VERTIGE

TERROR EN LA CUMBRE

Sinopsis: Un grupo de amigos programan un reencuentro quedando para realizar una escalada en tierras croatas. Lo que en un principio parece una simple excursión aventurera, comienza a convertirse en una pesadilla de vértigo, especialmente cuando descubren que no están solos en aquellos inhóspitos parajes.

El planteamiento que nos propone Abel Ferry en “Vértigo” (2010), es un fuego de artificio que parte de una presentación más que interesante, hacia un final que, al contrario que ocurre en los fuegos de artificio, acaba convirtiéndose en una amalgama de trivialidades y clichés más que tópicos que van perdiendo mecha a medida que nos vamos aproximando a los compases finales de la cinta. Pero hay que decir en su favor, que tuvo la suerte de ser elegida para abrir la 20ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, lo cual dice bastante a favor de ella. La puesta en escena brilla por sí sola por el mero hecho de haber sido rodada en unos espacios naturales verdaderamente sobrecogedores, y por si fuera poco, los planos y contraplanos que abundan a lo largo de todo el metraje, contribuyen enormemente a crear en nosotros esa sensación de vértigo y de sobrecogimiento que precisa la historia. Uno no puede dejar de acordarse de la impactante “Máximo riesgo” (Renny Harlin, 1993) al ver algunas escenas, pero “Vértigo” posee ese aliciente que es el saber que estamos contemplando paisajes reales al cien por cien, sin aditivos digitales ni falsos trasfondos.
La idea primordial de que puede ser una película teenager con tintes de road movie pero a gran altura, queda descartada apenas transcurridos los primeros minutos. Y todo por la elaboración de un implícito triángulo amoroso entre Guillaume, Loïc y Chloé, que contribuye a generar en el espectador esa extraña sensación de desasosiego, esa sospecha más que evidente de que algo malo va a suceder. Sin embargo, como ya había mencionado al principio, todo este planteamiento inicial va perdiendo fuerza mientras la va ganando otro factor mucho menos interesante y bastante más manido, hasta tal punto que la película acaba convirtiéndose en un sucedáneo rancio pero a gran altura de slashers actuales que han corrido mejor fortuna, como pueden ser “Wolf Creek” (Greg McLean, 2005) o “Eden Lake” (James Watkins, 2008).
En definitiva, una propuesta visualmente interesante y bien trabajada, pero lastrada con un último tramo y desenlace demasiado manidos, y supuestamente justificados con una coletilla final con visos de estar basada en hechos reales, pero que en realidad no deja de ser una tramposa dramatización más próxima al “what if”.

"LA CUARTA FASE"

ABDUCCIONES EN ALASKA

Sinopsis: Basada en hechos reales documentados, la película nos narra los hechos vividos por Abbey Tyler, psicóloga afincada en Nome, Alaska, quien tuvo una serie de pacientes de la misma localidad con graves problemas de trastorno del sueño. A medida que avanzó en sus terapias de hipnosis, todos sus pacientes comenzaron a manifestar comportamientos que hacían sospechar encuentros con inteligencias no-humanas. Todos ellos afirmaban haber visto cerca de sus ventanas una lechuza blanca. La doctora Tyler acabó dándose cuenta que todas esas visiones y encuentros de los habitantes de Nome, se remontaban a los años 60.

Lo más llamativo de “La Cuarta Fase” (Olatunde Osunsanmi, 2009) es, sin lugar a dudas, el modo en que está narrada. Hay un empeño de su director por no hacernos olvidar en ningún momento que la película está basada en hechos reales, y lo hace con un empeño casi documentalista. Nos advierten desde un principio que, lo que vamos a presenciar, es una dramatización de los extraños sucesos acaecidos a la familia de la doctora Tyler y a algunos de sus pacientes, pero el soporte audiovisual que nos proporcionan –cotejado siempre en paralelo con las interpretaciones de los actores– ayuda enormemente a esa sensación de inquietud al saber que, lo que estamos viendo, además de suceder realmente, puede tener visos de contactos con seres no humanos. Lo malo es que, en ocasiones, el aporte documental ralentiza un poco el ritmo de los acontecimientos, y no aporta nada nuevo al discurso, ya que únicamente pretende comparar, en paralelo, la interpretación ficticia con los hechos reales que sucedieron en Nome.
Hay un par de escenas particularmente impactantes –que no contaré aquí por razones obvias–, pero exceptuándolas a ellas no hay, en ningún momento, intención alguna por parte del realizador de manipular nuestro modo de percibir las cosas, lo cual es de agradecer.
“La Cuarta Fase”, difiere de otras películas que hablan de contactos y abducciones extraterrestres en varios puntos, y precisamente por ello es de especial interés. Únicamente por ello, debería ser de visionado obligatorio. Eso sí, que nadie espere una película de extraterrestres al uso, ni nada por el estilo.
De entre esos puntos divergentes, tal vez el más destacado sea que no llegaremos a ver extraterrestres en ningún momento. Por otro lado, tampoco llegamos a tener al final una visión clara del conjunto, sino toda una serie de datos, pruebas, videos, grabaciones de audio, posibles testimonios históricos, etc., que nos proporcionarán toda una amalgama de piezas que conforman un puzzle de difícil resolución.
El espectador, sin lugar a dudas, saldrá del cine con la sensación de que hay algo. No sabemos muy bien qué, ni por qué, pero no nos quitaremos de encima ese ligero malestar que nos producirá el saber que, la próxima vez, podría sucedernos a nosotros.

"LA HERENCIA VALDEMAR"

HOMENAJE A LOVECRAFT

Sinopsis: Luisa Llorente es la segunda persona desaparecida perteneciente a una agencia inmobiliaria que se encarga de tasar la hacienda victoriana Valdemar. Para encontrarla, sin querer recurrir a la policía bajo ningún concepto, su jefe, Maximilian, contrata al detective Nicolás Tremel para que se encargue del caso. Durante sus pesquisas, Tremel conocerá una antigua leyenda y unos hechos acaecidos hace casi un siglo en aquella mansión, hechos que parecen tener algún tipo de conexión con la desaparición de Luisa.

El debutante José Luis Alemán, se atreve con el enorme y fascinante mundo del escritor norteamericano H.P. Lovecraft de un modo único hasta la fecha. Lo hace desde el respeto y el homenaje, pero sin pretender adaptar fielmente ninguna sola de sus obras. Lo hace desde un perfeccionismo casi exasperante en los detalles, enlazando mediante un comedido flashback el presente con el pasado, sumergiéndonos de zambullida en un mundo recargado y polvoriento lleno de sombras y de luces vespertinas, para adentrarnos sin pausas pero sin prisas en una trama principal plagada de subtramas perfectamente cosidas entre ellas, con un guión que no deja resquicio alguno a las dudas o a la mediocridad. Y lo hace, sorprendentemente, sin ningún tipo de ayuda ni financiación televisiva ni corporativa, algo inconcebible en los tiempos que corren.
“La herencia Valdemar” se erige como una joya única de nuestro cine, a modo de auténtica alabanza al cine antiguo (especialmente al de la factoría británica “Hammer”), pero que no menosprecia tampoco las ventajas y posibilidades de las nuevas tecnologías digitales. No exagera en ningún momento el uso de los efectos especiales, contados y perfectos hasta un punto inimaginable, y solapa de manera harmónica y ejemplar los efectos especiales clásicos –de la mano del maestro de maestro, Reyes Abades– con los digitales o modernos.
La aparición de personajes históricos reales –como el ocultista Aleister Crowley o el escritor irlandés Bram Stoker–, y la perspicaz mención de algunos hechos históricos de la época –como la aparición de las primeras sufragistas femeninas en España–, ponen el colofón a una cinta detallista en extremo, hecho que contrasta con los hechos principales del hilo narrativo.
Una banda sonora inconmensurable y precisa, épica en ciertos momentos e intimista en otros, adorna con sus ribetes musicales un film auténticamente redondo.
Y no podemos dejarnos en tintero la que será una de las últimas apariciones en la gran pantalla del gran Paul Naschy, –o lo que es lo mismo, Jacinto Molina–, fallecido hace unos pocos días, en un personaje con poco diálogo pero al que dota de una personalidad y gestualidad dignas de alabanza.
Para aquellos que aún no lo sepan, “La herencia Valdemar” es un díptico que ha sido rodado de una sola vez –el último ejemplo lo tenemos en “El Señor de los Anillos”, de Peter Jackson–, por lo que no os extrañéis de ese final cortado a tajo. Y ya que estáis, no os perdáis los títulos de crédito, pues hay una pequeña sorpresa, un aperitivo de los que nos deparará la segunda parte. Porque como escribió Lovecraft citando a Abdul Alhazred, “no está muerto lo que yace eternamente, y con los evos extraños, incluso la Muerte puede morir”.

"IMAGO MORTIS"

NO SABER QUÉ HACER CON EL SABER HACER

Sinopsis: En plena crisis tras una reciente tragedia familiar, Bruno Márquez, estudiante de la Escuela Internacional de Cine Murnau, comienza a sufrir unas extrañas visiones en las que, lo que parece ser el espíritu de un joven fallecido, comienza a mostrarle una serie de misteriosas pistas que le dirigen hacia un secreto oscuro. Las visiones pondrán en jaque su propia cordura, hasta que comienza a descubrir de qué se trata ese oscuro secreto: el descubrimiento realizado por el científico del siglo XVII Girolamo Fumagalli, según el cual la retina capturaba la última visión de un fallecido. Dicha imagen podía ser recuperada e impresa en un papel si se le arrancaban los ojos al muerto justo en el momento de la muerte. A ese método, se le dio el nombre de “tanatografía”, y ahora parece ser que alguien está usando la máquina de Fumagalli para cometer crímenes en la Escuela Murnau.

El director Stefano Bessoni rinde con esta cinta un loable homenaje al cine expresionista alemán, y más en concreto al gran Friedrich Wilhelm Murnau, director de la magistral “Nosferatu” (1922), confiriéndole a la película un ambiente opresivo plagado de tenues luces e impenetrables sombras, que reinan por doquier en medio de un paisaje desolador, solitario y claustrofóbico, que en pocas o ninguna ocasión llega a hacernos sentir la sensación de que nos encontramos inmersos en medio de una escuela de cine. La sordidez de los escenarios, la depuración técnica con que ha sabido capturar cada momento de su largo, merecen una mención especial, un reconocimiento a una labor ardua que, sin embargo, se queda en agua de borrajas al no haber sabido profundizar justamente en una trama que acaba siendo tan espesa como las sombras que fotografía. Y es que, para ser justos, lo reiterativo de los escenarios, la falta de sentido en muchas de las secuencias y la flaccidez de la trama argumental, acaba por restarle credibilidad a todo aquello que estamos viendo, atemperando así todo el esfuerzo técnico y compositivo desplegado a lo largo del film.
Sus protagonistas, acartonados y torpes en papeles que son meros comparsas de una trama pobre y desdibujada, no consiguen liberarse de la pobreza con que han sido concebidos, a pesar de contar con nombres como el de Geraldine Chaplin o el de Álex Angulo, que bien poco pueden hacer por darle algo de empaque a sus roles. Tampoco las escabrosas muertes con que pretenden generar tensión en el espectador, consiguen llegar a transmitir ningún tipo de sentimiento a la platea, a no ser la inevitable sensación de asco al ver cómo les arrancan los ojos a las víctimas. Pero sin lugar a dudas, lo peor de todo es el final, con toda una serie de despropósitos argumentales sin sentido, todo para acabar malvendiendo los principios sobre los que se fundamentaba la cinta, y desembocar en un increíble e irrisorio happy ending que supone el descalabro final de un espectáculo para olvidar. Y por si fuera poco, además el ritmo narrativo llega a ser realmente soporífero, pues ni siquiera la correcta banda sonora de Zacarías M. de la Riva consigue conferirle algo de pulso a la narración.
Pero al menos, nos queda ese regusto ligeramente dulzón de haber asistido a un ejercicio más que interesante en cuanto a la fotografía, la iluminación y la composición, con esa proliferación de tonos sepia que responde directamente al espíritu netamente cinemático que pretende transmitirnos la película. Y tal vez la sensación de que, a pesar de lo caótico y descalabrado del resultado, la idea y la intención, en sus orígenes, no eran malas del todo.

"LA NIEBLA"

EN LA MENTE DE KING

Sinopsis: Un pequeño pueblo de Maine se ve arrasado por una repentina y desastrosa tormenta. Mientras sus habitantes amanecen intentando regresar a sus vidas y arreglar los desperfectos, una espesa y extraña niebla cubre por completo la tranquila localidad. Pero hay algo más detrás de esa niebla.

La pasión que siente Frank Darabont por la literatura de Stephen King es algo especial. Prueba de ello son las cuatro adaptaciones que con esta ha efectuado ya de novelas y relatos del maestro del terror. La primera de ellas fue un corto de principios de los 80, “Dollar babies”, resultado de una fabulosa iniciativa de Stpehen King, que vendía los derechos cinematográficos de algunos de sus relatos cortos por tan sólo 1$, con el fin de promover a los autores noveles. El resultado satisfizo enormemente a King.
Pero lo que Darabont tenía en mente era “La niebla”. Lo que jamás hubiese imaginado, es que antes de poder cumplir sus sueños acabaría adaptando otras dos obras de King: “Rita Hayworth y la redención de Shawshank” –estrenada como “Cadena perpétua” (1994)– y “El corredor de la muerte” –estrenada como “La milla verde” (1999), dos dramas carcelarios que en verdad se encontraban un poco lejos de su verdadera pasión, que es el género del terror.
“La niebla” es un relato de terror con sabor clásico, cuyo mayor mérito no es la originalidad de su historia, sino los hechos y el desarrollo que plantea. Si en algo es un maestro King, es en el desarrollo de sus personajes y de las relaciones humanas que les unen. Es un analista de la condición humana, y en ese sentido Darabont se ha convertido en un perfecto intérprete de su obra. “La niebla” pretende, no tanto atemorizarnos con el terror ignoto que se encuentra tras ella, sino más bien encararnos con el terror a nuestro propio comportamiento. El verdadero quid de la cuestión son las reacciones de las sociedades humanas cuando se ven sometidas a situaciones extremas, y que con tanto acierto supo exponer William Golding en su obra “El Señor de las Moscas” (1954).
Pero es cierto que el espectador podrá encontrar algo más que un profundo estudio antropológico sobre la condición humana. Hay monstruos de herencia lovecraftiana, y están tras la niebla. El espectador se quedará atenazado a su sillón mientras asiste a un futuro incierto, al despliegue del ingenio humano por sobrevivir en unas secuencias rodadas con gran eficacia, y a un final que no pinta ser, para nada, alentador.
Los puristas, advertidos quedan: Darabont ha optado por un final distinto del que propusiera King en su obra, agridulce, pero ligeramente más esperanzador.

"LOS CRÍMENES DE OXFORD"

LA VERDAD NO EXISTE

Sinopsis: Martin es un joven norteamericano empeñado en conseguir que el eminente Arthur Seldom diriga su tesis doctoral. Todo da un giro cuando ambos descubren a la vez el cadáver de una anciana en las afueras de Oxford. Lo que en un principio parece ser un crimen más, acabará convirtiéndose en el primero de una serie de muertes, de asesinatos casi imperceptibles que parecen seguir un orden, una serie lógico-matemática que pondrá en juego no solo las aptitudes del profesor y el alumno, sino también sus propias convicciones matemáticas y su modo de entender el mundo.

Álex de la Iglesia se ha decidido por fin a dar el gran salto y darse a conocer en todo el mundo. Lo ha hecho en un momento especialmente dorado para el cine español, en el que actores y directores se ven gratamente valorados a nivel mundial (Banderas, Amenábar, Cruz, Bayona y, cómo no, Bardem), y se ha asegurado la baza incluyendo en el reparto a dos actores de renombre, Elijah Wood y el apabullante John Hurt. El éxito fluctuante, patente en toda su filmografía, le ha llevado a permanecer un poco al margen de los acontecimientos durante estos últimos años. Ahora, restablecido del batacazo económico que supuso “800 balas” (2002), reaparece con una producción que recupera la esencia de las películas clásicas detectivescas.
Hay algo en este tipo de obras que siempre despertará la admiración en el espectador. Puede que sea el respeto mutuo entre los cineastas y los cinéfilos, en el que los primeros no toman a los segundos por estúpidos, y les hacen partícipes de esa maraña de preguntas sin respuestas que claman por ser resueltas. Tal es el caso de “Los crímenes de Oxford”, despojada por completo de escondrijos secretos y malos malosos, para vestirse con las finas telas de la inteligencia humana, de la deducción lógica aplicada al conocimiento matemático.
Haciendo uso de un ambiente inmejorablemente romántico, como el de Oxford, Álex de la Iglesia yuxtapone a dos personajes (Wood y Hurt) separados por un abismo generacional y diferentes perspectivas de la vida, que les aboca indefectiblemente a complementar sus aptitudes con las del otro en su afán por desvelar el misterio de los asesinatos que van a cometerse, y a enfrentar sus propios egos en un proceso en el que lo más importante ya no es evitar los asesinatos, sino ser el más inteligente. De la Iglesia se desenvuelve con elegancia en esta película, para la cual ha dejado de lado su propio estilo narrativo para hacerse eco del propio Hitchcock, manifestando con soltura sus dotes como director. Merece especial mención el descubrimiento del primer cadáver, en el cual, haciendo uso de un impresionante travelling convertido en un plano-secuencia, se sirve progresivamente de varios de los personajes de la obra para llevarnos de un lugar a otro y hacernos entender que nos encontramos en una comunidad hermética y minúscula, llena de secretos y engaños.
La magistral partitura de Roque Baños (que vuelve a poner su arte a disposición de De la Iglesia por enésima vez) consigue imbuir y acrecentar un cierto sentimiento de desasosiego, aportando con su música un ritmo perfectamente adecuado al tempo narrativo impuesto por su director.
Un poco dislocada se encuentra Leonor Watling, subyugada a un personaje de nulo peso dramático que parece metido a presión en una historia donde su inclusión es bastante prescindible por esa falta de peso, y cuyo único mérito es el de proporcionarnos la espectacular visión de su escultural cuerpo. Al otro lado, tenemos a una magnífica Julie Cox, mucho más agraciada por el papel que le ha tocado interpretar, el de un personaje infeliz empeñado en contener unos sentimientos desbordados y perfectamente transmitidos a través de una mirada tan profunda como psicótica.
La peor dolencia de la película es, tal vez, una creciente falta de ritmo a partir de la segunda mitad, momento en el que se sumerge en una ligera somnolencia que provocará en el espectador una progresiva falta de interés, recuperada por suerte en los últimos minutos de la cinta. Puede que algunos espectadores se sientan un poco confundidos en medio de tanta matemática y teorías filosóficas, a pesar de que se han amenizado considerablemente las terminologías, pero su inclusión resulta indispensable para el correcto desarrollo de la trama.
“Los crímenes de Oxford” es una apuesta inteligente y bienvenida en nuestras carteleras, necesaria en un momento en que el cine español necesita mantener encendida esa llama del éxito que tanto ha costado encender.

"LA NIÑERA"

LOCURA Y SOLEDAD

Sinopsis: Frank, Julie y su hijo recién nacido, Sam, se mudan a una apartada casa en una zona rural despoblada. Julie está afectada de estrés posparto, y Frank está haciendo lo imposible por intentar ayudarla a él y a su hijo mientras trabaja en su libro. Mientras tanto, ambos comenzarán a enfermar, y en medio de atormentadoras pesadillas, comenzarán a descubrir que no están solos.

Lukas Haas, el niño de “Único testigo” (Peter Weir, 1985) ya se nos ha hecho mayor, a pesar de que parece seguir teniendo la misma cara. Tras sorprendernos el pasado año con interpretaciones como la de “Brick” (Rian Jonson, 2006), la de “Alpha Dog” (Nick Cassavetes, 2007) o la de “Last Days” (Gus Van Sant, 2007), ahora lo hace con menos acierto junto a Tim Brown, quien se lanza a la aventura de la dirección con “La niñera” (2007), en la que sobresalen con demasiada claridad tanto su inexperiencia como sus deficiencias como director.
Lo hace para presentarnos una historia sencilla y sin pretensiones, destinada claramente a su consumo directo en DVD, y en la que Lukas Haas es el eje principal de un argumento intenso, soportando con dificultad el peso interpretativo de toda la cinta. Consigue algo muy difícil hoy en día, y es llegar a captar la atención del espectador y generar en él cierta intriga hasta los últimos quince minutos de película. Y todo ello sin recurrir a hipérboles sensoriales ni a efectos manidos, salvo tal vez la presencia del espíritu junto a la cuna, cuyo dedo acusador, camisón sucio y greñas mugrientas nos llega a recordar a los espíritus torturados de tantas y tantas cintas de terror oriental.
En ella nos regala un gratificante viaje por la soledad y la locura durante el cual, Frank (Lukas Haas) y Julie (Emily Hampshire) se verán abocados a un progresivo distanciamiento que les trastornará. El insomnio y la soledad, el amor y el odio, conforman los elementos fundamentales de este thriller de engañoso título y peor carátula (junto a estas líneas ofrezco la versión canadiense, bastante más sugerente y acertada), que sembrará en el espectador un cierto desasosiego a medida que vayan transcurriendo los minutos.
Apunte especial merecen algunas de las secuencias de la cámara de video y del escucha para bebés, que provocará ecos en los más avezados, recordándoles ciertos pasajes de “La habitación del niño” (Alex de la Iglesia, 2006).
Por contra, la pesadez y falta de pulso del tempo narrativo, hace que por momentos nos dé la sensación de que la historia no avanza, y que fluctúe nuestra atención por los hechos narrados, algo que no debe cegarnos a la hora de apreciar las virtudes de una cinta que, contada por otro director con más experiencia de un modo más convencional, lograría resultados ciertamente mejores.

"LA ISLA DE LOS CONDENADOS"

GRAN HORMONA

Sinopsis: Nos encontramos frente a una nueva generación de reality show en la que la televisión no sacará tajada. A través de internet, cualquiera que tenga tarjeta de crédito podrá ver un espectáculo sin igual en el que diez condenados a muertes de diferentes cárceles del tercer mundo, se verán obligados a enfrentarse entre ellos a muerte hasta que sólo quede uno. Lo harán en una remota isla del Pacífico, y tienen treinta horas para hacerlo, si no quieren ver cómo explota el dispositivo que les han adherido al tobillo. Treinta horas para matar, o morir.

En 1979, un escritor completamente desconocido por aquel entonces sorprendió al mundo entero con una fascinante novela titulada “La larga marcha”, repitiendo éxito en 1982 con otra novela de ciencia-ficción de índole similar, “El fugitivo”, que más tarde sería destrozada en el cine por Arnold Schwarzenegger (Paul Michael Glaser, 1987). Aquel escritor se llamaba Richard Bachman. Todos querían saber quién era aquel desconocido al que la crítica ya había bautizado como el nuevo Isaac Asimov, y que presagiaba un mundo futuro en el que el espectáculo televisivo se convertiría en una especie de moderno circo romano. Al final resultó que aquel desconocido, no era sino el pseudónimo de uno de los grandes escritores de nuestro tiempo: Stephen King.
Ahora, casi veinte años después, nos encontramos con que la televisión ya ha comenzado a sufrir el grotesco cambio presagiado por el maestro del terror contemporáneo. Programas como “Gran Hermano” o “La isla de los famosos”, se cuentan entre aquellos con mayor índice de audiencia, y los reality show, sean de la índole que sean, campan a sus anchas por las diferentes cadenas televisivas y por internet.
Por eso tenemos ante nosotros “La isla de los condenados”, un calculado producto que alza su voz para criticar, no a aquellos que elaboran dichos programas, sino a los que contribuyen a que sigan apareciendo como espárragos en época de lluvias. Coproducida por la World Wrestling Association y encabezada en el reparto por el wrestler Steve Austin y el exfutbolista británico Vinnie Jones en papeles antagónicos, el menú contiene testosterona y escotes pronunciados a partes iguales para satisfacer a todo el mundo, violencia para los amantes del género y crítica constructiva para sus detractores, todo ello mezclado convenientemente en una cinta algo por encima de la media.
No hay mayor aspiración en ella que la presentada a lo largo de todo el metraje donde, mientras Austin luce músculos y piedad por doquier, se nos plantea una duda razonable sobre la legitimidad de nuestros actos, sobre nuestra contribución en estos espectáculos y en la deformación que está sufriendo la televisión –y el cine, no lo olvidemos–, que se ve abocada cada vez más a convertirse en un mero espectáculo degradante y degradado, lobotomizado y lobotomizante, exento de cualquier otra obligación que no sea la de dar a ganar dinero.
Mal que nos pese, esta película consigue al menos hacer una autocrítica bastante sólida y sincera, y poner en tela de juicio nuestra actitud como espectadores, poniéndose a ella misma como irónico ejemplo de toda esta degradación.

"SAW IV"

OTRA PIEZA PARA UN PUZZLE MACABRO

Sinopsis: Puzzle está muerto, y también su aprendiz. Pero todo indica que con sus muertes, el macabro juego de Puzzle no ha hecho más que empezar. Mientras los agentes del FBI Strahm y Pérez colaboran con el agente de policía Hoffman en la investigación del último asesinato de Puzzle, el agente de los SWAT Rigg se verá obligado a participar en el último y macabro juego del famoso asesino, en el que tendrá que intentar superar una serie de temibles pruebas llenas de trampas relacionadas entre sí, y que le llevarán por toda la ciudad en busca de dos de sus compañeros. Mientras tanto, las nuevas pistas que irán encontrando Strahm y Pérez les llevarán a interrogar de nuevo a Jill, quien fuera esposa de Puzzle.

Parece ser que definitivamente Darren Lynn Bousman se ha hecho con el poder en la dirección de la que sin duda está siendo una de las franquicias cinematográficas más rentables de esta década. Por suerte, le han apartado del guión después del pinchazo conceptual de la secuela de la ya mítica “Saw” (James Wan, 2004). Y es que el guión de “Saw III” (Darren Lynn Bousman, 2006) retomaba la historia justo donde terminó “Saw”, soslayando por completo la anterior secuela, y profundizando mucho más en el inquietante y enigmático asesino en serie llamado Puzzle.
“Saw IV” sigue al cien por cien el estilo y filosofía con que los productores cuñaron a la tercera entrega, pero imprimiendo un ritmo algo más frenético que queda remarcado por una banda sonora suave e inquietante, que apenas nos da algunos segundos de respiro. Son especialmente impactantes los primeros quince minutos de película. Por un lado, porque presenciamos la autopsia de Puzzle, muy realista y tal vez demasiado “gore”. Por otro lado, porque nos plantean uno de los mejores juegos de toda la serie, con un par de desconocidos encadenados juntos, uno de ellos con los párpados cosidos y el otro con los labios, en una increíble secuencia que nos deja anclados a la butaca.
Pero sin lugar a dudas, lo más destacable de la película son los “flashbacks” que hacen referencia al ignoto pasado de Puzzle, a los orígenes mismos de un hombre corriente que se convirtió en un monstruo atormentado, narrados directamente por una fuente de primera magnitud como es su ex mujer, Jill. Y es especialmente remarcable dicho aspecto porque con ello se dota a este villano de una solidez inigualable, como no ha tenido ningún otro asesino del celuloide, ni siquiera por el archifamoso Hannibal Lecter.
Al otro lado de la balanza tenemos el testigo dejado por Puzzle, cada vez más enrevesado e increíble, que va pasando de mano en mano por los más variados personajes, sin que los guionistas se molesten en proporcionarles un mínimo de credibilidad, y que se limitan a convertirlos en meros comparsas de un juego con la muerte, que debe seguir porque sigue siendo rentable. Y justo por eso llama más la atención el contraste, por la enorme consistencia de la personalidad de Puzzle, y la visible falta de solidez y de motivación de los herederos de su macabra filosofía.
Por suerte, Puzzle es lo bastante enigmático, inquietante e imprevisible como para seguir insuflándole oxígeno a la serie, y sin duda sus productores ya están planeando atacar de nuevo con la que será la quinta entrega. La cuestión es, si podrán seguir manteniendo el nivel de las pruebas planteadas por Puzzle y sus secuaces.

"INVASIÓN"

LA AMENAZA QUE VINO DEL ESPACIO

Sinopsis: Una extraña sustancia gelatinosa ha quedado adherida a los fragmentos de la nave Patriot al explotar mientras entraba en la atmósfera terrestre, resistiendo temperaturas extremas, pero el gobierno acalla rápidamente los rumores intentando en vano hacerse con todos los fragmentos diseminados. Mientras tanto, una extraña epidemia comienza a extenderse entre la población, y la psiquiatra Carol Bennett comienza a sospechar que hay una extraña relación entre lo sucedido con la lanzadera, la epidemia y el comportamiento anómalo que alguno de sus pacientes ha comenzado a detectar en sus familiares más allegados.

Esta es la cuarta adaptación de “La invasión de los ladrones de cuerpos”, la inquietante novela de Jack Finney que trataba de forma alegórica la pérdida de la individualidad, la deshumanización y alienación ideológica en las sociedades humanas modernas.
Primero fue una adaptación homónima (Don Siegel, 1956) en la que la productora obligó a Siegel a incluir un epílogo en el que lograban desmantelar la invasión. Lo peor de todo cuanto aportó, fue la pincelada anticomunista camuflada de macartismo con que Siegel dotó a su cinta, innecesaria en una historia cuyo metafórico mensaje ya tenía suficiente importancia por sí mismo.
Luego tuvimos “La invasión de los ultracuerpos” (Philip Kaufman, 1978). La aportación más importante respecto a la anterior, fue la invasión a gran escala, ambientada en una gran ciudad como es San Francisco, y subrayando de este modo el terror apocalíptico por encima incluso de la ciencia-ficción.
Nada aporta la tercera adaptación, la nefasta “Secuestradores de cuerpos” (Abel Ferrara, 1993), que no merece mayor atención que el hecho de ser mencionada.
Tras el éxito de crítica de las premiadas “El Experimento” (2001) y “El hundimiento” (2004), todos esperábamos algo más del prometedor director germano Oliver Hirschbiegel, máxime cuando las estrellas de su nueva película eran Nicole Kidman y Daniel Craig. Pero nos encontramos sólo ante un producto más para consumo multitudinario que no aporta casi nada desde el punto de vista creativo.
“Invasión” parece querer seguir la estela de las películas de zombies, cambiándolos a estos por alienados conciudadanos casi igual de descerebrados. La profundidad del tratamiento humano al que nos tenía acostumbrados Hirschbiegel, desaparece en esta cinta casi por completo, hasta tal punto que ni siquiera Kidman es capaz de transmitirnos un sentimiento de humanidad, de ansia incontenible ante lo que le está sucediendo, y perdiendo por tanto ese contrapunto que supondría el mantenimiento de la identidad humana como luz imperecedera frente a la deshumanización que se está sufriendo.
La acción gana puntos en esta adaptación, restándoselos al terror psicológico y perdiendo de este modo la fuerza narrativa que se podía esperar de un relato como éste, convirtiéndolo en poco más que un telefilme vespertino. El hilo narrativo, que comenzó con una silenciosa invasión de origen extraterrestre, se convierte de pronto en una historia simplona que narra la lucha de una madre por salvar la vida de su hijo. Ni siquiera se percibe un atisbo de nerviosismo por parte de las autoridades, que parecen estar de vacaciones durante todo el metraje, y que, como en las peores películas, sólo aparecen cuando ya ha terminado todo.
Puede que la mejor aportación respecto a sus precedentes, sea ese final ambiguo y abierto, que deja en el espectador un sabor agridulce que sólo podía provenir del atrevimiento de un director europeo. Pero ahí acaba todo. “Invasión” no llega a inquietar en ningún momento, ni siquiera en sus asépticas persecuciones, y al no conseguir generar ningún tipo de sentimiento en el espectador tampoco deja lugar para la reflexión sobre la condición humana y la pérdida de la individualidad intelectual.

"EL ORFANATO"

OTRA VUELTA DE TUERCA

Sinopsis: Laura, Carlos y su hijo Simón, se instalan en un viejo caserón que en el pasado fue el orfanato donde creció Laura, dispuestos a comenzar un nuevo proyecto cuidando a niños discapacitados. El pequeño Simón comienza a manifestar una extraña actitud que le hace crear amigos imaginarios con los que comparte crípticos juegos, y en los que pronto se verá involucrada Laura. Una serie de acontecimientos obligará a la madre a enfrentarse con el pasado del orfanato que fue su hogar de infancia y, a la vez, también con su propio pasado.

Que el cine de terror en España está pasando por una etapa de bonanza, no es nada nuevo, pero no podemos dejar de sentirnos orgullosos al ver que seguimos sin despeinarnos frente la visible falta de ideas que están sufriendo otros mercados. Y no es cuestión de que seamos mejores o peores, sino que insistimos en reinventarnos a nosotros mismos y dejar de mirar de reojo qué es lo más conveniente para la taquilla.
En el caso de la película que nos concierne, “El Orfanato” (Juan Antonio Bayona, 2007) tiene la virtud de contarnos una historia recurrente de un modo tan personal que hasta llega a parecer original. Uno de los referentes más antiguos de esta trama, lo encontramos tal vez en la novela de Henry James, “La otra vuelta de tuerca”, de 1898, de la cual ha habido numerosas adaptaciones cinematográficas, entre ellas “The innocents” (Jack Clayton, 1961), o la homónima “Otra vuelta de tuerca” (Eloy de la Iglesia, 1985). Siguiendo su estela en territorio nacional, pero siempre con características estilísticas propias que han sido sobradamente reconocidas por la crítica tanto nacional como internacional, tenemos “Los Otros” (Alejandro Amenábar, 2001) o “Frágiles” (Jaume Balagueró, 2005).
Pero por suerte, no debemos ni tendremos que comparar a “El Orfanato” con estas películas en ningún otro aspecto que no sea el de la recurrencia de la trama principal de la historia, porque en lo demás, nos encontramos frente a un planteamiento muy personal y cuidadamente dramático, que proporciona una profundidad psicológica a los personajes que es de agradecer. Cierto es que también recurre a determinados aspectos arcaizantes, como era de esperar en una película que pone su mirada en el género del terror clásico. Así, las grandes orquestaciones (a veces un poco manidas en su clasicismo), las ambientaciones góticas del enorme caserón asturiano donde ha sido rodada, la máscara de saco que utiliza Tomás (y que nos recuerda a un siniestro espantapájaros, o a cualquier asesino en serie que seamos capaces de recordar) e incluso ciertos planos y secuencias que beben directamente de los cánones básicos del buen cine de terror, nos devuelven con renovada frescura los recuerdos del cine de terror de toda la vida, aquel que, por desgracia, es cada vez menos frecuente. Y todo ello, sin efectos especiales exagerados, para presentarnos una historia de fantasmas tan material y palpable, tan real, que la creemos posible en todo momento, facturada con la gracia y simpleza con que se rodaban las películas cuando la informática era una ficción en sí misma.
En el plano de actores, subrayar la excelente interpretación de Belén Rueda, para nada hiperbólica, dramática y sobria al mismo tiempo, y sin la cual hubiese sido imposible llevar a buen puerto una historia que se sustenta básicamente sobre ella. En ella ha demostrado un excelente savoir-faire, y que no es exclusivamente necesario recurrir a actrices extranjeras para que nuestro cine funcione en taquilla. Aún así, se agradece la presencia de Geraldine Chaplin en el papel de la médium, que con apenas unos minutos de presencia dota a la película de un sorprendente glamour con su sola y lóbrega presencia.
Pero no podemos despedirnos sin decir que se nota que es una película novel, básicamente por la inconsistencia de algunos aspectos de la trama, una serie de cabos sueltos que quedan sin atar, así como por los pequeños gazapos cronológicos que chirrían ligeramente (como por ejemplo, la diferencia de edad entre Benigna y Laura, muchísimo menos acusada cuando eran niñas).
Puede también que el final de la película sea demasiado dilatado, con una serie de reiterativos epílogos que frenan súbitamente el ritmo que Bayona ha sido capaz de imprimir durante el resto del metraje, y que lo único que hacen es diluir ese logradísimo sentimiento final que consigue en los espectadores. Y todo en favor de una metáfora a lo Peter Pan, que ya ha sido más que tratada a lo largo de todo el metraje con Laura como una Wendy a la española.
A pesar de todo, la fuerza del relato y el buen pulso narrativo alejan al espectador corriente de ese sentimiento de ligera inconsistencia argumental, dejando en él un grato sabor agridulce que convierte una sorprendente historia de fantasmas en un triste y oscuro cuento para las noches de invierno. Como dijo Herny James, otra vuelta de tuerca.

"CARRETERA AL INFIERNO"

NO SUBAS A DESCONOCIDOS

Sinopsis: Jim Halsey (Zachary Knighton) y Grace Andrews (Sophia Bush) son una pareja de universitarios que se disponen a pasar unas vacaciones cuando en su camino se cruzan con un hombre que cambiará sus vidas. Al subir a John Ryder (Sean Bean) en su coche, un autostopista que parece estar en apuros, descubrirán que lo único que han hecho es ayudar a un despiadado psicópata que, no sólo les hará la vida imposible, sino que intentará implicarles en crímenes que no han cometido.

En 1986 el realizador Robert Harmon nos sorprendió con una película que pasaría a convertirse en un auténtico film de culto, un referente indispensable a caballo entre un road movie y los thriller, un agraciado híbrido que hoy en día es considerado un punto de inflexión dentro de las películas del género. No se puede decir que inventara nada nuevo, pero nadie puede negar que sí lo reinventó. Es una de esas películas valoradas a posteriori, con la perspectiva cómoda que proporciona el hecho de saber qué es lo que ha ocurrido después. Y precisamente por ello, este remake que podemos disfrutar ahora en nuestras pantallas se convierte en un claro exponente de lo que esta película supuso para el cine del suspense en general.
Tras ella teníamos auténticas joyas de la serie B cuya influencia no puede ser soslayada, como es el caso de “Mad Max” (George Miller, 1979), “Las colinas tienen ojos” (Wes Craven, 1977), “La matanza de Texas” (Tobe Hooper, 1974), que quedan lejos de los road movies tradicionales del estilo de “El Salvaje” (Laszlo Bebedek, 1954), “Buscando mi destino” (Dennis Hooper, 1969) o “Bonnie and Clyde” (Arthur Penn, 1967). Sin embargo, y a pesar de sus méritos, ninguna de ellas parece encajar con el estilo de la película que nos atañe hoy. Así pues, ¿qué tiene de especial “Carretera al Infierno?
Una de los aspectos que más llama la atención, es que sus personajes son mucho más humanos. No nos encontramos ante una mera cacería indiscriminada, ni siquiera un festival de sangre y víctimas predestinadas, como ocurría en “La matanza de Texas” o en “Las colinas tienen ojos”, sino frente a un asesino frío y calculador, inteligente, que llega a hacernos sentir miedo con su mera presencia. Se trata de Rutger Hauer en su otro gran papel (el primero fue, inevitablemente, el del replicante Blatty en “Blade Runner”). Tampoco nos proponen al héroe trágico de “Mad Max”, sino a un hombre normal y corriente obligado por las circunstancias. No es un héroe, sino un superviviente, interpretado con gran acierto por C. Thomas Howell, probablemente el más desafortunado de los rebelde de Coppola.
La elección del actor para interpretar a John Ryder en este remake, no fue tarea sencilla para los realizadores, aunque el nombre de Sean Bean (el impecable Boromir de la trilogía de Peter Jackson) estuvo sobre la mesa desde un primer momento. No era fácil igualar la interpretación y la profundidad psicológica de Hauer, y si hay algún actor que esté a esa altura, ese es Sean Bean, quien ha tenido la gracia de dotar de mayor inteligencia y salvajismo aún –si cabe– al villano John Ryder. El éxito de la película se sustentaba básicamente en el éxito en la elección de este personaje, y hay que decir que lo han logrado.
La mayor parte de la película sigue paso a paso la trama argumental de la original, y en muchas escenas se repiten incluso los posicionamientos de cámara y los planos, pero sin llegar a los extremos casi tediosos del remake de “Psicosis” (Gus Van Sant, 1998).
El otro gran aliciente de esta nueva versión, es sin duda alguna su crudeza, incrementada exponencialmente con respecto a la original, pero sin llegar a los extremos casi gores de “Las colinas tienen ojos” o “La matanza de Texas”.
Hay dos aspectos negativo que apuntar en esta nueva versión. El primero de ellos es la escasa solidez de los personajes protagonistas respecto al antagonista, especialmente el de Zachary Knighton como relevo de C. Thomas Howell, que no logra plantarle cara –interpretativamente hablando– ni a su compañera de reparto, Sophia Bush, ni por supuesto a Sean Bean.
El segundo punto es la falta de ritmo dramático en ciertos momentos de la cinta, que en ocasiones nos presenta secuencias un tanto fuera de lugar e incluso innecesarias, con la única pretensión de consolidar –infructuosamente– a los personajes.
Saldrán del cine con un regusto placentero a la vez que escalofriante al pensar en el personaje interpretado por Sean Bean: un hombre sin pasado, sin nombre, que disecciona fragmentos de las personalidades de las víctimas con que va sembrando su camino. Un fantasma venido de ninguna parte, que logrará aterrorizarles de verdad. Después de la película, les aseguro que no dudarán en pasar de lado cuando vean a un autostopista.

"TURISTAS"

YANKEES, GO HOME

Sinopsis: Un grupo de turistas estadounidenses viajan por Brasil en un autobús, cuando este sufre un accidente. A la espera de que venga a recogerles otro autobús, deciden bajar a la playa, donde les han dicho que hay un chiringuito, y tomarse allí unas caipirinhas para ir pasando el rato. Lo que no sospechan es que los turistas son un cebo fácil y codiciado para algunas personas. Tras ser drogados y robados, descubrirán que su pesadilla no ha hecho más que empezar.

Cierto que no hay nada nuevo bajo el sol, y esta película es un claro ejemplo de ello. Con un grupúsculo de protagonistas hartamente recurrido en los últimos diez años (un grupo de jóvenes impertinentes y prepotentes estadounidenses que las van a pasar peor que el Diablo en una iglesia), y un argumento sobado hasta la saciedad (un peligro inminente y terrorífico que les hace partícipes de un peculiar “tonto el último” por salvar sus vidas), John Stockwell hace un esfuerzo notable por intentar salvar los papeles y hacernos sentir miedo. Tengo que admitir, a pesar de lo que diga parte de la crítica, que en cierto modo lo ha conseguido. No voy a despanzurrarles la película, así que baste decir que la motivación que mueve a los villanos de esta cinta, es tan real –y existente, por qué no decirlo– que más de uno se lo pensará dos veces antes de hacer cualquiera de las estupideces que exhiben los protagonistas de esta película. Y es ahí donde reside uno de los pocos factores benéficos de esta producción, en la credibilidad de los hechos que nos cuentan.
Casi todos los protagonistas provienen de series de la pequeña pantalla (Josh Duhamel sale en “Las Vegas”, Melissa George en “Alias”, Olivia Wilde en “O.C.”, Beau Garret en “El séquito” y Desmond Askew en “Roswell). Tal vez pensaron que así sería todo más fácil, pero no lo ha sido. Los personajes están mal trabajados. Son planos, sin profundidad (y eso que ya son más bien treintañeros, y no adolescentes imberbes), estereotipados y previsibles. Con ellos, Stockwell parece haber seguido al pie de la letra el “Manual de lo cutre”. Tan mal desarrollados están, que hay momentos en los que, tras haber susurrado en voz baja que no hagan lo que van a hacer, incluso te alegras de que les pase lo que les pasa. Tan mal trabajada está la historia, que en cuanto aparecen los dos suecos y se hacen amigos, sabes que serán los primeros en palmarla (ya que no son americanos y no hay negros chistosos en el grupo pues... ¡a por ellos!). Y por si esto fuera poco, todo empieza a suceder cuando llevamos más de cuarenta minutos de película adivinando curvas sinuosas y testosterona por doquier bajo prendas mínimas y transparentes, por lo que al final los hechos se precipitan con demasiada rapidez y sin mucho orden.
Para compensar un poco el balance negativo, hay que darle una buena puntuación a toda la escena acuática en las cuevas, que consigue una tensión narrativa digna de los mejores thrillers. Y una escena gore en particular se lleva la palma, por su sencillez, por sus excelentes efectos especiales y por el estoicismo maquiavélico con que el malvado doctor (y no diré más) lleva a cabo su trabajo. Y en ese sentido, hay que decir que esas escenas están muy bien filmadas (de hecho, más que en otras cintas de terror con más renombre).
En definitiva, una cinta más de entretenimiento veraniego para amantes de los thrillers de adolescentes, que al menos consigue mantenernos en vilo y plantearnos si merece la pena hacer esas vacaciones que teníamos planteadas.

"FRÁGILES"

LA FUERZA DEL TERROR PATRIO

“Frágiles” se nos presenta como un claro reflejo de lo que en su día ya fue “Darkness”. Jaume Balagueró vuelve a hacer uso de la fórmula que tanto éxito le propició en su momento, es decir, casas encantadas, presencias atormentadas e historias siniestras del pasado empaquetadas en un paisaje malsano y hostil, lluvioso y oscuro, que consigue acrecentar con la pesadez de su atmósfera la sensación de peligro y desasosiego. En un panorama actual del cine de terror donde las insensateces de los adolescentes se baten en franca retirada, donde el terror oriental comienza a hacer gala de una cansina repetición de conceptos, y donde la desconfianza hacia otro tipo de enfoques del género parece remitir a grandes zancadas en favor de películas de otras nacionalidades (largometrajes como “Creep”, “The descent” o “El internado” nos demostraron que así es), Balagueró se alza como una de nuestras más destacadas insignias en el panorama internacional del cine fantástico y de terror.
“Frágiles” nos narra la historia de un hospital infantil afincado en la Isla de Wight (Gran Bretaña) que está a punto de clausurar sus puertas. En ese momento, y coincidiendo con la llegada de una enfermera americana llamada Amy (Calista Flockhart), comienzan a ocurrir una serie de acontecimientos y accidentes que mantienen en vilo a la nueva empleada, pero sobre todo a los últimos niños que aún quedan en el centro. Poco a poco la curiosidad lleva a Amy a indagar en los oscuros corredores del hospital, y especialmente en el segundo piso, sellado no se sabe por qué desde hace mucho tiempo.
Una Calista Flockhart apática y muy poco convincente en la primera media hora se convierte en hilo conductor entre los niños de Mercy Falls y los adultos que cuidan de ellos, manifestando un especial vínculo con Maggie, una niña sensible a los extraños eventos que allí ocurren. El actor Richard Roxburgh interpreta a Robert, el médico de guardia con el que Amy coincide durante el turno de noche. También él parece un poco fuera de órbita. No creo que nadie eche de menos que los personajes no estén tan elaborados como en “Darkness” o “Los Sin Nombre”, ya que esta vez Balagueró ha roto una lanza más en favor de la historia y la ambientación.
Hay que hacer especial hincapié en algunas pinceladas de gran calidad en la fotografía de Xavi Giménez (quien se supera a sí mismo desde “Darkness”) y también en la música de Roque Baños, puesto que en ambos casos se contribuye a enfatizar el minucioso paisaje de la obra. Pero sin lugar a dudas lo mejor de todo es la puesta en escena de la tenebrosa segunda planta del Hospital Mercy Falls, pues es en estas secuencias donde la música y la fotografía ayudan de manera más sensacional a bordar los momentos que constituyen el clímax de la cinta.
Pero, por otro lado, Balagueró ha cometido un error clásico en las películas del género que, pese a ser efectivo, no deja de resultar innecesario, y hace entrever una sospechosa falta de talento o, cuanto menos, pocas ganas de hacer buen uso de oficio. Me estoy refiriendo al empleo excesivo de los recursos de audio, como puedan ser la música, los efectos sonoros o incluso el volumen de las voces (como por ejemplo cuando Amy está oyendo voces extrañas por el teléfono y Robert la llama con un tono doblado o incluso triplicado). No se quiere entender que lo que asusta no es la escena en sí, sino el mero hecho de aumentar el volumen de los sonidos, y sin embargo todos ellos parecen convencidos de estar haciéndolo bien. A esto hay que sumar un epílogo en tonos pastel que disminuye relativamente el gusto agridulce de los últimos diez minutos de la cinta.
Por suerte, estos odiosos y reiterativos errores de concepto quedan difuminados bajo la excelente puesta en escena que nos brinda Balagueró, con un final trepidante y sobrio que dejará a los espectadores anclados al brazo de sus butacas (si no al de sus acompañantes), demostrando que no en vano ha pasado a ser uno de los directores nacionales con mayor reconocimiento y proyección dentro del cine fantástico internacional.