"SOLOMON KANE"

EL HÉROE PURITANO DE ROBERT E. HOWARD

Sinopsis: Basado en el personaje y los relatos de Robert E. Howard, la película nos narra la historia de Solomon Kane, un guerrero puritano del S.XVII que se ve obligado a combatir al mal en sus peores formas, con el propósito de redimir su alma.

Solomon Kane es un personaje completamente atípico, si atendemos al conjunto de los ciclos narrativos de fantasía heroica concebidos por el tejano Robert E. Howard. Lo es, no sólo por ser físicamente opuesto al archifamoso Conan de Cimmeria y al gran Kull de Valusia – e incluso a la guerrera hyrkania Red Sonja –, sino también por presentarnos a un personaje atípico, a un héroe puritano que lucha contra el mal por encima de su propio interés y gloria personales. A diferencia de los otros héroes de Howard, Kane está convencido de que es la “mano de Dios”, y de que su destino es acabar con el mal en la tierra en todas sus formas – entendido el mal como una fuerza superior que teje sus finas redes sobre los mortales –. Su aspecto enjuto y siniestro, pálido y melancólico, lo distancian enormemente del conjunto de la obra de Howard, quien le tenía un cariño especial – no en vano, Solomon Kane es el héroe sobre el que más relatos escribió Robert E. Howard, exceptuando a Conan, claro está –. Hasta aquí, los detalles importantes que conciernen al personaje y a su obra en general.
Ha habido varios intentos por llevar a la gran pantalla a este personaje desde principios de los 90. La fascinación de algunos autores por él, les ha llevado incluso a plagiar el personaje, como fue el caso de “Van Helsing” (Stephen Sommers, 2004), al que le pusieron este nombre en lugar del de Solomon Kane dado que no lograron hacerse con los derechos del personaje. Digo esto porque puede que leáis u oigáis críticas que afirman frívolamente que “Solomon Kane” (Michael J. Bassett, 2009) es una burda copia de “Van Helsing”, críticas que manifiestan un claro desconocimiento de lo que es y significa el personaje en realidad. Dicho esto, solo cabe adentrarnos ya en los aspectos estrictamente fílmicos de la obra en cuestión.
Tal vez el punto más débil en todo este asunto, sea un guión falto de matices, plagado de personajes bastante planos pero que no desentonan en absoluto con la esencia de los personajes del mundo de Kane, que no son sino meros comparsas de las aventuras del puritano y misterioso personaje. Basset ha intentado dotar al personaje de un origen – algo que en los relatos de Howard no llegamos a conocer –, y luego ha articulado el film en torno a toda una serie de aventuras y desventuras que salpican el metraje con mayor o menor fortuna. Se nota, sin embargo, una falta de originalidad en el desenlace, precipitado y simple, que parece más próximo al enfrentamiento del monstruo final de un videojuego que al supuesto horror al que se enfrenta toda Inglaterra.
Exceptuando estos aspectos negativos, el resto es auténtica belleza digna del mejor cómic. No podemos seguir adelante sin mencionar la inmensa labor artística de Dan Lausten, a quien recordaremos con especial cariño por su trabajo como director de fotografía en películas como “El Pacto de los Lobos” (Christophe Gans, 2001), “La Liga de los Hombres Extraordinarios” (Stephen Norrington, 2003) o “Silent Hill” (Christophe Gans, 2006). La particular concepción visual de esa otra Inglaterra del S. XVII queda perfectamente plasmada gracias a una fotografía magnífica, que no ceja en transmitirnos ese entorno lúgubre y húmedo, acechante y tenebroso que imagino Robert E. Howard para su personaje. A todo ello debemos sumar una correcta y precisa banda sonora, que aunque no llega a impactar en ningún momento, no deja de aportar su granito de arena a la épica narrativa.
Mención a parte merece también el vestuario, muy acertado en lo que a su sincronía histórica se refiere, y bien elaborado en su apartado fantástico, pero siempre perfectamente solapado para que no se pueda vislumbrar nada que haga chirriar las diferencias de ambos planos dentro de una misma historia.
La elección de James Purefoy para el papel de Kane, supone un acierto más. No es un actor demasiado conocido (se le conoce sobre todo por su papel como Marco Antonio en la serie “Roma”), por lo que le confiere al rol cierta personalidad propia e individual. El otro gran acierto en el plano artístico, es la presencia del enorme Max Von Sydow, en un papel breve pero decisivo en la historia.
Solomon Kane es una historia de aventuras a la vieja usanza, un estandarte que enarbola la esencia pura del género conocido como Espada y Brujería, y que inauguró precisamente su creador. Es una historia clásica del Bien contra el Mal, de la fuerza y voluntad humanas contra las presencias oscuras. Es una historia que debe ser entendida como lo que es, sin ningún tipo de pretensión más allá de la mera diversión, y del homenaje a un personaje, un autor y un género que llevaban largo tiempo olvidados.

"OUTLANDER"

UN CÓCTEL PERFECTO

Sinopsis: Una nave espacial se estrella en las gélidas tierras noruegas, a principios del siglo VIII, en territorio vikingo. Su único tripulante vivo, Kainan (Jim Caviezel), se encontrará perdido en un mundo que le es del todo ajeno, en medio de unas gentes bárbaras que desconfían de él. Obligados por las circunstancias, por la masacre de un poblado rival y la misteriosa desaparición de algunos de los suyos, los vikingos se verán obligados a tener que confiar en el misterioso extranjero que viene de más allá del hielo, pues él mismo ha traído consigo una criatura monstruosa que amenaza con desolar toda vida que encuentre a su paso.

Con los rescoldos aún calientes de producciones de un corte similar, como fueran “Tristan & Isolda”, (Kevin Reynolds, 2006), “Beowulf” (Robert Zemeckis, 2007) o “Pathfinder, el guía del desfiladero” (Marcus Nispel, 2007), y aprovechando el tirón que las producciones de corte épico-fantástico están teniendo en los últimos años en las salas de cine de todo el mundo, el director Howard McCain nos brinda ahora una historia más que correcta, tanto en sus formas como en su contenido, que logrará entretener, impactar y dejar huella en la memoria del espectador, a pesar de lo difícil que puede llegar a ser el hecho de emular a auténticos mitos del cine de ficción, como pueden ser “El enigma de otro mundo” (Christian Nyby, 1951), “Alien, el octavo pasajero” (Ridley Scott, 1979) o “Depredador” (John McTiernan, 1987). Y lo mejor de todo, es que McCain lo hace con la que es su opera prima para la gran pantalla: conocido por sus cortos “Los pollos” y “Truman”, apenas se ha dedicado hasta el momento a hacer películas para televisión y algunos guiones para el cine.
Tal vez por ello demuestre tanto esmero en su estreno en salas, con una preocupación casi artesanal por los detalles y la factura, que le lleva hasta el extremo de no descuidar nada en absoluto, desde el guión hasta el plantel de actores, pasando por una espectacular fotografía y unos impecables decorados y vestuarios, hasta unos efectos especiales de los que hace un uso prudente que jamás raya en el abuso, y que hacen gala de una personalidad propia y definida que va más allá de los clásicos de los que bebe. Y es que no en vano se ha rodeado de un equipo de profesionales de primera fila: Patrick Tatopolous, diseñador de “Silent Hill”; Barrie Osbourne, uno de los productores de “El Señor de los Anillos” y “Matrix”; Ninth Ray Studios, responsables de los decorados, storyboards, vestuario, atrezzo y animatronics de películas como “Spider-man 2”, las precuelas de “La Guerra de las Galaxias” o “Hulk”; o la diseñadora de vestuario Debra Hanson, que ya trabajo en el de “Beowulf & Grendel”. A todos ellos, se une un elenco de actores que la dan mayor solidez si cabe a la historia, encabezado por el carismático Jim Caviezel –que a pesar de no sentirse demasiado cómodo con el papel de héroe trágico, finalmente consigue bordarlo–, el siempre efectivo John Hurt, Sophia Myles o un impresionante Ron Perlman dándole la réplica al veterano Hurt.
Lo que hay de especial en “Outlander”, no es tanto la esencia en sí de la historia –el enfrentamiento del hombre contra el monstruo–, que ya hemos visto retratada en el cine en innumerables ocasiones, sino la perspectiva desde la que se plantea: ponerse a la sombra de monstruos clásicos como el Alien, el Depredador o La Cosa, y pretender salir indemne en las insoslayables comparativas, no deja de ser una empresa harto difícil, y sin embargo lo consigue. El diseño artístico del Moorwen –nombre que se le da al monstruo, y que se inspira directamente en los Morlocks que H.G. Wells retrató en su novela de 1895 “La máquina del tiempo” y que, por cierto, también eran fotosensibles al igual que el Moorwen– posee esa peculiar mezcolanza entre el ser alienígena que pretende ser y el monstruo mitológico que parece ser, dislocado de un mundo lejano para encajar en otro mundo que se encuentra a miles de años de poder llegar a comprenderlo. Y en medio de tan ardua y admirable labor, su realizador consigue que su presencia en tierra y época vikingas entronque directamente con todos los mitos nórdicos de la bestia, que van desde el famoso Grendel del “Beowulf” hasta los ya clásicos dragones, convirtiendo así tan impensable cóctel en un puzzle perfectamente ensamblado.
Por lo que respecta al aspecto histórico del filme, hay que destacar también enormemente la gran labor realizada, desde los responsables del vestuario, maquillaje y decorados, hasta la música y la fotografía, que consiguen transportarnos a un mundo palpablemente real, lejos de las acartonadas producciones de serie B que suelen campar a sus anchas actualmente con pretenciosas visas de realismo histórico. La solidez interpretativa de todos sus actores, desde el infalible John Hurt hasta el intimidante Ron Perlman, pasando por una Sophia Myles a quien este tipo de papeles ya le son familiares (protagonizó a Isolda en “Tristán & Isolda” hace apenas un par de años), contribuye enormemente al sentimiento de realismo histórico que transpira el metraje. Y al frente de todos ellos vemos a un Jim Caviezel en horas de gloria, convertido en un héroe trágico de otro tiempo y otro lugar que sabe encajar a la perfección en su propia desgracia, y afrontar el destino con una heroicidad más propia del mundo en el que ha caído, que de aquel del que proviene. Y es que en una película de este calibre, con aspiraciones tan elevadas, ninguna pieza del engranaje debe chirriar lo más mínimo.
Por todo eso y más, “Outlander” satisfará las exigencias de un tipo de espectador desacostumbrado a ser sorprendido, de un tipo de espectador que ha perdido la costumbre de salir de la sala con un buen regusto en la boca, con la sensación de haber visto supurar profesionalidad en este tipo de producciones. Porque, aceptémoslo, normalmente es un tipo de cine destinado a caer en el cesto de las series B, aunque acaben convirtiéndose en auténticos “cult movies”. Y es que –esperemos que el tiempo me dé la razón– “Outlander” tiene toda la pinta de estar destinada a convertirse también en un “cult movie”.

"LA ÚLTIMA LEGIÓN"

LA ÚLTIMA VERSIÓN DE EXCALIBUR

Sinopsis: Corre el año 476 de nuestra Era en Roma, cada vez más débil y más asediada por los mismos bárbaros que hasta la fecha han trabajado para ellos como mercenarios. El joven Romulus Augustus será coronado emperador por su padre Orestes (Ian Glen) bajo la protección del oficial Aurelius (Colin Firth), quien será su guardia personal. Pero la víspera de la coronación, el jefe godo Odoacer (Peter Mullan) asedia el palacio y se hace con el control de Roma y del Imperio. Con la ayuda de Aurelius, el joven César consigue escapar, y junto a sus incondicionales buscarán el amparo de la última legión romana, asentada en la zona más septentrional del Imperio: en el Muro de Adriano, frontera que mantiene a raya a los peligrosos pictos.

Bebiendo de las diversas fuentes artúricas, y sobre todo de la novela homónima de Valerio Massimo Manfredi, “La última legión” nos cuenta una historia a caballo entre la ficción y la realidad. Aunque por el guión han pasado diferentes guionistas, fue David Leland el responsable del texto final, quien ya había escrito los guiones para la serie “Pendragon” (también relacionada con el mito artúrico), producida por Steven Spielberg para la cadena de televisión norteamericana HBO. Raffaella De Laurentiis, su productora, puso la vista en Doug Lefler para la dirección.
No es algo nuevo que el mito artúrico sea fuente de inspiración para una película. De hecho, esta película no dista demasiado de la trama argumental básica que pudimos ver en “El Rey Arturo” (Antoine Fuqua, 2004). Y es que en los últimos años, todos los investigadores y especialistas del mito artúrico, parecen coincidir cada vez más con que la historia ocurrió, grosso modo, como nos la cuentan en estas dos películas.
Hasta ahora, estábamos acostumbrados a la leyenda artúrica tradicional, es decir, al mito recogido por Thomas Malory, en cuyo texto, “La Morte d’Arthur” está basado el guión de John Boorman y Rospo Pallenberg para “Excalibur” (John Boorman, 1981). El resto, a decir verdad, se reduce a dos o tres comedias para el público infantil que sólo utilizan el mito artúrico como pretexto para contar alguna desfachatez pseudocómica, como es el caso de “Un astronauta en la corte del rey Arturo” (Russ Mayberry, 1979).
“La última legión” no es una gran película, pero tiene el olor de los clásicos de aventuras, algo que las producciones de Laurentiis saben hacer muy bien desde hace años. Salvando las distancias, tiene un aire casi nostálgico que nos recuerda a “Ivanhoe” (Richard Torpe, 1952), “El Capitán Blood” (Michael Curtiz, 1935), “Robin de los Bosques” (Michael Curtiz, 1938) o “El Príncipe Valiente” (Henry Hathaway, 1954). Plagada de estereotipos argumentales que parecen querer apostar sobre seguro, la cinta se sustenta sobre unos personajes no menos estereotipados pero resultones, con los que el espectador se familiariza muy pronto. La sobriedad casi aséptica de Colin Firth, queda compensada por la atracción casi hipnótica de una actriz india de nombre casi impronunciable, Aishwarya Rai, y que es todo un mito en su país, además de haber sido proclamada Miss Mundo en 1994. El apoyo logístico llega de la mano del siempre fabuloso Ben Kingsley, cuya fuerza y carisma desbordan la pantalla a cada plano en que aparece.
Para los meticulosos, decir que los productores se han permitido más de una licencia histórica en lo que al atrezzo se refiere, así que no esperen una película histórica calibrada concienzudamente, ni siquiera aunque aparezca el nombre de Valerio Massimo Manfredi de por medio. El exotismo de Aishwarya Rai o de Nonso Anozie, que sólo parecen estar destinados a cumplir el cupo racial, como ya hemos visto en alguna otra producción de Laurentiis (“Conan, el destructor”, 1984), a falta de la posibilidad de incluir elfos, enanos y orcos. Que quiere seguir la estela del Señor de los Anillos de Jackson, parece quedar bastante claro, especialmente en las secuencias en que cruzan los Alpes, que nos recuerdan exageradamente al Paso de Karathras, y no solo por la nieve y las montañas: tenemos a Kingsley como Gandalf, a Sangster como Frodo, y el resto de actores cumpliendo el mencionado cupo racial del grupo. El toque fantástico de la película también lo podemos apreciar gracias a la irrealidad casi fantástica de la fortaleza de Capri, una mezcla entre la Esparta de “Troya” y las fortalezas de “El Señor de los Anillos”. Respecto a los gadgets armamentísticos que utiliza la heroína, también quedan justificados por el propio exotismo de quien los lleva, al igual que la mítica Excalibur forjada a partir de un extraño metal cósmico.
Pero en el fondo, al espectador no le molesta en absoluto que se hayan tomado tantas licencias históricas. Sabemos desde el primer minuto que, lo que nos van a contar en esta cinta, es un cuento a caballo entre la realidad y la ficción. Querer medirlo con la barra del rigor histórico, es un error que no debemos cometer, máxime cuando el mito artúrico, mal que nos pese, será siempre un tema que lindará antes con la ficción que con la realidad histórica. No se trata de un estudio histórico, sino de un espectáculo de entretenimiento pensado para las grandes audiencias. Dejen de lado el ojo clínico, y disfruten de una película de aventuras a la vieja usanza. No lo lamentarán.

"PATHFINDER, EL GUÍA DEL DESFILADERO"

COLÓN NO LLEGÓ PRIMERO

Sinopsis: Tomando como punto de partida las nuevas teorías sobre el choque de culturas entre Europa y América, “Pathfinder, El Guía del Desfiladero”, nos narra la hipotética epopeya de un drakkar encallado en las costas de Norteamérica, y de cómo un joven vikingo, es adoptado y criado por los indios nativos de la zona. Siendo ya adulto, los vikingos regresan a aquellas costas para arrasarlo todo, y él se verá obligado a enfrentarse con los fantasmas de su pasado, y a defender a su pueblo y a la mujer que ama de aquellas gentes que fueron, en otro tiempo, su verdadero pueblo.

Si Cristóbal Colón levantara la cabeza para ver esta película, se sentiría más que indignado al ver lo que en ella se plantea. Y, reconozcámoslo de paso, también los españolitos de a pie nos unimos a ese sentimiento patrio que nos hiere en lo más profundo del alma. Ya nos fastidia bastante la idea de que Colón pudiera ser genovés, como para que ahora nos vengan con que hasta los vikingos (no los romanos ni los griegos, sino los vikingos) llegaron a América antes que nosotros, y no por medio cuerpo, sino la friolera de cuatro siglos antes.
Y lo peor de todo es que los últimos descubrimientos arqueológicos parecen apuntar la realidad de que así fue, por lo que no nos queda otro remedio que callar y esperar ingenuamente a que las evidencias queden en evidencia por sí solas. Menos mal que a ese carro también se apuntaron ahora los chinos y los sudamericanos, quienes parecen defender a capa y espada que también ellos llegaron antes que los tres navíos españoles.
En cualquier caso, y para que sirva de advertencia para aquellos que piensen lo contrario, lo que se plantea en “Pathfinder, El Guía del Desfiladero”, no deja de ser un mero contexto en el que enmarcar una historia desdibujada e imprecisa. No es sino un remake más que libre de otra película de 1987 titulada casi del mismo modo (“Pathfinder, El Guía del Desfiladero Maldito”), y que obtuvo el Oscar a la Mejor Película Extranjera ese mismo año. Aquella, sin embargo, se basaba en una antiquísima leyenda lapona según la cual, un joven veía cómo su pacífico poblado era arrasado por unas hordas enemigas, mientras él, casualidades del destino y caprichos de la fortuna, se veía de la noche a la mañana convertido en líder de su pueblo y en héroe para la posteridad. Los productores de esta nueva versión, Mike Medavoy y Arnold W. Messer, fuertemente impresionados por la fuerza y el mensaje que emanaba dicha cinta, decidieron hacer un remake de la misma, pero dándole unos toques de maquillaje que permitiesen actualizarla y convertirla en un fuerte reclamo para la taquilla. Y ni qué decir tiene que, sin duda, lo han logrado. A su joven director, Marcus Nispel, quien ya nos sorprendió con su poderosa revisión de un clásico del terror como es “La Masacre de Texas”, ya le había rondado por la cabeza una idea similar desde hacía años, y eso contribuyó enormemente a que director y productores, estrecharan sus manos en este proyecto.
Pero tampoco esperen una película con un gran guión ni una trama compleja. Nada más lejos de la realidad. “Pathfinder” es un mero corre-que-te-cojo, una exhibición de escenas de acción, cercenamientos y amputaciones varios, en un collage visual que sigue la estela de películas como “Sin City” o “300”, intentando amarrar en cada fotograma la fuerza visual de una novela gráfica convertida en cine. Y hay que decir que el esfuerzo ha merecido la pena. La increíble combinación de blancos, grises y negros, con la explosiva fuerza de los más gélidos paisajes canadienses, hacen de “Pathfinder” un más que interesante ensayo visual, al que se une una poderosa y atractiva banda sonora compuesta por Jonathan Elias, un músico en la sombra entre cuyo palmarés, se esconden algunas pequeñas joyas entre las que destacan piezas diversas para Alien, Gandhi o incluso Blade Runner. Tal vez por esa buscada similitud con las aclamadas adaptaciones de Frank Miller, la crítica no la vea con buenos ojos, y no les culparemos por ello. Una película necesita algo más que la simple estética visual para poder ser considerada arte.
En el reparto tenemos como protagonista a Karl Urban en el papel del héroe de la tribu Wampanoag, Ghost, quien nos sorprendió muy gratamente en su papel de Éomer en la trilogía de El Señor de los Anillos, pero que aquí se queda un poco carcomido bajo planos oscuros y una falta de sensibilidad latente en su interpretación. Aún así, no deja de ser un interesante héroe trágico (a mí me sorprendió muy gratamente en la adaptación de las novelas de Tolkien). Su Némesis no es otro que un fabuloso Clancy Brown en el papel de Gunnar, el capitán vikingo, haciendo un guiño a los espectadores más avezados, y que nos permite resucitar los mejores recuerdos de aquel legendario Kurgan de la película “Los Inmortales”, envejecido, pero siempre siniestro y brutal, aunque nada cómico. En definitiva, dos estereotipos que son bienvenidos, y que ayudan a fortalecer aún más el espíritu de novela gráfica que pretende ofrecernos la película.
Hay que destacar la fabulosa labor de Daniel C. Pearl, director de fotografía, que se ha visto obligado a enfrentarse a situaciones extremas debido al cambiante clima canadiense, y que dificultó enormemente su intento por mantener una uniformidad lumínica y fotográfica a lo largo de toda la película. A pesar de todos los inconvenientes (escenas rodadas indistintamente de día y de noche, con sol y con nubes, con lluvia y sin ella), hay que alabar la gran calidad de su trabajo. Incluso en esos inconvenientes, vio su director algo positivo al afirmar que “el tiempo se convirtió en otro participante de la película (...) cuando los actores empiezan a sudar o a temblar, cuando les corre verdaderamente la adrenalina, dejan de actuar y comienzan a ser reales. Entonces es cuando comienzan a ser vikingos y nativos americanos, y todo en la historia empieza a encajar en su sitio”.
Cierto que no es la mejor película de aventuras, y cierto también que no tiene un guión poderoso, a pesar de lo que pueda sugerir en un principio, pero no se ofusquen. Si van al cine, vean “Pathfinder” como lo que es: un entretenimiento bastante bien filmado y mejor fotografiado. Una historia de héroes trágicos y malvados de folletín, enmarcados en un cómic convertido en cinta, que no busca otra cosa que transmitir al espectador el ritmo salvaje y frenético de un enfrentamiento entre culturas primitivas, rodeados por un clima y un paisaje igual de ancestral y cruel que sus protagonistas. Y sobre todo no se fíen del poster: es espectacular, pero también lo era el de Ator el Poderoso y... ya saben.

"PIRATAS DEL CARIBE: EN EL FIN DEL MUNDO"

¡AL ABORDAJE!

Sinopsis: Con el Holandés Errante y su anterior capitán Davy Jones en su poder, Lord Cutler Beckett se dedica a destruir los barcos del almirante Norrington. Mientras tanto, Will Turner (Orlando Bloom), Elisabeth Swann (Keira Knightley) y el capitán Barbossa (Geofrey Rush), se desesperan por reunir a los Nueve Lores de la Corte de Brethren, los únicos que pueden ayudarles a derrotar a Beckett. Pero sin Jack Sparrow (Johnny Depp) nada pueden hacer. Por ello viajarán hasta Singapur y se enfrentaran al temible pirata Sao Fen (Chow Yun Fat) para conseguir las cartas de navegación que les permitan llegar al fin del mundo y poder salvar al indefinido e indefinible Sparrow de las garras de la muerte.

Llega esta semana a nuestras pantallas una de las películas más esperadas de éste año, junto con “Spider-Man 3” y “Harry Potter 4”, convertida ya de antemano en una de las franquicias más rentables de todos los tiempos. Y lo es, no tanto por su gran calidad fílmica, que no la tiene, sino más bien por la repercusión que ha tenido socialmente. Su productor, Jerry Bruckheimer, jamás llegó a imaginar que alguna de las entregas de la serie basada en la atracción de un parque temático, pudiese llegar a convertirse en una producción supertaquillera, pero así fue. La segunda entrega, “El Cofre del Hombre Muerto”, recaudó más de 1.000 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose de este modo en la tercera película más taquillera, hasta el momento, de la historia del cine, casi el doble de lo que recaudaron con la primera parte de la saga.
Con esta perspectiva, cualquiera no se atreve con una tercera parte. Y así lo han hecho. En “Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo”, ya se prevé superar el éxito de la segunda entrega. Pero, hay que decirlo, no esperéis que mejore –como tampoco lo consiguió la segunda parte– el nivel de la primera entrega. Tal vez por haber sido realizada con mayor precaución y enorme interés, “La Maldición de la Perla Negra” supuso todo un golpetazo para un género (el de los piratas) que se encontraba en franca decadencia desde hacía prácticamente una década. El último ejemplo –malo, diría yo– del que tenemos constancia fue “La Isla de las Cabezas Cortadas” (1995), un estrepitoso fracaso de Renny Harlin con el que debió perder un ojo de la cara (chiste fácil, lo sé, pero la culpa es suya).
Pero seamos sinceros: aunque“En el Fin del Mundo” puede parecer un divertimento por el que merezca la pena pagar unos cuantos euros, no se engañen. Sus casi tres horas de duración, a pesar de toda la acción que posee la cinta, llegan a hacerse eternas, especialmente al principio y al final de la película, donde los devaneos mentales de los guionistas llegan a ser insufribles en su intento por hacernos creer que la historia está dotada de un complejo entramado perfectamente calculado para que encajen a la perfección todas las piezas de un puzzle que no es sino una escombrera encajada a duras penas como mejor han sabido.
Los efectos especiales no aportan nada nuevo, aunque no por ello dejan de ser espectaculares, y suponen uno de los pocos encantos del filme, dirigido más al divertimento que a un digno intento por salvar un género que hace mucho tiempo que ha caído en desgracia.
Sólo se salvan de la quema las espectaculares y muy bien coreografiadas escenas de acción, imprescindibles en toda buena película de piratas que se precie, el formidable personaje que ha creado Johnny Depp, a medio camino de ningún lado y de todas partes, con una personalidad tan propia que salva cualquier arquetipo que pudiéramos tener en la cabeza al pensar en la figura del pirata, y la partitura de Hans Zimmer, que ha logrado superarse a sí mismo en ésta nueva (que no última entrega).
En definitiva, si no tienen más remedio, lleven a sus infantes al cine, pero si van solos, háganlo también durante la sesión vespertina. Así no se dormirán tan fácilmente.