VERTIGE

TERROR EN LA CUMBRE

Sinopsis: Un grupo de amigos programan un reencuentro quedando para realizar una escalada en tierras croatas. Lo que en un principio parece una simple excursión aventurera, comienza a convertirse en una pesadilla de vértigo, especialmente cuando descubren que no están solos en aquellos inhóspitos parajes.

El planteamiento que nos propone Abel Ferry en “Vértigo” (2010), es un fuego de artificio que parte de una presentación más que interesante, hacia un final que, al contrario que ocurre en los fuegos de artificio, acaba convirtiéndose en una amalgama de trivialidades y clichés más que tópicos que van perdiendo mecha a medida que nos vamos aproximando a los compases finales de la cinta. Pero hay que decir en su favor, que tuvo la suerte de ser elegida para abrir la 20ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, lo cual dice bastante a favor de ella. La puesta en escena brilla por sí sola por el mero hecho de haber sido rodada en unos espacios naturales verdaderamente sobrecogedores, y por si fuera poco, los planos y contraplanos que abundan a lo largo de todo el metraje, contribuyen enormemente a crear en nosotros esa sensación de vértigo y de sobrecogimiento que precisa la historia. Uno no puede dejar de acordarse de la impactante “Máximo riesgo” (Renny Harlin, 1993) al ver algunas escenas, pero “Vértigo” posee ese aliciente que es el saber que estamos contemplando paisajes reales al cien por cien, sin aditivos digitales ni falsos trasfondos.
La idea primordial de que puede ser una película teenager con tintes de road movie pero a gran altura, queda descartada apenas transcurridos los primeros minutos. Y todo por la elaboración de un implícito triángulo amoroso entre Guillaume, Loïc y Chloé, que contribuye a generar en el espectador esa extraña sensación de desasosiego, esa sospecha más que evidente de que algo malo va a suceder. Sin embargo, como ya había mencionado al principio, todo este planteamiento inicial va perdiendo fuerza mientras la va ganando otro factor mucho menos interesante y bastante más manido, hasta tal punto que la película acaba convirtiéndose en un sucedáneo rancio pero a gran altura de slashers actuales que han corrido mejor fortuna, como pueden ser “Wolf Creek” (Greg McLean, 2005) o “Eden Lake” (James Watkins, 2008).
En definitiva, una propuesta visualmente interesante y bien trabajada, pero lastrada con un último tramo y desenlace demasiado manidos, y supuestamente justificados con una coletilla final con visos de estar basada en hechos reales, pero que en realidad no deja de ser una tramposa dramatización más próxima al “what if”.

"DAYBREAKERS"

CUANDO LOS VAMPIROS GOBIERNEN EL MUNDO

Sinopsis: Año 2019. La práctica totalidad del planeta ha sido infectada por una misteriosa enfermedad que ha acabado por convertirles a todos en vampiros. Los pocos humanos que quedan se han convertido en ganado para los vampiros, pero los humanos se están extinguiendo, y con ellos la posibilidad de que los vampiros sigan gobernando el mundo. Edward Dalton, un hematólogo vampiro que está investigando un alimento alternativo para sus congéneres, conocerá a Audrey, una humana que le hará partícipe de un descubrimiento científico que decidirá el futuro de humanos y vampiros.

Los hermanos Spierig nos sorprendieron gratamente con su cinta gore “Undead” (2003), y ahora regresan a la mitología de las criaturas de la noche con esta cinta con claros referentes al mundo del cómic. “Daybreakers” está repleta de claroscuros que impregnan una fotografía más que sugerente, de momentos excelentes y otros un tanto desgarbados. Con claras influencias de películas como “Matrix” –las granjas de humanos– o “Metropolis” –los planos generales de la ciudad nos la recuerdan continuamente–, la ambientación de la película posee aspectos muy bien elaborados, aunque poco originales, que nos permiten sumergirnos en un mundo futuro un tanto idealizado. Pero ahí acaba todo. Partiendo de un planteamiento general bastante original, nos vamos adentrando en un guión demasiado básico y muy poco trabajado, precipitado en algunos casos, y que únicamente parece contar con esa relativa “sorpresa” final para darle cierto aliciente a la historia. Los personajes, a pesar de contar con actorazos de la talla de Ethan Hawke, Sam Neill o Willem Dafoe, están sumidos en la más absoluta inocuidad, faltos del menor síntoma de profundidad o trasfondo, y obligados a servir de meros comparsas de una historia precipitada y escueta, sobre todo si tenemos en cuenta las enormes posibilidades que brindaba el planteamiento inicial. A favor, unos efectos especiales impactantes y bien trabajados que al menos hacen justicia a lo que se espera de una película de vampiros.

"EL HOMBRE LOBO"

UN REMAKE PARA DAR EJEMPLO

Sinopsis: Lawrence Talbot regresa a la casa nobiliar de su familia, en el pueblo de Blackmoor, tras la desaparición de su hermano. La prometida de su hermano, Gwen Conliffe, le pide personalmente que le ayude a encontrar a su prometido. Nada será fácil para él, ni el reencuentro con un padre del que se había distanciado, ni el tener que enfrentarse a un pasado que casi ha olvidado tras su reclusión en un manicomio, justo después de aquella noche en que murió su madre. Pero las cosas aún irán a peor cuando Talbot descubra que su hermano ha sido terriblemente despedazado por una bestia, y se entere de que una horrible maldición pesa sobre las tierras de Blackmoor.

Ante todo debo decir que me he llevado dos sorpresas con la llegada de tan esperada película: una buena y otra mala. La primera me llegó con el visionado de la cinta, un remake de la inmortal película homónima que en su día protagonizara Lon Chaney Jr. (George Waggner, 1941), y que ha supuesto un verdadero lifting visual más allá de todas mis expectativas, y de lo cual hablaré con detalle más adelante. La segunda sorpresa, la mala, ha sido el hecho de descubrir no pocos críticos dedicados a ensañarse con la película en la red, como si de hombres-lobo se tratara. Algunos la tildan de “traumático melodrama”; otros, se empeñan en decir que “Joe Johnston no es Coppola”, y así querer comparar el remake de “El Hombre Lobo” con el de “Drácula de Bram Stoker”; hay quien dice que “la cinta entretiene sin entusiasmar, recorre el mito sin innovar y vaciándolo de vida”.
Y heme aquí, al otro lado de ese extremo pastoso de los críticos voraces, que son incapaces de dar su brazo a torcer ante la posibilidad de ver un clásico del género superado por el artificioso Joe Johnston, rompiendo una lanza a favor de una cinta que merece gran consideración y respeto, y quitándome el sombrero –si lo llevara– frente a una obra de una factura verdaderamente sincera y de oficio.
No sólo estoy hablando de unos efectos especiales dignos de mención, algo de esperar en un artesano de lo digital como es Jonhston. No hablo sólo de un hombre lobo más que logrado y que hace honor a aquel que en su día protagonizara el hijo del mítico Lon Chaney. Hablo de unos personajes manifiestamente más elaborados que los del clásico de los Estudios Universal, de un guión repleto de matices que jamás llegó a tener la versión original –aunque algunos se empeñen en decir que está vacío–, de unas interpretaciones más que aceptables, un impecable vestuario y recreación de la época victoriana, así como unos decorados y exteriores que hacen continuamente referencia a tantas y tantas películas clásicas del género. Y es que, a nivel artístico, “El Hombre Lobo” es una película memorable, un acierto de ambientación gótica que transmite, durante todo el metraje, esa sensación lúgubre de pesadez atmosférica que tanto se echa de menos en el cine actual.
En el plano de actores, merece una mención especial el siempre solvente Benicio del Toro, que dota a su Lawrence Talbot de una personalidad atormentada que le confiere profundidad al personaje, lejos de la picaresca casi burlona con que interpretara Lon Chaney Jr. a su hombre-lobo. Y qué decir de Anthony Hopkins, dando la talla como padre de Lawrence, aunque tal vez a veces peque de ser un poco exagerado en su rol –como ya ocurriera con su Van Helsing en el “Drácula de Bram Stoker”–
Cierto es que en ocasiones se deja influir ligeramente por el “Drácula” de Francis Ford Coppola, como en la escena del manicomio o, –más escaradamente– en ciertos acordes de la por otro lado magistral partitura de Danny Elfman, pero no por ello desmerece en absoluto el enorme esfuerzo realizado ni el resultado final obtenido.
“El Hombre Lobo” es fresca y gratificante, sincera en las escenas más brutales, hasta el punto de manifestarse marcadamente más realista que aquella a la que homenajea.
Señores críticos, seamos sinceros: el Hombre Lobo de Joe Johnston es netamente superior al de Waggner sin pretenderlo, y un homenaje que merece el respeto y consideración que ella misma tiene para con la película de la Universal. Es un ejemplo claro de cómo se puede mejorar un clásico aportando matices, mejorando la ambientación y perfeccionando unos personajes e interpretaciones lejos de la teatralidad diacrónica de otros tiempos, pero siendo respetuosa con el contexto histórico en el que se movía el personaje.
Seamos sinceros. Aunque el director de “Jumanji” no sea Coppola.

"LA CUARTA FASE"

ABDUCCIONES EN ALASKA

Sinopsis: Basada en hechos reales documentados, la película nos narra los hechos vividos por Abbey Tyler, psicóloga afincada en Nome, Alaska, quien tuvo una serie de pacientes de la misma localidad con graves problemas de trastorno del sueño. A medida que avanzó en sus terapias de hipnosis, todos sus pacientes comenzaron a manifestar comportamientos que hacían sospechar encuentros con inteligencias no-humanas. Todos ellos afirmaban haber visto cerca de sus ventanas una lechuza blanca. La doctora Tyler acabó dándose cuenta que todas esas visiones y encuentros de los habitantes de Nome, se remontaban a los años 60.

Lo más llamativo de “La Cuarta Fase” (Olatunde Osunsanmi, 2009) es, sin lugar a dudas, el modo en que está narrada. Hay un empeño de su director por no hacernos olvidar en ningún momento que la película está basada en hechos reales, y lo hace con un empeño casi documentalista. Nos advierten desde un principio que, lo que vamos a presenciar, es una dramatización de los extraños sucesos acaecidos a la familia de la doctora Tyler y a algunos de sus pacientes, pero el soporte audiovisual que nos proporcionan –cotejado siempre en paralelo con las interpretaciones de los actores– ayuda enormemente a esa sensación de inquietud al saber que, lo que estamos viendo, además de suceder realmente, puede tener visos de contactos con seres no humanos. Lo malo es que, en ocasiones, el aporte documental ralentiza un poco el ritmo de los acontecimientos, y no aporta nada nuevo al discurso, ya que únicamente pretende comparar, en paralelo, la interpretación ficticia con los hechos reales que sucedieron en Nome.
Hay un par de escenas particularmente impactantes –que no contaré aquí por razones obvias–, pero exceptuándolas a ellas no hay, en ningún momento, intención alguna por parte del realizador de manipular nuestro modo de percibir las cosas, lo cual es de agradecer.
“La Cuarta Fase”, difiere de otras películas que hablan de contactos y abducciones extraterrestres en varios puntos, y precisamente por ello es de especial interés. Únicamente por ello, debería ser de visionado obligatorio. Eso sí, que nadie espere una película de extraterrestres al uso, ni nada por el estilo.
De entre esos puntos divergentes, tal vez el más destacado sea que no llegaremos a ver extraterrestres en ningún momento. Por otro lado, tampoco llegamos a tener al final una visión clara del conjunto, sino toda una serie de datos, pruebas, videos, grabaciones de audio, posibles testimonios históricos, etc., que nos proporcionarán toda una amalgama de piezas que conforman un puzzle de difícil resolución.
El espectador, sin lugar a dudas, saldrá del cine con la sensación de que hay algo. No sabemos muy bien qué, ni por qué, pero no nos quitaremos de encima ese ligero malestar que nos producirá el saber que, la próxima vez, podría sucedernos a nosotros.

"LA HERENCIA VALDEMAR"

HOMENAJE A LOVECRAFT

Sinopsis: Luisa Llorente es la segunda persona desaparecida perteneciente a una agencia inmobiliaria que se encarga de tasar la hacienda victoriana Valdemar. Para encontrarla, sin querer recurrir a la policía bajo ningún concepto, su jefe, Maximilian, contrata al detective Nicolás Tremel para que se encargue del caso. Durante sus pesquisas, Tremel conocerá una antigua leyenda y unos hechos acaecidos hace casi un siglo en aquella mansión, hechos que parecen tener algún tipo de conexión con la desaparición de Luisa.

El debutante José Luis Alemán, se atreve con el enorme y fascinante mundo del escritor norteamericano H.P. Lovecraft de un modo único hasta la fecha. Lo hace desde el respeto y el homenaje, pero sin pretender adaptar fielmente ninguna sola de sus obras. Lo hace desde un perfeccionismo casi exasperante en los detalles, enlazando mediante un comedido flashback el presente con el pasado, sumergiéndonos de zambullida en un mundo recargado y polvoriento lleno de sombras y de luces vespertinas, para adentrarnos sin pausas pero sin prisas en una trama principal plagada de subtramas perfectamente cosidas entre ellas, con un guión que no deja resquicio alguno a las dudas o a la mediocridad. Y lo hace, sorprendentemente, sin ningún tipo de ayuda ni financiación televisiva ni corporativa, algo inconcebible en los tiempos que corren.
“La herencia Valdemar” se erige como una joya única de nuestro cine, a modo de auténtica alabanza al cine antiguo (especialmente al de la factoría británica “Hammer”), pero que no menosprecia tampoco las ventajas y posibilidades de las nuevas tecnologías digitales. No exagera en ningún momento el uso de los efectos especiales, contados y perfectos hasta un punto inimaginable, y solapa de manera harmónica y ejemplar los efectos especiales clásicos –de la mano del maestro de maestro, Reyes Abades– con los digitales o modernos.
La aparición de personajes históricos reales –como el ocultista Aleister Crowley o el escritor irlandés Bram Stoker–, y la perspicaz mención de algunos hechos históricos de la época –como la aparición de las primeras sufragistas femeninas en España–, ponen el colofón a una cinta detallista en extremo, hecho que contrasta con los hechos principales del hilo narrativo.
Una banda sonora inconmensurable y precisa, épica en ciertos momentos e intimista en otros, adorna con sus ribetes musicales un film auténticamente redondo.
Y no podemos dejarnos en tintero la que será una de las últimas apariciones en la gran pantalla del gran Paul Naschy, –o lo que es lo mismo, Jacinto Molina–, fallecido hace unos pocos días, en un personaje con poco diálogo pero al que dota de una personalidad y gestualidad dignas de alabanza.
Para aquellos que aún no lo sepan, “La herencia Valdemar” es un díptico que ha sido rodado de una sola vez –el último ejemplo lo tenemos en “El Señor de los Anillos”, de Peter Jackson–, por lo que no os extrañéis de ese final cortado a tajo. Y ya que estáis, no os perdáis los títulos de crédito, pues hay una pequeña sorpresa, un aperitivo de los que nos deparará la segunda parte. Porque como escribió Lovecraft citando a Abdul Alhazred, “no está muerto lo que yace eternamente, y con los evos extraños, incluso la Muerte puede morir”.

"H.P. LOVECRAFT"

EL CINE QUE PODRÍA SER

Su nombre es Gerónimo, y es mexicano.  Los posters promocionales que aparecen más abajo, no pertenecen a ningún proyecto en marcha -salvo en el caso de "En las Montañas de la Locura", que ya se encuentra en manos del siempre sorprendente Guillermo del Toro-.  Se trata de composiciones personales que el tal Gerónimo ha hecho y mostrado en una página web dedicada a H.P. Lovecraft (http://www.hplovecraft.es/foros/Topic8885-3-2.aspx#bm14539), y que son dignas de un profesional.  Se trata de su particular visión de unas posibles películas que adaptaran obras del Solitario de Providence, concretamente "La llamada de Cthulhu", "El caso de Charles Dexter Ward", "La Sombra sobre Innsmouth" y la ya citada "En las Montañas de la Locura".  Como buen mexicano, cómo no, todas ellas dirigidas por Guillermo del Toro.  Y sin más preámbulos, aquí os adjunto estos fabulosos posters promocionales:

"PANDORUM"

UN THRILLER SCI-FI

Sinopsis: Dos de los tripulantes de una nave espacial, el teniente Payton y el cabo Bower, despiertan de la hibernación sumidos en una profunda amnesia. No recuerdan nada de lo que ha sucedido, ni quiénes son ni qué hacen a bordo de esa nave cuyo destino y misión no recuerdan. Sólo hay un modo de intentar dar respuesta a tanta incógnita: adentrarse en el interior de la nave en busca de pistas. No tardarán en averiguar que no se encuentran solos en ella, y que una desconocida y terrible amenaza acecha en las oscuras y sórdidas entrañas de la nave. De ellos depende, no sólo el éxito de la misión, sino incluso el destino de la raza humana.

Christian Alvart se ha configurado a lo largo de su corta filmografía (“Antikörper, el ángel de la oscuridad”, 2005; “Expediente 39”, 2009; “Pandorum”, 2009) como un director con una más que interesante perspectiva plástica para el género del thriller y el terror. Y es que el realizador germano, ha sabido manifestar hasta el momento una personalidad bastante definida en el terreno del thriller psicológico –género común, dentro de las variantes, a toda su filmografía–, pero sin abandonar ciertos clichés del género que siempre resultan ser baza segura para el éxito de una película.En el caso que nos atañe, la última obra de Alvart se convierte en un estimulante thriller sci-fi que bebe directamente del mayor de los clásicos modernos en este género, “Alien, el octavo pasajero” (Ridley Scott, 1979). No es gratuita tampoco la similitud –guiño, dirían algunos– entre los seres que pueblan la nave y los “morlocks” que inventó H.G. Wells para su novela “La máquina del tiempo” (1895). Pero dejando de lado el tema de los morlocks, hay que decir que es mayor la deuda que tiene “Pandorum” con el film de Scott, innegable tanto desde el punto de vista conceptual como compositivo.Concluir con ello que “Pandorum” no es más que un refrito de otros estándares anteriores, sería una conclusión equivocada a la que no deberíamos llegar.

Es de agradecer que Alvart nos gratifique con un arranque de cinta bastante más interesante e inquietante de lo habitual, con escenas tan oscuras y plomizas que logran que el espectador se sienta ya asfixiado sin que nada haya sucedido aún. Se puede oler el miedo en el aire, se puede palpar la tensión y el desconcierto en el más que interesante encuentro entre un siempre carismático Dennis Quaid y un correctísimo Ben Foster, que consiguen despertar el interés en el espectador desde el primer minuto de cinta. El significado del título en sí mismo –“Pandorum” significa “síndrome disfuncional orbital”–, ya dice mucho del carácter de la obra que estamos viendo.Desgraciadamente, ese aire casi existencial que supura al inicio, se convierte súbitamente en un macabro juego del escondite que acabará siendo excesivamente convencional, como si con ello pretendieran agradar a un público demasiado malacostumbrado a un tipo de cine concreto y que, muy al contrario, agradece esos cambios de perspectiva que se esbozan al principio del film.

Por suerte, al final se retoma ese interesante debate que da inicio a la cinta, y que acaba convirtiéndose en un auténtico galimatías perfectamente orquestado y nada mentiroso, cuya resolución no dejará indiferente a nadie por el mensaje implícito que conlleva. Un mensaje que, por otro lado, aún sigue estando en boga hoy en día.

"EXORCISMO EN CONNECTICUT"

LA ÚLTIMA CASA ENCANTADA

Sinopsis: La familia Campbell pasa por dificultades económicas debido al tratamiento que está llevando a cabo su hijo Matt, quien sufre un cáncer en estado terminal. Por ese motivo se ven obligados a trasladarse a una antigua casa en Connecticut, mucho más asequible a sus posibilidades. Lo que no saben aún, es que Matt comenzará a convertirse en un polo atrayente, en una especie de antena que conectará el mundo de los vivos con las fuerzas del más allá, que intentarán transmitir un oscuro mensaje sobre algo que ocurrió en aquella siniestra casa hace muchos años.

¿Cómo realizar una buena película de “casa encantada”? La respuesta es fácil: una buena historia, emociones fuertes y un ambiente opresivo y lóbrego. La solución, en cambio, ya no lo es tanto: no todo el mundo sabe hacerlo. Algunos se ciñen al susto fácil, con las recurrentes subidas de volumen en la partitura musical o en los efectos sonoros, mientras que para obtener ese ambiente opresivo y lóbrego, se limitan a oscurecer ángulos y rincones mientras los protagonistas se desplazan por los pasillos de la casa en cuestión suspirando entrecortadamente como monjas en celo. Y respecto a lo de la buena historia –esa que echamos tanto en falta últimamente–, ya ni hablemos. Prefieren dejarlo todo a la suerte del efectismo de los efectos especiales y a ver qué pasa, algo que no solía ocurrir en otro tiempo en el que, a falta de ordenadores que hiciesen ese trabajo, había que escurrirse un poco más la mollera para conseguir el efecto deseado.
“Exorcismo en Connecticut” (Peter Cornwell, 2009) es una obra más que destacada dentro del subgénero en lo que llevamos de década. Cumple a la perfección con sus pretensiones, configurando una puesta en escena brillante, en la que la inquietud y la sensación de que va a ocurrir algo en cualquier momento, flota como una pesada neblina durante gran parte del metraje. No es casualidad. La casa en la que se ha rodado la película, al igual que aquella en la que se inspira, también fue una funeraria en otro tiempo.
Posee algo de lo que suelen carecer las películas de este tipo, y es la inserción de personajes con un fuerte componente humano, que aportan un nivel más, otra capa en la que profundizar y que nos acerca mucho más al sufrimiento de los protagonistas. En este caso, lo hace a través del cáncer, uno de los peores males del siglo XX y, al paso que vamos, también del siglo XXI. El elenco de actores sabe dotar a sus roles de la fuerza necesaria para matizar y enfatizar esos rasgos definitorios que les han dado. De este modo, consiguen darle otra vuelta de tuerca al vínculo empático establecido entre ellos y el espectador.
Partiendo de esta sólida base de personajes con cuerpo, y una puesta en escena correctísima, lo único que queda es el factor paranormal. El uso de flashbacks para ir dando pinceladas de los terroríficos hechos acaecidos en la casa de Connecticut, nos proporcionan un considerable poso de intriga para fortalecer los hechos que van a suceder en la actualidad. Tal vez lo más trillado sean los inevitables crujidos del entarimado, las puertas y demás quejidos típicos de estas viejas casas victorianas, pero que contribuyen indefectiblemente al efectismo que siempre se pretende en este tipo de producciones. Lo que sí debe ser destacado, es el carácter terroríficamente carnal de los cadáveres, de un realismo tan extremo que su sola visión produce pánico, con esos tatuajes, las uñas rotas y los ojos blancos, que recuerda tremendamente a las alucinaciones que suele escribir Cliver Barker, y que nos aproxima aún más ese mundo fantasmagórico, casi etéreo de los fantasmas y el más allá. Al convertir ese mundo en algo carnal y, consecuentemente, más próximo a nosotros, lo que hace es convertirlo a su vez en un terror, en una amenaza más próxima de lo que estamos acostumbrados a considerar.
Sólo hay un aspecto negativo en esta producción, y es que al final, se deja llevar por los convencionalismos del subgénero, haciendo uso de todos los tópicos cuando, hasta el momento, el metraje había destacado precisamente por lo inusual del trato. Con ello rompen un poco esa aura especial, y acabas saliendo del cine con la sensación de que podía haberse hecho mucho más con todo el material que han desplegado ante nuestros ojos.

"IMAGO MORTIS"

NO SABER QUÉ HACER CON EL SABER HACER

Sinopsis: En plena crisis tras una reciente tragedia familiar, Bruno Márquez, estudiante de la Escuela Internacional de Cine Murnau, comienza a sufrir unas extrañas visiones en las que, lo que parece ser el espíritu de un joven fallecido, comienza a mostrarle una serie de misteriosas pistas que le dirigen hacia un secreto oscuro. Las visiones pondrán en jaque su propia cordura, hasta que comienza a descubrir de qué se trata ese oscuro secreto: el descubrimiento realizado por el científico del siglo XVII Girolamo Fumagalli, según el cual la retina capturaba la última visión de un fallecido. Dicha imagen podía ser recuperada e impresa en un papel si se le arrancaban los ojos al muerto justo en el momento de la muerte. A ese método, se le dio el nombre de “tanatografía”, y ahora parece ser que alguien está usando la máquina de Fumagalli para cometer crímenes en la Escuela Murnau.

El director Stefano Bessoni rinde con esta cinta un loable homenaje al cine expresionista alemán, y más en concreto al gran Friedrich Wilhelm Murnau, director de la magistral “Nosferatu” (1922), confiriéndole a la película un ambiente opresivo plagado de tenues luces e impenetrables sombras, que reinan por doquier en medio de un paisaje desolador, solitario y claustrofóbico, que en pocas o ninguna ocasión llega a hacernos sentir la sensación de que nos encontramos inmersos en medio de una escuela de cine. La sordidez de los escenarios, la depuración técnica con que ha sabido capturar cada momento de su largo, merecen una mención especial, un reconocimiento a una labor ardua que, sin embargo, se queda en agua de borrajas al no haber sabido profundizar justamente en una trama que acaba siendo tan espesa como las sombras que fotografía. Y es que, para ser justos, lo reiterativo de los escenarios, la falta de sentido en muchas de las secuencias y la flaccidez de la trama argumental, acaba por restarle credibilidad a todo aquello que estamos viendo, atemperando así todo el esfuerzo técnico y compositivo desplegado a lo largo del film.
Sus protagonistas, acartonados y torpes en papeles que son meros comparsas de una trama pobre y desdibujada, no consiguen liberarse de la pobreza con que han sido concebidos, a pesar de contar con nombres como el de Geraldine Chaplin o el de Álex Angulo, que bien poco pueden hacer por darle algo de empaque a sus roles. Tampoco las escabrosas muertes con que pretenden generar tensión en el espectador, consiguen llegar a transmitir ningún tipo de sentimiento a la platea, a no ser la inevitable sensación de asco al ver cómo les arrancan los ojos a las víctimas. Pero sin lugar a dudas, lo peor de todo es el final, con toda una serie de despropósitos argumentales sin sentido, todo para acabar malvendiendo los principios sobre los que se fundamentaba la cinta, y desembocar en un increíble e irrisorio happy ending que supone el descalabro final de un espectáculo para olvidar. Y por si fuera poco, además el ritmo narrativo llega a ser realmente soporífero, pues ni siquiera la correcta banda sonora de Zacarías M. de la Riva consigue conferirle algo de pulso a la narración.
Pero al menos, nos queda ese regusto ligeramente dulzón de haber asistido a un ejercicio más que interesante en cuanto a la fotografía, la iluminación y la composición, con esa proliferación de tonos sepia que responde directamente al espíritu netamente cinemático que pretende transmitirnos la película. Y tal vez la sensación de que, a pesar de lo caótico y descalabrado del resultado, la idea y la intención, en sus orígenes, no eran malas del todo.

"ARRÁSTRAME AL INFIERNO"

EL NUEVO INFIERNO DE RAIMI

Sinopsis: La vida de Christine Brown es casi digna de un cuento de hadas. A punto de triunfar en el banco para el que trabaja, y con un novio encantador y educado, parece que todo le va viento en popa... hasta que se cruza en su camino la extraña Sra. Ganush, pidiéndole por favor que autorice el aplazamiento de las mensualidades de su hipoteca. Su decisión hará que la anciana pierda su casa, y en su ánimo de venganza, la anciana le lanzará una extraña y terrorífica maldición, por la que un ser diabólico intentará arrastrar a Christine al infierno del que viene.

Al sentarme en la butaca frente a la oscuridad, dispuesto a destapar el nuevo y esperado terror de Sam Raimi, me sentí como si me hubiera adentrado de nuevo en aquellos castillos encantados de feria a los que tanto miedo les tuve de pequeño. Supongo que Raimi necesitaba aire fresco, o más bien debería decir aire enrarecido, abandonando las apacibles alturas de Nueva York y colgar las mallas rojas y azules por un tiempo. Supongo que necesitaba volver a sus orígenes, recoger su particular caja de Pandora para desempolvarla y abrirla, en su particular ejercicio de estilo terrorífico-sarcástico, para reencontrarse, a su modo, con los orígenes del gran director que fue, es y será. Y estoy seguro de que también nosotros lo necesitábamos, tanto aquellos que recordamos con añoranza sus posesiones infernales (“Posesión infernal” en 1982, “Terroríficamente muertos” en 1987, y “El Ejército de las Tinieblas” en 1992), como quienes sólo recuerdan a Raimi por haber llevado con tanto acierto a la gran pantalla a nuestro Cabeza de Red favorito.
Pero dejando el corazón a un lado, lo cierto es que “Arrástrame al infierno” es un verdadero espectáculo audiovisual, una lección de savoir faire que supura la elegancia del terror al más puro estilo clásico, con el sarcasmo y la risa que puso de moda su director con la trilogía del maltrecho y desafortunado Ash (que interpretó Bruce Campbell, su actor fetiche). Los puristas del cine de terror, como ya ocurriera en su momento, encontrarán tal vez excesivos los gags en los que la mezcla de terror y risa se decanta a favor de ésta última, pero lo cierto es que no podía prescindir de ese sello inconfundible que no sólo caracterizó su cine, sino que le catapultó a la fama. Para los otros, aquellos que disfrutábamos y aún lo hacemos con este tipo de cine, los guiños pueden acabar sabiendo a una posible falta de ideas, pues desprenden un tufo a guiso recalentado que no acaba de convencer (como la escena en que toda la casa palpita con la presencia del espíritu).
Estas cosas las acabaremos perdonando, si prestamos atención a la perfección con que está rodada la cinta –estilísticamente hablando–, con planos de lo más interesantes, y un sentido del ritmo y de la composición que nos mantiene pegados a la butaca con la boca abierta en una macabra media sonrisa, a la espera del siguiente giro argumental. Y en ese sentido, Raimi no llega a sorprendernos, pero no por ello deja de incluir secuencias que pretenden mantenernos en vilo a lo largo de todo el metraje. Y todo a pesar de que la repetitiva partitura de Christopher Young, de excesivo volumen en los momentos clave, intenta infructuosamente arrancarnos respingos de terror. Tal vez lo peor de todo sea el hecho de que la línea argumental sea excesivamente esquemática, tanto que no deja lugar a la improvisación y a la sorpresa, por lo que la película acaba convirtiéndose en un surtido escaparate de bromas y sustos, de risas y locura que cuanto menos consigue darle al género un lifting fresco y vigoroso, muy de agradecer en medio del panorama del terror moderno, tan saturado de orientalismos sobados y remakes estériles.
Lo indudable, a pesar de todo, es que todos salimos ganando algo: nosotros saldremos del cine con una media sonrisa, recordando con cierto morbo tres o cuatro momentos concretos del film, y muchos más de aquel pasado de posesiones infernales. Respecto al bueno de Sam, le da un respiro, le cura de su morriña de los 80, y le permite enfocar el futuro con la mente más despejada y el bolsillo más lleno.

"UNDERWORLD 3: LA REBELIÓN DE LOS LICÁNTROPOS"

LA GUERRA DE LAS TINIEBLAS

Sinopsis: La tercera entrega de la saga “Underworld” nos llega en forma de precuela, sumergiéndonos en la más pura leyenda, relatándonos con detalle los orígenes de la enemistad primigenia entre vampiros y licántropos. En ella, Sonja, la hija de Viktor, el líder de los vampiros, se enamora de Lucian, un licántropo que fue salvado siendo apenas un bebé por el propio Viktor. El amor surgido entre ellos, desencadenará un enfrentamiento entre las dos razas como jamás antes se había visto.

“Underworld 3: la rebelión de los licántropos” (Patrick Tatopoulos, 2009), se aprovecha del universo creado por Len Wiseman en sus dos cintas predecesoras de 2003 y 2006, para profundizar ligeramente en este mundo de tinieblas, apoyándose en los esbozos que ya pudimos ver durante la segunda entrega de la serie, “Underworld Evolution”. De hecho, poco más nos adentra en la historia, salvo por el hecho de que pueda aportar algunos detalles adicionales más a una historia que, por otro lado, no nos es en absoluto desconocida.
Lo primero que puede llamar la atención al espectador en esta nueva entrega, es el hecho de que no aparezcan ni Kate Beckinsale en el papel principal, ni su esposo Len Wiseman en la dirección –aunque este último sí lo ha hecho como productor–. Tal vez por ello han optado por la precuela, encubriendo de este modo la ausencia de su actriz principal, que únicamente aparece en un plano final –tal vez incluso rescatado de algún descarte de las anteriores entregas–. Todo esto nos puede llevar a sospechar –con algo de acierto– que esta tercera parte no llegue a estar a la altura de las otras dos, y en cierto modo así es. Es un divertimento que, por suerte, no pretende otra cosa que hacer pasar un buen rato al espectador, especialmente a aquel que se considera un buen amante de las películas del género, recuperando en cierto modo ese espíritu más típico de las películas de serie B o incluso Z, que de las grandes producciones de Hollywood. Así, por ejemplo, los efectos especiales dejan bastante que desear, teniendo en cuenta todo lo que hemos visto durante los últimos dos años por las carteleras, pero no por ello deja de estar en la línea de sus predecesoras. El despliegue de secuencias y movimientos rápidos en las escenas de acción, así como el uso de una fotografía lúgubre plagada de azules metalizados y blancos lunares que comulga plenamente con la estética impuesta en la saga, ayuda notablemente a disimular la falta de presupuesto (40 milloncejos de dólares de nada) a la hora de ofrecernos unos efectos especiales a la altura con estos tiempos. Y es que no hay que olvidar que su director, Tatopoulos, ha sido, no sólo el responsable de los efectos especiales de las dos anteriores entregas, sino también de los de “Soy leyenda”, “Yo, Robot”, “Stargate”, “Independence Day”, “Godzilla” y “10.000”, entre otros, por lo que es de suponer que estamos hablando de alguien con el talento y saber hacer suficientes como para llevar a buen puerto una película como ésta.
Pasando a otras cosas, hay que destacar el encomiable duelo interpretativo entre Michael Sheen y Bill Nighy, dos actores que últimamente han demostrado unas cualidades excepcionales en sus interpretaciones, y que ya habían aparecido con anterioridad en la serie. De todos modos, a raíz de algunas de sus últimas películas (“The Queen” y “El desafío: Frost contra Nixon” en el caso de Sheen, y “Love Actually” y “Piratas del Caribe” en el caso de Nighy) los productores han optado por otorgarles un mayor protagonismo aún, si cabe, en esta nueva entrega. Harina de otro costal es la incorporación de Rhona Mitra en el reparto, pretendido e infructuoso contrapunto a la ausencia de Beckinsale que no consigue sino hacernos lamentar su ausencia más aún. Su carácter rudo y su fría mirada, no contribuyen para nada en darle a su personaje el peso necesario para que su relación con Lucian funcione como es debido.
Por todo ello, el espectador debe entender que “Underworld 3: la rebelión de los licántropos”, no busca rizar el rizo, ni exhibe mayores pretensiones que las de hacer pasar un buen rato a los amantes del género. Hay que ser justos con una película que ofrece noventa minutos de entretenimiento puro, desataviada de exigencias autoimpuestas que sólo sirven para entorpecer el resultado. Lo que queda claro, sea como fuere, es que los amantes de la saga “Underworld” disfrutarán sobradamente con esta precuela que, aunque parece ser al mismo tiempo un punto y final a la serie, deja abiertas en cambio todas las posibilidades de un mundo en el que no está, ni mucho menos, todo dicho.

"ESPECIAL DRÁCULA (1958)"

50 ANIVERSARIO: DRÁCULA VUELVE DE LA TUMBA

Fue el título de la tercera de las siete películas en que el inmortal Christopher Lee se metió en la piel del famoso y sanguinario conde, pero nos viene al dedillo para hablar de un momento especial para los amantes del cine de terror. 50 años han transcurrido desde que la productora británica Hammer nos presentara al que sin lugar a dudas ha sido la mejor interpretación del conde Drácula que jamás ha visto el celuloide. Vanity Films lo celebra lanzando por fin en DVD esta joya del séptimo arte, y lo hace en su colección “Leyendas del Cine”, que sale a la venta en exclusiva para la FNAC.

Algo que muchos desconocen, es que fue un español quien fundó en 1934 la Hammer Films. Se llamaba Enrique Carreras, un empresario afincado en Londres que se dedicó a realizar producciones de bajo presupuesto que no llegaron a rebasar las fronteras del Reino Unido. El salto se produjo a mediados de los 50, con el estreno de “El experimento del doctor Quatermass” (Val Guest, 1955). Con ella, el cine de terror dio un salto cualitativo importante. De hecho, la censura británica estableció un nuevo tipo de clasificación para los llamados “horror films”, pasando de la clasificación “H” a la “X”. Nada de esto logró disminuir el éxito de la Hammer, que comenzó de este modo una nueva andadura que lograría establecer los nuevos parámetros del cine de terror, y que en cuestión de pocos años cambiaría por completo tanto el género como el concepto que se tenía de él.
Este éxito hizo pensar a la productora británica en una posible revisión de los grandes clásicos del terror, como lo eran Frankenstein, Drácula, la Momia o incluso el Hombre-Lobo, por lo cual tuvo que enfrentarse a la Universal en un pequeño conflicto legal para no hacerse eco de ciertos aspectos que se habían convertido en un icono para la productora estadounidense.
El siguiente salto fue aún más audaz: rodar una película de terror en color, algo totalmente nuevo y conceptualmente inconcebible en aquella época. “La maldición de Frankenstein” (Terence Fisher, 1957) unió a Peter Cushing, Christopher Frank Carandini Lee (Chrisopher Lee para nosotros) y al director Terence Fisher por primera vez en la gran pantalla. El éxito de esta cinta, inauguraría para los tres una fructífera relación durante los años venideros. El propio Lee es consciente de ello al afirmar: “Peter Cushing y yo hemos hecho tantas películas de terror, que la gente cree que vivimos juntos en una cueva”.
Fue apenas un año más tarde cuando se estrenó el que es sin duda el mayor de los clásicos de la Hammer, y un referente fundamental para el cine de terror universal: “Drácula” (Terence Fisher, 1958) vuelve de la tumba desde que fuera interpretado por Bela Lugosi para la Universal, en el film de Tod Browning de 1931.
Fue un proceso difícil, dado que lo que pretendía originariamente la Hammer era adaptar la famosa novela de Richard Matheson, “Soy leyenda”. La censura británica le había puesto excesivas pegas al guión de “The night creatures” (así iba a llamarse), que fue escrito por su propio autor, y ante tanto inconveniente acabaron desechando la idea. Así fue como la Hammer, empeñada en filmar una película de vampiros, se fijó por fin en Drácula, mientras que Matheson acabaría consiguiendo que filmaran su guión algunos años más tarde, con “El último hombre… vivo” (Sydney Salkow, 1964).
La presentación de “Drácula” en Estados Unidos bajo el nombre de “Horror of Dracula”, evitó cualquier conflicto legal con la Universal, mientras que en España tuvimos que esperar un año más para poder verla en cines.
“Drácula” aporta docenas de cosas al panorama del terror, y a la propia historia del cine, vista ahora en perspectiva, convirtiéndose de este modo en un punto de inflexión que ejercita como eje entre el cine de terror clásico y el contemporáneo.
En lo que respecta al personaje del conde, le confiere un erotismo salvaje nunca antes visto, y que no ha vuelto a verse en ninguna otra adaptación al celuloide. El erotismo implícito en sus mordiscos posee una tesitura casi orgásmica, convirtiendo el pecado en un tentador placer para sus víctimas. El propio Fisher le indicó a la actriz Melissa Stribling, que debía interpretar “como si acabase de vivir un gran éxtasis sexual”. Esa mezcolanza entre hombre y bestia, oculta tras la nobleza de su siniestro porte, le convierte a los ojos de la crítica de un modo casi unánime en el mejor conde Drácula que ha tenido la gran pantalla (a pesar de que, como adaptación de la novela, deja que desear). A este mérito hay que añadir, como curiosidad, que Christopher Lee aún figura en el Libro Guiness de los records como el actor que ha intervenido en mayor número de películas (incluso más que John Turturro, fíjate).
Sin embargo, la aportación más importante de esta película es la incorporación del color. La sangre debe su pureza casi insultante al magnífico empleo del color, que le proporciona vida propia, y que resalta especialmente gracias a unas muertes explícitas, casi dolorosas, a golpe de estaca. Ese uso magistral del color, combinado con una iluminación verdaderamente formidable, y unos decorados austeros pero perfectamente logrados, hacen de “Drácula” un auténtico ejemplo a seguir por todos aquellos cineastas –y cinéfilos– que amen el género del terror.
El éxito de “Drácula” provocó una larga lista de películas sobre el conde, algunas con mayor fortuna que otras, que prolongaron su reinado hasta el estreno de la última película de la Hammer sobre el conde Drácula, “Kung-fu contra los siete vampiros de oro” (Roy Ward Baker, 1974), un auténtico cult movie donde los haya.
Ahora Vanity Films nos brinda la oportunidad de disfrutar de “Drácula” en formato DVD en todo su esplendor y colorido. Aunque eso sí, sin un mísero extra.

"HELLION, EL ÁNGEL CAÍDO"

OTRO DEMONIO MÁS

Sinopsis: Para Max Truemont, éste va a ser su último trabajo. Si todo sale bien, tendrá el dinero suficiente para reabrir ese bar en la esquina que últimamente se ha convertido en su sueño. Junto a su novia Roxanne, comenzará una nueva vida en la que no habrá más robos ni secuestros. Pero este último trabajo se complicará más de lo esperado. Lo que parecía un asunto sencillo, como es raptar a un niño y pedir un rescate a cambio, se convertirá en una auténtica pesadilla de un calibre como jamás pudieran haber imaginado.

No diré nada que no se sepa ya nada más leer el título de la cinta que nos atañe, no más de lo que ya han destrozado cualquier misterio que pudiera haber, con esa soberbia traducción que del título original ha hecho la distribuidora española. Nada más decir, que la película se titula “Whisper” (Susurro), y aquí hemos preferido hacer –como en nuestros mejores tiempos– un auténtico spoiler que merece, como mínimo, cincuenta latigazos para los responsables. No se si ha sido la morriña por las viejas usanzas, o si en verdad se debe al miedo a no pillar ni una sabiendo que se enfrentaban a “La Momia: la Tumba del Emperador Dragón” (Rob Cohen, 2008). Sea como fuere, “Hellion: el Ángel Caído” (Stewart Hendler, 2008) jugaba contra la momia con las cartas marcadas. En primer lugar, tenemos a un director novel tras la cámara, algo que ya de por sí supone un riesgo en ocasiones, aunque no ha sido este el caso. En segundo lugar, se ha visto obligado a llevar a la gran pantalla la enésima historia que tiene como referente el advenimiento demoníaco, llámesele Anticristo, Hellion o como se quiera, embutido en el cuerpo de un niño de apenas diez años, de aspecto angelical y diabólico a la vez. A pesar de todo debemos decir que esta temática, salvo por su evidente carácter recurrente, no deja de poseer un atractivo claro para el público en general, que asiste una y otra vez dispuesto a presenciar un enfoque que, en la mayoría de los casos, ni siquiera aporta el más mínimo aspecto innovador.
Desde que, en 1968, Roman Polanski nos sorprendiera a todos con su excelente “La Semilla del Diablo” (otro magnífico ejemplo, típicamente nuestro, de cómo destrozar todo el misterio de la cinta en los dos segundos que se tarda en leer su título), el género del terror vio inaugurado una especie de nuevo subgénero al que, con el tiempo, se irían incorporando más y más cintas con enfoques similares y resultados dispares. El ejemplo más claro de ello, fue sin lugar a dudas “La Profecía” (Richard Donner, 1976) –aquí sí acertaron con la traducción–, sin lugar a dudas la única que supo retomar la temática del Anticristo con gracia, ofreciendo no sólo una nueva perspectiva, sino también una dimensión del terror mucho más explícita y menos psicológica. Tanto éxito tuvo, que gozó de dos secuelas exitosas en taquilla pero mucho más vacuas de espíritu.
“Hellion: el Ángel Caído”, es la enésima de ellas, y precisamente por ello sufre el peso de la comparativa, que en algunos aspectos le perjudica y en otros le beneficia. Entre los primeros, se encuentran los inevitables paralelismos existentes entre el David que interpreta Blake Woodruff, y el Damien de la profecía, a saber: corte de pelo clásico, chaleco pijo de escuela privada, actitud sosa y mutismo inquietante. Estos clichés de los que ha echado mano su realizador, de un modo consabidamente torpe, nos obligan en todo momento a cotejar esta cinta con la de “La Profecía”, y a sacar nuestras inevitables conclusiones: no le llega ni a la suela de los zapatos. El propio Hendler definió su película durante una entrevista a la revista SciFiWorld: “la defino como El Rescate conoce a La Profecía”. Cómo obviar lo obvio, si incluso su propio padre no puede obviarlo. Al final, la película se convierte en una sucesión de sustos poco elaborados, seguidos de un elenco de muertes de las que el espectador ya es conocedor antes incluso de que sucedan, y cuyo único encanto reside en el modo en que van a ser llevadas a cabo. El hecho de conocer con antelación cuál va a ser el siguiente paso, provoca una ligera sensación de hastío en el espectador, cuyo único interés reside ya en ver cómo va a suceder más que en qué es lo que va a suceder.
Pero por otra parte, hay cosas novedosas en esta producción, beneficios claros que al igual que los perjuicios, no pueden ser tampoco obviados. A pesar de que el planteamiento del niño diabólico es exageradamente mimético con sus predecesores del celuloide, la ausencia de las sectas satánicas sabedoras de su existencia le confiere a la cinta una nueva dimensión en la que, a falta de la riqueza que pudiera conferirle, le obliga a resaltar aspectos que, de otro modo, jamás verían la luz. Estos aspectos son en concreto los poderes sobrenaturales de que goza el joven demonio, desde su habilidad para generar ilusiones hasta su capacidad para controlar la mente de sus víctimas, o conocer los secretos más recónditos y oscuros de su pasado. Estas nuevas características le convierte en un ser difícil de dominar, que no necesita de sicarios ni adoradores que le protejan –como ocurría con “La Semilla del Diablo” o “La Profecía–, y que no tiene otra razón de ser que su mera existencia para sembrar el mal y la cizaña entre los mortales. Hay que destacar también la banda sonora de Jeff Rona, que aunque a veces también se ve afectada por ese mimetismo de las bandas sonoras de sus predecesoras (como por ejemplo, en los coros eclesiásticos con tintes satánicos), subraya los momentos más inquietantes de la cinta. Por último, señalar que también el final es marcadamente diferente del de sus predecesoras. Si es mejor o peor, eso es algo que ya queda subordinado al gusto particular de cada consumidor. Yo, particularmente, sigo prefiriendo “La Profecía”.

"LA NIEBLA"

EN LA MENTE DE KING

Sinopsis: Un pequeño pueblo de Maine se ve arrasado por una repentina y desastrosa tormenta. Mientras sus habitantes amanecen intentando regresar a sus vidas y arreglar los desperfectos, una espesa y extraña niebla cubre por completo la tranquila localidad. Pero hay algo más detrás de esa niebla.

La pasión que siente Frank Darabont por la literatura de Stephen King es algo especial. Prueba de ello son las cuatro adaptaciones que con esta ha efectuado ya de novelas y relatos del maestro del terror. La primera de ellas fue un corto de principios de los 80, “Dollar babies”, resultado de una fabulosa iniciativa de Stpehen King, que vendía los derechos cinematográficos de algunos de sus relatos cortos por tan sólo 1$, con el fin de promover a los autores noveles. El resultado satisfizo enormemente a King.
Pero lo que Darabont tenía en mente era “La niebla”. Lo que jamás hubiese imaginado, es que antes de poder cumplir sus sueños acabaría adaptando otras dos obras de King: “Rita Hayworth y la redención de Shawshank” –estrenada como “Cadena perpétua” (1994)– y “El corredor de la muerte” –estrenada como “La milla verde” (1999), dos dramas carcelarios que en verdad se encontraban un poco lejos de su verdadera pasión, que es el género del terror.
“La niebla” es un relato de terror con sabor clásico, cuyo mayor mérito no es la originalidad de su historia, sino los hechos y el desarrollo que plantea. Si en algo es un maestro King, es en el desarrollo de sus personajes y de las relaciones humanas que les unen. Es un analista de la condición humana, y en ese sentido Darabont se ha convertido en un perfecto intérprete de su obra. “La niebla” pretende, no tanto atemorizarnos con el terror ignoto que se encuentra tras ella, sino más bien encararnos con el terror a nuestro propio comportamiento. El verdadero quid de la cuestión son las reacciones de las sociedades humanas cuando se ven sometidas a situaciones extremas, y que con tanto acierto supo exponer William Golding en su obra “El Señor de las Moscas” (1954).
Pero es cierto que el espectador podrá encontrar algo más que un profundo estudio antropológico sobre la condición humana. Hay monstruos de herencia lovecraftiana, y están tras la niebla. El espectador se quedará atenazado a su sillón mientras asiste a un futuro incierto, al despliegue del ingenio humano por sobrevivir en unas secuencias rodadas con gran eficacia, y a un final que no pinta ser, para nada, alentador.
Los puristas, advertidos quedan: Darabont ha optado por un final distinto del que propusiera King en su obra, agridulce, pero ligeramente más esperanzador.

"LAS RUINAS"

EL HORROR EN LA SELVA

Sinopsis: Cuatro jóvenes norteamericanos que se encuentran de vacaciones en Cancún, son invitados por Mathias, un turista alemán, para ir a ver a su hermano Heinrich a unas ruinas en las que está excavando la actual novia de éste. Lo que empezará siendo un fabuloso descubrimiento de una pirámide maya en medio de la agreste selva, acabará siendo una inesperada lucha por salvar sus propias vidas.

A pesar de los muchos símiles sugeridos entre “Las ruinas” (Smith, 2008) y “Turistas” (Stockwell, 2006) –por aquello de los jóvenes turistas americanos que las pasan canutas en un país sudamericano–, lo cierto es que, por suerte, poco tiene que ver con ella.
“Las ruinas” es una adaptación de la novela homónima de Scott B. Smith (responsable también de la magnífica “Un plan sencillo”), que él mismo ha guionizado para la gran pantalla. El planteamiento que nos propone, sencillo de principio a fin, se torna claustrofóbico y asfixiante a pesar de que casi todo el metraje transcurre íntegramente en exteriores. Tiene un aire clásico que nos recuerda a películas atemporales como “La Cosa” (Carpenter, 1982), “Blob, masa mortal” (Yeaworth, 1958) o incluso “Alien, el octavo pasajero” (Scott, 1979), salvando las diferencias, claro está, dado que a estas alturas resulta ya muy difícil sorprender al espectador con nuevos miedos.
Aun así, hay que decir a favor de ella que retoma con gracia ciertos arquetipos del terror clásico, horrores que ya en su día nos sugirieron autores como H.P. Lovecraft, Robert Bloch o incluso Stephen King, y que gracias a su propio carácter materialista dejan de parecernos imposibles. Smith se limita a plantearnos la existencia casi secreta de un horror ancestral de procedencia desconocida, algo tan primitivo y salvaje como la propia naturaleza en la que se oculta. Luego lo reviste de situaciones límite, pinceladas al estilo gore en ocasiones, pero sin caer en la banalidad o la simpleza.
Nos encontramos pues ante una cinta interesante y fresca, donde tal vez lo único que se eche de menos son dos cosas: por un lado, la presencia de personajes un poco más sólidos, más elaborados, que logren transmitir al espectador la verdadera tragedia de sus circunstancias; por otro lado, el desarrollo de un final mejor, más elaborado, que hubiera logrado redondear el film, y que sería consecuente con la posibilidad casi apocalíptica que se está planteando a lo largo de toda la cinta, y que parece obviarse en los últimos minutos del metraje, en favor de la más que manida y excesivamente sobada sugerencia de una posible secuela.

"30 DÍAS DE OSCURIDAD"

LA NOCHE MÁS LARGA

Sinopsis: El pueblo de Barrow, en Alaska, tiene la desafortunada fama de ser el pueblo más septentrional de los Estados Unidos de América. Por ello, cada verano, durante 30 días, queda sumido en una noche eterna. El frío se agudiza y dos terceras partes de sus habitantes emigran a otros lugares donde la luz del día ilumine sus amaneceres. Pero este año, esa noche eterna no será lo único contra lo que se verán obligados a enfrentarse: una comunidad de vampiros ancestrales ha decidido instalarse en Barrow durante esos 30 días de oscuridad, dispuestos a saciar su interminable sed de sangre con las vidas de aquellos que han decidido quedarse en el remoto pueblo.

No era misión fácil llevar a la gran pantalla una obra como “30 días de oscuridad”, convertido ya en un icono del cómic actual. Y es que el mayor acierto del planteamiento general de esta obra, es el entorno en el que se ubica: un remoto paisaje de Alaska, gélido hasta la saciedad y perpetuamente nocturno, alejado de todo aquello que pueda recordarnos que, algún día, perteneció al reino de los hombres. Sin embargo, sus realizadores han conseguido plasmar de manera encomiable la asfixiante atmósfera de la obra original.
Si bien fue Sam Raimi quien rompió una primera lanza en favor de esta adaptación al poner las habas sobre la mesa, le corresponde al tándem Slade-Niles el éxito final de la cinta. Steve Niles no sólo es el autor del cómic-book, sino también el guionista de la película, por lo que podemos respirar tranquilos al saber que es gracias a él que ésta conserva todo el espíritu de su obra. Respecto a David Slade, ya nos sorprendió en su momento con su primer largo, “Hard Candy” (2005), y con este segundo largometraje ahonda más en su intento por demostrar su poderosa capacidad gráfica y visual. Y es que “30 días de oscuridad” le ha permitido volver por sus fueros con imágenes que rozan la estética del videoclip, con una iluminación y fotografía que hacen honor al espíritu original del cómic, y en las que nos sentimos continuamente atrapados hasta llegar a la asfixia. La composición casi pictórica de cada fotograma, el uso y abuso de la roja sangre sobre la blanca nieve, de la mortecina piel de los vampiros asomando bajo las oscuras sombras de esos días eternos, consigue recoger en su metraje toda la esencia de la obra.
Hay algo en ella que nos recuerda al estilo de Neil Marshall, y otro poco que nos trae a la mente los mejores momentos de “La Cosa” (John Carpenter, 1982). Y sin embargo, sigue manteniendo el espíritu del cómic al que adapta, con unas imágenes plagadas de sombras y de ventiscas confusas, de un gore extrañamente elegante, de miedo irracional en cada pulgada de su metraje, y que queda acentuado por la sensacional banda sonora de Brian Reitzell –que por momentos también nos recuerda a la música de “La Cosa”–, reiterativa y metálica, grave e intencionadamente discorde, como una cadenciosa letanía inquieta y voraz, que apuntala cada fotograma sin darle al espectador un solo minuto de descanso.
Es destacable el modo en que han sido pincelados los vampiros, convertidos en auténticas bestias de gran inteligencia, cuyas guturales voces hablan una lengua que ensombrece la fonética de Mordor, y que nos pone los pelos de punta sólo con oírla.
Este cúmulo de detalles, engarzados con una maestría inusual en un director tan joven, pone de manifiesto un savoir-faire de insoslayable calidad que, con el paso del tiempo, convierta probablemente a ésta película en un auténtico clásico y referente del género de terror.