arquitectura la herencia de “Metropolis”, de Fritz Lang, hecho que Scott ha reconocido sin tapujos. Siempre es de noche, y siempre llueve. Encontramos tiendas de comida-basura junto a almacenes de suministros varios para la ingeniería genética aplicada a los androides, mientras enormes carteles luminosos se empeñan en bombardear constantemente a los habitantes de esa monstruosa ciudad con anuncios reiterativos y asfixiantes. Parece como si la más terrible oscuridad se hubiese cernido sobre el futuro de los hombres en un mundo dominado por el caos y la indefinición. De hecho, los expertos afirman que, con Blade Runner, el subgénero del cyberpunk cobró forma por primera vez. Era un nuevo concepto dentro de la ciencia-ficción, surgido de la simbiosis entre el arte New Age, y el postmodernismo académico más avanzado, al que se le añaden ecos del cine negro.
La excelente banda sonora de Vangelis, quien acababa de ganar un Oscar por la BSO de “Carros de fuego”, se convirtió en un auténtico icono musical para los amantes de las BSO y de la música New Age, y que no sólo dotó de mayor personalidad a la cinta, sino que marcó el inicio de una nueva era para las bandas sonoras. Esa extraña y grata mezcolanza entre el jazz y el blues, fusionados a su vez con la música electrónica, y unos toques puntuales de noise, la convirtieron en una obra maestra sin precedentes. Sus notas melancólicas y dulzonas armonizaban con las facetas más neogóticas de la película, mientras que aquellas más electrónicas, se encargaban de recordarnos que sus personajes estaban viviendo en un futuro próximo.
Gracias a esta película saltó al estrellato el actor holandés Rutger Hauer, gracias a su fabulosa e inquietante interpretación del replicante nexus 6, Roy Batty, un moderno monstruo de Frankenstein humanizado hasta límites insospechados, un villano convertido en mártir de su propia causa. Su gran monólogo al final de la película, ha quedado inmortalizado como uno de los más famosos de la historia del cine, y por ello me daré el gustazo de transcribirlo aquí, para mi deleite y el de muchos otros:
“Yo... he visto cosas que vosotros no creeríais. He visto atacar naves ardiendo más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”.
Blade Runner es una de esas películas que dejan una huella imborrable en el espectador, y no únicamente en el espectador casual, sino en aquel más avezado, el que es capaz de detenerse y leer entre líneas el mensaje que hay implícito en ella. Prueba de esto fue su fracaso en las taquillas, donde durante la primera semana de proyección, tan sólo recaudó poco más de 6 millones de dólares. En gran parte, éste fracaso se debió a que su estreno coincidió con el de “E.T., el Extraterrestre”, película que sí iba dirigida a un público bastante menos exigente y capaz, más interesado en pasar un rato agradable sentado en su butaca que en devanarse los sesos frente a planteamientos metafóricos, proféticos y catastrofistas que ponían en tela de juicio un posible futuro deshumanizado y falto de esperanzas.
Hoy en día, nadie niega que Blade Runner, es una película única en su género. De su impagable herencia han bebido películas posteriores como “Matrix”, “Terminator”, “Dark City”, “El Cuervo”, “Robocop”, “El Quinto Elemento”, “Días Extraños”, “Desafío Total”, “Minority Report” o “Johnny Mnemonic”, entre otras muchas. Y eso sólo en lo que al mundo del cine se refiere. En la literatura tenemos toda una corriente de escritores cyberpunk, como William Gibson (autor de la archifamosa “Neuromante”), Bruce Sterling, Pat Cadigan o Rudy Rucker, e inspiró algunos juegos de rol de los 80, como “Shadowrun” o “Cyberpunk”.
Ahora tenemos la oportunidad de poder disfrutarla de nuevo en el cine, en el que se ha dado en llamar “Blade Runner: Final Cut”. Y con éste, irán siete versiones, aunque sólo dos de ellas fueron estrenadas en salas (“Blade Runner” y “Blade Runner: Director’s Cut”), claro signo del difícil parto que supuso su rodaje y proyección. Según se rumorea –y uno no puede fiarse siempre de la rumorología–, Scott ha rodado alguna escena nueva, e incluso ha vuelto a rodar alguna que otra escena original, como aquella en la que Deckard da muerte a Zhora, la replicante. Parte de ese rumor dice que, para la escena, Scott necesitó echar mano del hijo mayor de Ford, quien guarda un parecido más que razonable con su padre. Si no hay cambios, se espera su reestreno en cines para finales de éste verano de 2007, y una edición definitiva en una caja de DVD que incluirá las tres ediciones oficiales proyectadas en los cines: “Blade Runner”, “Blade Runner: Director’s Cut” y “Blade Runner: Final Cut”. Imagino yo, que ya puestos le añadirán una nutrida cantidad de extras.
A buen seguro que los nuevos espectadores encontrarán en ella un futuro igual de desesperanzado que aquel que nosotros, los afortunados generacionales, pudimos disfrutar en su momento.
Pero no os preocupéis si habéis llegado tarde. Ese futuro, aún está por llegar.

"INVASIÓN"

LA AMENAZA QUE VINO DEL ESPACIO

Sinopsis: Una extraña sustancia gelatinosa ha quedado adherida a los fragmentos de la nave Patriot al explotar mientras entraba en la atmósfera terrestre, resistiendo temperaturas extremas, pero el gobierno acalla rápidamente los rumores intentando en vano hacerse con todos los fragmentos diseminados. Mientras tanto, una extraña epidemia comienza a extenderse entre la población, y la psiquiatra Carol Bennett comienza a sospechar que hay una extraña relación entre lo sucedido con la lanzadera, la epidemia y el comportamiento anómalo que alguno de sus pacientes ha comenzado a detectar en sus familiares más allegados.

Esta es la cuarta adaptación de “La invasión de los ladrones de cuerpos”, la inquietante novela de Jack Finney que trataba de forma alegórica la pérdida de la individualidad, la deshumanización y alienación ideológica en las sociedades humanas modernas.
Primero fue una adaptación homónima (Don Siegel, 1956) en la que la productora obligó a Siegel a incluir un epílogo en el que lograban desmantelar la invasión. Lo peor de todo cuanto aportó, fue la pincelada anticomunista camuflada de macartismo con que Siegel dotó a su cinta, innecesaria en una historia cuyo metafórico mensaje ya tenía suficiente importancia por sí mismo.
Luego tuvimos “La invasión de los ultracuerpos” (Philip Kaufman, 1978). La aportación más importante respecto a la anterior, fue la invasión a gran escala, ambientada en una gran ciudad como es San Francisco, y subrayando de este modo el terror apocalíptico por encima incluso de la ciencia-ficción.
Nada aporta la tercera adaptación, la nefasta “Secuestradores de cuerpos” (Abel Ferrara, 1993), que no merece mayor atención que el hecho de ser mencionada.
Tras el éxito de crítica de las premiadas “El Experimento” (2001) y “El hundimiento” (2004), todos esperábamos algo más del prometedor director germano Oliver Hirschbiegel, máxime cuando las estrellas de su nueva película eran Nicole Kidman y Daniel Craig. Pero nos encontramos sólo ante un producto más para consumo multitudinario que no aporta casi nada desde el punto de vista creativo.
“Invasión” parece querer seguir la estela de las películas de zombies, cambiándolos a estos por alienados conciudadanos casi igual de descerebrados. La profundidad del tratamiento humano al que nos tenía acostumbrados Hirschbiegel, desaparece en esta cinta casi por completo, hasta tal punto que ni siquiera Kidman es capaz de transmitirnos un sentimiento de humanidad, de ansia incontenible ante lo que le está sucediendo, y perdiendo por tanto ese contrapunto que supondría el mantenimiento de la identidad humana como luz imperecedera frente a la deshumanización que se está sufriendo.
La acción gana puntos en esta adaptación, restándoselos al terror psicológico y perdiendo de este modo la fuerza narrativa que se podía esperar de un relato como éste, convirtiéndolo en poco más que un telefilme vespertino. El hilo narrativo, que comenzó con una silenciosa invasión de origen extraterrestre, se convierte de pronto en una historia simplona que narra la lucha de una madre por salvar la vida de su hijo. Ni siquiera se percibe un atisbo de nerviosismo por parte de las autoridades, que parecen estar de vacaciones durante todo el metraje, y que, como en las peores películas, sólo aparecen cuando ya ha terminado todo.
Puede que la mejor aportación respecto a sus precedentes, sea ese final ambiguo y abierto, que deja en el espectador un sabor agridulce que sólo podía provenir del atrevimiento de un director europeo. Pero ahí acaba todo. “Invasión” no llega a inquietar en ningún momento, ni siquiera en sus asépticas persecuciones, y al no conseguir generar ningún tipo de sentimiento en el espectador tampoco deja lugar para la reflexión sobre la condición humana y la pérdida de la individualidad intelectual.

"ESPECIAL SUPERHÉROES"

LA NUEVA ERA DE LOS SUPERHÉROES

No sabría decir si es por méritos propios o si, por el contrario es debido a una visible y prolongada falta de ideas por parte de la gran maquinaria hollywoodiense. Puede que sean las dos cosas, pero lo cierto es que nos encontramos en una Era de Plata para el universo de los superhéroes. Y creo que digo bien cuando la defino como “Era de Plata” ya que, lejos de estar a la altura de aquella lejana época dorada del cómic (hablo de los años 60 a los 80), nos encontramos tan sólo frente a un espejismo, un éxito relativo para los artesanos de la viñeta. Se ha hallado un filón equívoco que, a mi juicio, no nos restaurará aquella época en que los niños –y los no tan niños– leían cómics. Eso por más que le pese a Tim Sale, uno de los más famosos dibujantes de cómics que existen en la actualidad, quien parece haber sugerido todo lo contrario en alguna que otra de sus entrevistas al decir que, las películas de superhéroes, jamás lograrán desbancar a los cómics que las inspiran, sino que más bien se irán solapando progresivamente. Una aseveración que, aun siendo cierta, no deja de dejar a los cómics en una posición arriesgada.

Lo cierto es que, desde hace algunos años, los fans de los cómics de las editoriales Marvel y DC, así como todos los amantes del cine fantástico y espectadores en general, estamos disfrutando de un sueño imposible hecho realidad. Hacer que un hombre volase de manera creíble en el celuloide, no pareció posible hasta que Christopher Reeve nos los demostró en “Superman” (1978) de la mano del maestro del cine familiar, Richard Donner. Las series norteamericanas de los años 60 y 70 intentaron llevar a Batman y Superman a la pequeña pantalla con gran éxito pero con escaso arte, así que hacerlo a principios de los 80 con otros superhéroes parecía más que arriesgado. Prueba de ello son los desastrosos aunque honrosos intentos por llevar al cine a la gallina de los huevos de oro de la Marvel, Spiderman. El primero de ellos fue en 1977. Se llamaba “Spider-Man, el Hombre Araña”, y era el episodio piloto de una futura serie de televisión producida por la CBS y que se estrenó en la gran pantalla, dirigida por E. W. Swackhammer y protagonizada por Nicholas Hammond. La serie se llamaría “The Amazing Spider-Man” (1978), y tras 15 episodios dejó de emitirse, debido sobre todo a la falta de calidad y, sobre todo, de éxito. En paralelo lo intentaron con “El Increíble Hulk” (1977), diseñada también como episodio piloto de una serie que tuvo mayor fortuna que la del trepamuros, pero que sólo sirvió para hacer famoso a Lou Ferrigno en su papel del gigante verde, que le proporcionó papeles protagonistas en películas de serie B y Z como fortachón de turno. Sin embargo, ese mismo año Ron Satlof se lanzó al imposible de una secuela de la película de 1977, “Spiderman 2: El Hombre Araña vuelve”, con el mismo protagonista e iguales resultados. También en 1978, emocionados por las posibilidades, Stan Lee, Steve Ditko (creador de Spiderman) y Philip DeGuere (su director) firmaron el guión de “Dr. Strange”, una horrorosa adaptación del Dr. Extraño que aún pasó más desapercibida, si cabe, que las dos películas de Spiderman. Aún así, tuvimos que soportar una tercera película: “Spiderman: el desafío del Dragón” (1980), peor si cabe que sus predecesoras. Tuvimos que esperar más de veinte años para poder una digna adaptación del mejor superhéroe de la factoría Marvel en la película homónima de Sam Raimi, “Spiderman”, (2002), que casualmente también lleva una trilogía en su haber pero con mucha mayor fortuna. Otros superhéroes corrieron suertes parejas durante la década de los 80 y principios de los 90. “The Punisher” (1989) fue protagonizada por Dolph Lundgren, pero un problema con la censura norteamericana no les permitió emplear las características calaveras del personaje. Existe una versión del “Capitán América” (1992), casi igual de cutre que la inefable trilogía del Spiderman de Hammond, pero que aún ha pasado a peor vida. Y luego tenemos “Flash: el último Vengador” (1990), cuyo mayor mérito fueron unos efectos especiales interesantes y un traje de músculos acolchados que conseguía que el personaje se pareciese mucho más al del cómic que el resto de sus compañeros de pantalla. Estas dos últimas películas mencionadas, se llevaron a cabo única y exclusivamente movidas por el ansia de los espectadores de ver otros superhéroes adaptados a la gran pantalla. Tim Burton y su “Batman” (1989), que consiguió el mismo éxito que Donner con su “Superman”, animó a las productoras a echarse al ruedo. Además, el hecho de que la editorial DC hubiese hecho diana con 2 de 2 superhéroes –sus 2 personajes estandarte por antonomasia–, unido al fracaso de las versiones de Spiderman, Capitán América y Punisher, hicieron que Marvel quisiese resarcirse y buscase el mismo éxito que ya había conseguido su más directa competidora. A partir de ese momento, Marvel decidió amarrar bien sus proyectos, y permaneció en relativa calma durante la década de los 90, momento en que vivió el momento más crítico de toda su historia. Aunque con “Blade” (Stephen Norrington, 1998) ya se intuía la política y rumbo que había decidido tomar Marvel en lo que respecta a las adaptaciones de sus cómics, el descalabro comercial que tuvo “Nick Fury, Agente de SHIELD” (Ron Hardy, 1998) nos demostraba que las cosas no estaban tan claras como parecían (aunque David Hasselhoff calcara el personaje), y hubo que esperar al estreno de “X-Men” (2000) para poder ver la primera adaptación digna –notable, a decir verdad– de un cómic de la factoría Marvel. Es aquí donde podemos decir, a buen seguro, que queda inaugurada la “Edad de Plata” de los superhéroes. Con ella su director, Bryan Singer, se convirtió en un auténtico referente para las películas del género. No en vano le encargaron la secuela y el retorno de Superman. A partir del furor mutante, comenzamos a presenciar un largo desfile que parece no tener fin: “Blade 2” (Guillermo del Toro, 2002), “Spiderman” (Sam Raimi, 2002), “X-Men 2” (Bryan Singer, 2003), “Hulk” (Ang Lee, 2003), “Spiderman 2” (Sam Raimi, 2004), “Daredevil” (Mark Steven Johnson, 2004), “Blade: Trinity” (David S. Goyer, 2004, la peor de la trilogía, sin duda alguna), “The Punisher” (Jonathan Hensleigh, 2004), “Catwoman” (Pitof, 2004), “Batman Begins” (Christopher Nolan, 2005), “Los 4 Fantásticos” (Tim Story, 2005), “Man Thing” (Brett Leonard, 2005), sin duda la más desafortunada de todas las adaptaciones hechas en lo que llevamos de siglo), “Elektra” (Rob Bowman, 2005), “X-Men: la decisión final” (Brett Ratner, 2006), “Superman Returns” (Bryan Singer, 2006), “Spiderman 3” (Sam Raimi, 2007), “Ghost Rider: el Motorista Fantasma” (Mark Steven Johnson, 2007) y “Los 4 Fantásticos y Silver Surfer” (Tim Story, 2007). Nada más y nada menos que la friolera de 21 películas de superhéroes en casi 10 años, es decir, una media de más de 2 películas por año. Eso sin contar “Transformers” (Michael Bay, 2007), manzanita que se le ha escapado a la Marvel. Y eso no es todo. Para el 2008 tenemos en puertas otras tres adaptaciones. La primera adaptación que nos llega es nada más y nada menos que la de “Iron Man” (“El Hombre de Hierro”, que dudo también que lleguen a traducir), cuyo estreno en Estados Unidos está previsto para el 2 de mayo, sin fecha aún para su estreno en nuestro país. Dirigida por Jon Favreau, cuya ópera prima fue la prescindible “Elf” (2003), y tras la no menos prescindible “Zathura, una aventura espacial” (2006), “Iron Man” será su tercera película como director. Recemos todos juntos para que no la pifie una vez más. Estará protagonizada por Robert Downey Jr. en el papel del multimillonario Tony Stark, Terrence Howard, Gwyneth Paltrow, Hilary Swank, Jeff Bridges y (agárrense bien a sus butacas) Samuel L. Jackson como Nick Fury (Nick Furia para los amigos), a pesar de los rumores iniciales sobre la negociación con Bruce Willis para el papel, que fueron incluso confirmados por Avi Arad (cabeza y propietario mayoritario de Marvel Studios). Esto se debe al cambio de look que han sufrido Los Vengadores en su nueva colección de cómics (Ultimate Vengadores), donde Bryan Hitch había tomado prestado el rostro del actor para sus cómics. También llegó a barajarse la posibilidad de fichar a Will Smith para este papel, cosa que gracias a Dios, no ocurrió. La segunda de ellas es una secuela, aunque en realidad es la quinta que lleva el personaje. Se trata de “The Dark Knight” (traducible como “El Caballero Oscuro”, aunque tal y como está el panorama en la actualidad, dudo que lo traduzcan), y tiene como protagonista una vez más a Batman. Dirige de nuevo Christopher Nolan –quien ya hizo un fabuloso trabajo con “Batman Begins”– y vuelve a ponerse las mallas Christian Bale. La gran sorpresa será un inesperado Heath Ledger en el papel de un Joker bastante más siniestro que el del histriónico Jack Nicholson. Otros actores embarcados ya en esta empresa, son Morgan Freeman, Michael Caine, Eric Roberts y Gary Oldman. Esta continuación, al igual que ya vimos en su predecesora, parece adaptarse mucho más al Batman de los 90, en contraposición al planteado por Tim Burton, mucho más ochentero y acartonado. Su estreno en Estados Unidos está previsto para el 18 de julio de 2008, mientras que en España tendremos que esperar hasta el 13 de agosto del mismo año. La tercera por el momento, a estrenar en Estados Unidos el 13 de junio de 2008 y aún sin fecha para nuestro país, es “El Increíble Hulk”, secuela que dirigirá Louis Leterrier (“Transporter 2”, 2005) a partir de un guión de Steve Ditko (creador de Spiderman) y Gil Kane (dibujante y guionista habitual de Conan el Bárbaro desde hace años). Eric Banna se baja del barco, y sube en su lugar Edward Norton junto a Liv Tyler, Tim Roth y William Hurt. Del guión dicen que vuelven a ser los malos los rusos quienes, tras hacerse con Hulk, y antes de que consiga escapar, extraen su ADN para crear a la Abominación y que pueda enfrentarse al monstruo verde. Tanto de las anteriores 21 películas como de estas tres previstas por el momento para su estreno en 2008, se barajan ya unos cuantos spin-offs. Así pues, por lo que respecta a los X-Men hay proyectos para un spin-off de Lobezno y otro de Magneto, por el momento. Uno de los primeros spin-off tendrá como protagonista a Lobezno y a Hugh Jackman en su piel y con sus garras, en una precuela que según Tom Rothman, uno de los presidentes de la Fox, estará dirigida de nuevo por Brett Ratner, y cuyo estreno también está previsto para el 2008. Respecto al de Magneto, que volverá a interpretar Ian McKellen, estará dirigida por el hombre-cómic, David S. Goyer (guionista del Nick Furia interpretado por Hasselhoff, “Ghost Rider”, “Batman Begins”, “Blade 2”, “Flash: el último Vengador”, “Blade: Trinity” y el futuro “The Dark Knight”). Sin embargo, se rumorea que la presencia de McKellen en el film será limitada, ya que la película pretenderá contar los orígenes del personaje. Es de imaginar que también volveremos a contar con la presencia de Patrick Stewart en el papel del profesor Xavier quien, como soldado aliado, liberará a Magneto del campo de concentración en el que se hallaba confinado. Otro spin-off previsto, será el de Silver Surfer, visto el éxito que ha tenido el personaje en “Los 4 Fantásticos y Silver Surfer”, donde ya se le introdujo con la idea de testar a la audiencia. El periódico “Los Angeles Times”, menciona a Joe Michael Straczynski como director del proyecto. Por el momento, eso es todo en cuanto a spin-offs se refiere. Luego tenemos las galerías a estrenar, donde podremos encontrar de todo. El proyecto al parecer más sólido hasta el momento, es el de “Thor”, con guión una vez más de David S. Goyer, quien está haciendo el guión nuevo, o puede que retocando el que escribió Mark Protosevich (“Poseidón”, 2006) en su momento y que, finalmente, no ha sido aceptado. Es probable que Mathew Vaughn (sustituyó a Bryan Singer en “X-Men: la decisión final” antes de que le sustituyeran a él por Brett Ratner) sea el director de las aventuras del Dios del Trueno. El resto de detalles, están aún por determinar. Otro de los que se une al carro es el Capitán América. Avi Arad, de Marvel Studios, ha mencionado como guionista de la película a David Self, quien al parecer también está contribuyendo en el guión de “Namor, the Sub-mariner” y “Deathlock”, ambos personajes también de la Marvel. Es un proyecto de colaboración entre Marvel y Paramount, que podremos ver en nuestras pantallas a partir de 2009. “Deathlock”, película que mencionábamos hace un momento, nos cuenta la historia de un padre de familia que, tras presentarse como voluntario para unas pruebas en un laboratorio, acaba convirtiéndose en una computadora. El guión inicial es de Stu Zicherman y Raven Metzneriene. Por el momento, como posible director se menciona el nombre de Mikael Håfström (“Sin control”, 2005), aunque Paul McGuigan o Lee Tamahori son directores que también se están barajando. Esta es otra de las colaboraciones de Marvel Studios con Paramount Pictures para los próximos años. El otro personaje que mencionábamos es “Namor, the Sub-mariner”. El príncipe atlante iba a ser dirigido y producido para la Universal Pictures por Chris Columbus con guión de David Self, pero al parecer, Columbus aún no lo tiene claro. Jonathan Mostow (“Terminator 3: la rebelión de las máquinas”, 2003) parece ser quien sustituirá a Columbus en la silla de dirección. David Boreanaz parece ser el candidato más claro para interpretar a Namor, pero aún no está del todo confirmado. Y eso que el estreno está previsto para finales de 2008. DC tiene preparado el lanzamiento de otra familia de superhéroes con “Watchmen”, de Alan Moore, donde Paddy Considine (“El ultimátum de Bourne”, 2007) parece ser el más firme candidato a la dirección. El resto, son todo conjeturas. De Elektra y Daredevil, no se espera nada por el momento. Después del estrepitoso fracaso de aquella, se canceló inmediatamente la secuela de Daredevil, que tampoco es que fuera un éxito sin precedentes. Sí tendremos secuela, en cambio, para el Castigador. Después de varios retrasos, “The Punisher: Welcome back, Frank” parece ser el título de esta segunda entrega. Se sabe que la dirigirá Lexi Alexandre (“Hooligans”, 2005) con guión de Matt Holloway y Arthur Marcum, y su estreno estaba previsto para finales de 2008. Otro proyecto que sólo está esbozado, es el de los Vengadores, un proyecto tal vez demasiado ambicioso por el momento. Se mencionó el nombre de Zak Penn como guionista de la cinta, quien tiene en su haber los guiones de los dos últimos X-Men. Millenium Films ha adquirido también los derechos de Conan el Bárbaro, otro de los personajes más célebres de Marvel, y han afirmado que van a lanzar una serie de películas que serán mucho más fieles al personaje y a las novelas que aquellas interpretadas por Arnold Schwarzenegger. Está previsto el rodaje de la primera entrega para la primavera de 2008. Finalmente, de los proyectos que parecen estar más o menos claros, nos queda una cuarta entrega de Spiderman. Tobey Maguire afirmó que no volvería a vestirse de Spiderman a no ser que Sam Raimi siguiese tras la cámara, cosa que al final del rodaje de “Spiderman 3”, parecía muy poco probable. Sin embargo, poco después, y tras la insistencia de los productores, Sam Raimi dijo sí a la cuarta entrega, por lo que parece más que probable que Maguire tenga que tragarse el orgullo y participar de nuevo en la serie. Lo que está claro es que, si lo hace, no perderá dinero. De todos modos, los productores ya tienen en el punto de mira al joven Shia Laboeuf, por si acaso, quien después de “Transformers” (2007) y la cuarta entrega de Indiana Jones que aún está por estrenar, se convertirá sin duda alguna en un referente para los actores de su generación. Jake Gyllenhaal es otro de los candidatos. Hay dudas sobre qué villanos aparecerán en “Spiderman 4”, aunque el del Lagarto, el doctor Connors, parece ser el más obvio, dado que su personaje ha aparecido en las otras entregas. Y por si esto les parece poco, Marvel confirmó en 2005 que al menos lanzaría 10 películas de sus superhéroes durante los años siguientes. Avi Arad aseguró que todas ellas tendrían un presupuesto mínimo de 50 millones de dólares, y que ninguna sobrepasaría la barrera de los 165 millones de dólares. En esa lista, que hizo pública en su día en su página web, aparecían superhéroes como Capa y Puñal, Pantera Negra, el Doctor Extraño, Ojo de Halcón, Shang-Chi o el Hombre-Hormiga. Sin lugar dudas, podemos afirmar que tenemos superhéroes del cómic para rato. Puede que, a base de insistir, algún día consigan que los niños vuelvan a leerlos.