EL OLVIDADO Y DIABÓLICO DR. FU MANCHÚ

ESPECIAL FU MANCHÚ

Uno de los personajes malvados más fascinantes y desconocidos del cine fantástico y de aventuras, es sin lugar a duda el de Fu Manchú. Por desgracia, también es sin lugar a dudas uno de los más desconocidos entre las nuevas generaciones de lectores y espectadores. Sólo los cinéfilos más avezados reconocerán al malvado Dr. Fu Manchú en el rostro de Boris Karloff primero y Christopher Lee más tarde. Pero la verdad es que Fu Manchú ha sido un personaje que ha poseído tantas caras como las que él mismo profesa tener en sus diabólicos planes.

Fu-Manchú nació de la mano del escritor británico Arthur Henry Sarsfield Ward, que se dio a conocer como escritor bajo el pseudónimo de Sax Rohmer. Prolífico autor de novelas policíacas y de aventuras, se consagró gracias a la creación de este magnífico y perturbador villano en la novela titulada “The Mystery of Dr. Fu Manchú”, convertida en serial entre los años 1912 y 1913, y que cosechó un enorme éxito de audiencia. En ella, Sir Denis Nayland Smith y el Dr. Petrie se enfrentaban a un ser despiadado cuyo objetivo no era otro que acabar con la cultura occidental y someterla. A ese ser se le conocía bajo el sobrenombre del “Peligro Amarillo”.
Nunca quedó muy claro si Fu Manchú era chino, a pesar de las obvias caracterizaciones que se le han atribuido. Si queda bastante claro, sin embargo su origen oriental, a juzgar por el texto más esclarecedor en descripciones que nos legó Sax Rohmer, y que dice así:

“Imagínate una figura clásica de mandarín chino; un hombre de alta estatura; delgado, de miembros recios, felino en sus actitudes y movimientos, con un entrecejo como el de Shakespeare y un rostro de expresión verdaderamente satánica. De su cráneo afeitado pende la coleta tradicional de los hijos del «Imperio Celeste». Sus ojos tienen el fulgor magnético de los ojos de la pantera.”

"The Mysterious Mr. Wu Chung Foo--A Feature That Will Appeal To All Movie Fans” (1914), fue la primera aparición de Fu Manchú en el celuloide, a través de un serial de cuatro capítulos, aunque se le cambió el nombre por una cuestión de derechos. Pero habría que esperar hasta 1921 para ver “The Yellow Claw”, la primera película en que se hace mención explícita a la obra de Rohmer –a pesar de que su protagonista se llame Mr. King, en lugar de Fu Manchú–. Hasta entonces, todo fueron seriales de varios capítulos –“The Mystery of Fu Manchú” (1923) y “The Further Mysteries of Fu Manchú” (1924) – en los que sería Harry Agar Lyons el encargado de interpretar al siniestro oriental.
En 1929 llegaría “The Mysterious Dr. Fu Manchú”, con Warner Olano metido en la piel del siniestro oriental, el primer largometraje en el que aparecería con su nombre literario. Este film tiene el aliciente de ser, además el primero de Fu Manchú de la era del cine sonoro.
Luego vendrían “The Return of Dr. Fu Manchú” (1930) y “Daughter of Dragon” (1931), ambas interpretadas también por Oland.
Será finalmente “La Máscara de Fu Manchú” (1932) la que le otorgue mayor popularidad al personaje. La aparición de Boris Karloff en el papel protagonista, tras el éxito cosechado en “Frankenstein” (1931), supuso el relanzamiento definitivo a la fama del personaje de Rohmer en la gran pantalla. Pero al contrario de lo que pudiera parecer, este largometraje no sirvió para promover más secuelas del personaje, sino para catapultarlo al estrellato a través de un serial de 15 episodios que sumaban un total de 269 minutos de duración, titulado “Drums of Fu Manchú” (1940), interpretado por Henry Brandon, y que sería retomado en forma de largometraje con el mismo título en 1943.
Había un proyecto para un segundo serial titulado “Fu Manchú strikes back”, para ser lanzado en 1942, pero la situación en la Segunda Guerra Mundial y la presión de los aliados chinos sobre el gobierno estadounidense, obligó a posponerla indefinidamente hasta que, finalmente, quedó relegada al olvido.
El personaje quedaría entonces sumido en un largo y profundo periodo de olvido hasta que, en 1965, el productor británico Harry Alan lo retomara poniéndole esta vez el rostro más conocido de cuantos han interpretado a Fu Manchú: Christopher Lee.
El que fuera el conde Drácula hasta en nueve ocasiones –“Drácula” (1958), “Drácula, Príncipe de las Tinieblas" (1966), “Drácula vuelve de la tumba” (1968), “El Conde Drácula” (1970), “El poder de la sangre de Drácula” (1970), “Las cicatrices de Drácula” (1970), “ Los ritos satánicos de Drácula” (1973), “Drácula 73” (1973) y la triste comedia francesa “Drácula, padre e hijo” (1975)–, protagonizaría en cinco ocasiones al Dr. Fu Manchú, inaugurando esta etapa con “El Regreso de Fu Manchú” (1965). El gran éxito y la expectación generada por la película y el regreso del mítico villano, propició automáticamente su continuidad en el rol. Así pues, a ésta la sucedieron “Las novias de Fu Manchú” (1966) y “La venganza de Fu Manchú” (1967) en la etapa británica.
En su andadura por tierras españolas e italianas, con el declive de la productora Hammer, Lee se vio obligado a alternar el intento de supervivencia en el cine fantástico y de terror británico, con participaciones en tierras latinas. Así, de la mano de nuestro querido Jesús (o Jess, como prefiráis) Franco, se metió de nuevo en la piel de Fu Manchú en dos ocasiones más: “Fu Manchú y el Beso de la Muerte” (1968) y “El Castillo de Fu Manchú” (1969). Al igual que sucedió con las películas de Drácula, las de Fu Manchú fueron perdiendo fuerza a medida que avanzaba la serie, hasta sumir a ambos personajes en una situación casi paródica, en una sombra de lo que fueron en otro tiempo.
Y, ¿qué hay de Fu Manchú en la actualidad? ¿Tiene cabida en el cine actual un personaje que lleva casi cien años rodando por la gran pantalla? ¿Queda algo por explotar? ¿Puede tener sentido aún, en los tiempos que corren, un personaje malévolo cuyo único fin es dominar el mundo occidental y someterlo?
Hace tiempo, allá por 1998, Álex de la Iglesia prometió una nueva y gran película que retomaría al Dr. Fu Manchú, bajo la producción de Andrés Vicente Gómez, y que contaría en el papel protagonista con Antonio Banderas. Las desavenencias económicas de Banderas con el productor, le llevaron a rechazar el papel.
A fecha de hoy, seguimos sin saber nada más sobre su ambicioso proyecto. Tal vez ya va siendo hora de dar descanso a los malvados.

VERTIGE

TERROR EN LA CUMBRE

Sinopsis: Un grupo de amigos programan un reencuentro quedando para realizar una escalada en tierras croatas. Lo que en un principio parece una simple excursión aventurera, comienza a convertirse en una pesadilla de vértigo, especialmente cuando descubren que no están solos en aquellos inhóspitos parajes.

El planteamiento que nos propone Abel Ferry en “Vértigo” (2010), es un fuego de artificio que parte de una presentación más que interesante, hacia un final que, al contrario que ocurre en los fuegos de artificio, acaba convirtiéndose en una amalgama de trivialidades y clichés más que tópicos que van perdiendo mecha a medida que nos vamos aproximando a los compases finales de la cinta. Pero hay que decir en su favor, que tuvo la suerte de ser elegida para abrir la 20ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, lo cual dice bastante a favor de ella. La puesta en escena brilla por sí sola por el mero hecho de haber sido rodada en unos espacios naturales verdaderamente sobrecogedores, y por si fuera poco, los planos y contraplanos que abundan a lo largo de todo el metraje, contribuyen enormemente a crear en nosotros esa sensación de vértigo y de sobrecogimiento que precisa la historia. Uno no puede dejar de acordarse de la impactante “Máximo riesgo” (Renny Harlin, 1993) al ver algunas escenas, pero “Vértigo” posee ese aliciente que es el saber que estamos contemplando paisajes reales al cien por cien, sin aditivos digitales ni falsos trasfondos.
La idea primordial de que puede ser una película teenager con tintes de road movie pero a gran altura, queda descartada apenas transcurridos los primeros minutos. Y todo por la elaboración de un implícito triángulo amoroso entre Guillaume, Loïc y Chloé, que contribuye a generar en el espectador esa extraña sensación de desasosiego, esa sospecha más que evidente de que algo malo va a suceder. Sin embargo, como ya había mencionado al principio, todo este planteamiento inicial va perdiendo fuerza mientras la va ganando otro factor mucho menos interesante y bastante más manido, hasta tal punto que la película acaba convirtiéndose en un sucedáneo rancio pero a gran altura de slashers actuales que han corrido mejor fortuna, como pueden ser “Wolf Creek” (Greg McLean, 2005) o “Eden Lake” (James Watkins, 2008).
En definitiva, una propuesta visualmente interesante y bien trabajada, pero lastrada con un último tramo y desenlace demasiado manidos, y supuestamente justificados con una coletilla final con visos de estar basada en hechos reales, pero que en realidad no deja de ser una tramposa dramatización más próxima al “what if”.

JASON MOMOA SERÁ CONAN

YA HAY NUEVO CONAN

Este actor hawaiano de 30 años interpretó a Jason Ioane en la serie "Los vigilantes de la playa", y a Ronon Dex en "Stargate: Atlantis", y muchos dudarán sobre si es o no la mejor elección para tomarle el relevo a Arnold Schwarzenegger. Desde aquí, me aventuro a deciros que sí por una serie de razones:

1-Posee un cuerpo musculoso y fibrado, aunque lejos de los excesos voluminosos.
2-Su ascendencia hawaiana le proporciona esa piel broncínea con la que definió Robert E. Howard a su héroe cimmerio.
3-Por otra parte, también posee ascendencia caucásica, tal y como delatan sus ojos verdes de mirada profunda y helada, casi como la mirada de un tigre, algo que también destacaba Howard de su personaje.
4-Sus 1'93 metros de altura son incluso superiores a los 1'85 del gigante bárbaro, y a buen seguro que le conferirán ese aspecto feroz que tanto le caracteriza.
5-Conan no es un personaje de gran complicación, sino un aventurero bárbaro con más fuerza que cabeza, por lo que no requerirá poseer un gran talento interpretativo, sino únicamente un aspecto brutal y temible y unas cualidades físicas aptas para llevar a buen puerto esta empresa.

THOR, EL PODEROSO (I)

NOS PREPARAMOS PARA LA LLEGADA

DEL NÓRDICO DIOS DEL TRUENO

Poca cosa se sabe aún sobre la película que adaptará al mitológico superhéroe de la Marvel a la gran pantalla, pero las noticias ya comienzan a llegar -aunque con cuentagotas- a través de todos los medios, especialmente de este en el que un servidor suscribe. Thor, el Poderoso, ya tiene un director encargado de hacerlo realidad y un actorazo consagrado que hará de su padre, el Todopoderoso Odín, Señor de Asgard y dios de dioses. Pero poca cosa más. El director será Kenneth Branagh -eso ya es seguro-, y el papel de Odín recaerá sobre el siempre soluble Anthony Hopkins -esto también lo es-. Con fecha reciente parece confirmada también la presencia del joven Chris Hemworth para el papel de Thor, y les ha faltado tiempo a algunos fans para hacer de las suyas con ciertos fakes -como el cartel de arriba- y simulaciones -ver la foto de la izquierda con Hemworth vestido del miembro de Los Vengadores-.
Y ya ni hablemos de su estreno, previsto en fechas varias en continua demora, y que la IMDb (Internet Movie Data Base), la más prestigiosa web de noticias cinematográficas, prevé para el 6 de mayo de 2011. Mientras tanto, y a falta de mayores datos, sólo decir que seguiremos informando.

"THE LOVELY BONES"

DESDE SU CIELO

Sinopsis: Basada en la novela “Desde mi cielo”, de Alice Sebold, nos narra la trágica historia de Susie Salmon, una joven asesinada y desaparecida que contempla a su asesino y a su familia desde algún lugar a medio camino entre el cielo y la tierra. Susie se verá obligada a enfrentarse con un gran dilema: el de ver saciada su sed de venganza, o conseguir que su familia siga adelante con su vida sin ella.

Muchas son las críticas negativas que por esta película ha recibido ya Peter Jackson, sobre todo en lo concerniente a la pésima adaptación que, al parecer, ha hecho de la obra de Sebold. Y digo al parecer, porque a pesar de que el libro se encuentra en las estanterías de mi biblioteca desde hace cosa de tres años, lo cierto es que jamás he tenido la ocasión de leerlo.
La comparan con “Más allá de los sueños” (Vincent Ward, 1998) por su posicionamiento plástico y su conceptualismo visual, y la tachan de thriller vespertino dominical, pero lo cierto es que Jackson no engañó a nadie con lo que iba a ofrecernos.
Seguramente esas rasgaduras de vestiduras las hacen los mismos que no se las rasgaron cuando los elfos se unieron a los hombres en la batalla del Abismo de Helm, a pesar de que en la novela no sucedía nada similar. Y si no fueron ellos, tal vez fueron aquellos que tampoco se rasgaron las vestiduras con la historia de Aragorn y Arwen, pincelada brevemente en el libro y explotada con insistencia a lo largo de toda la trilogía de “El Señor de los Anillos” –que casualmente, y por si alguien aún no se había dado cuenta, también es de Peter Jackson–.
La elaboración a nivel artístico que nos ofrece “The lovely bones”, es tan sobresaliente como cabe esperar. Jackson juega con lo que tiene a mano de un modo premeditado y nada torpe, tocando las teclas sensibleras del espectador, y adentrándose en el estudio de la tragedia humana de un modo inteligente y fresco. En ese sentido, consigue que un actor tan soso como Mark Wahlberg logre transmitir la ira sobrecogedora de un padre a quien se lo han arrebatado todo. Consigue que empaticemos con una niña infantil en sus acciones y madura en la asimilación de sus consecuencias, y que entendamos el pesar de una madre que acepta lo sucedido con fría resignación desde el principio. Pero sobre todo, Jackson hace un trabajo excepcional con Stanley Tucci, que interpreta a un asesino frío y decidido al que estudia de un modo ejemplar, con unos planos elaborados a pesar de sus breves diálogos, en los que la mirada y las acciones, el comportamiento y el tempo perfectamente comedido de cada aparición suya, logran construir un personaje memorable, creíble y tangible, tanto en su inmundicia como en la cotidianeidad de su propia esencia.
Que podía haber hecho más, queda claro. Que pocos logran decir tanto de un modo tan breve y sincero, también.

"DAYBREAKERS"

CUANDO LOS VAMPIROS GOBIERNEN EL MUNDO

Sinopsis: Año 2019. La práctica totalidad del planeta ha sido infectada por una misteriosa enfermedad que ha acabado por convertirles a todos en vampiros. Los pocos humanos que quedan se han convertido en ganado para los vampiros, pero los humanos se están extinguiendo, y con ellos la posibilidad de que los vampiros sigan gobernando el mundo. Edward Dalton, un hematólogo vampiro que está investigando un alimento alternativo para sus congéneres, conocerá a Audrey, una humana que le hará partícipe de un descubrimiento científico que decidirá el futuro de humanos y vampiros.

Los hermanos Spierig nos sorprendieron gratamente con su cinta gore “Undead” (2003), y ahora regresan a la mitología de las criaturas de la noche con esta cinta con claros referentes al mundo del cómic. “Daybreakers” está repleta de claroscuros que impregnan una fotografía más que sugerente, de momentos excelentes y otros un tanto desgarbados. Con claras influencias de películas como “Matrix” –las granjas de humanos– o “Metropolis” –los planos generales de la ciudad nos la recuerdan continuamente–, la ambientación de la película posee aspectos muy bien elaborados, aunque poco originales, que nos permiten sumergirnos en un mundo futuro un tanto idealizado. Pero ahí acaba todo. Partiendo de un planteamiento general bastante original, nos vamos adentrando en un guión demasiado básico y muy poco trabajado, precipitado en algunos casos, y que únicamente parece contar con esa relativa “sorpresa” final para darle cierto aliciente a la historia. Los personajes, a pesar de contar con actorazos de la talla de Ethan Hawke, Sam Neill o Willem Dafoe, están sumidos en la más absoluta inocuidad, faltos del menor síntoma de profundidad o trasfondo, y obligados a servir de meros comparsas de una historia precipitada y escueta, sobre todo si tenemos en cuenta las enormes posibilidades que brindaba el planteamiento inicial. A favor, unos efectos especiales impactantes y bien trabajados que al menos hacen justicia a lo que se espera de una película de vampiros.

"THE ROAD"

ÉTICA PARA EL FIN DE LOS TIEMPOS

Sinopsis: Basada en la novela homónima de Cormac McCarthy y ganadora del premio Pulitzer, nos sitúa en un mundo postapocalíptico en el que, un padre y un hijo, realizan un largo viaje hacia la costa en busca de un lugar seguro donde asentarse. Pero el trayecto no estará exento de riesgos, y se encontrarán con algunos de los pocos seres humanos que aún quedan vivos. Algunos se han vuelto locos o están enfermos. La mayoría, por desgracia, se han convertido en caníbales que depredan a sus semejantes.

Aunque debo reconocer que no he leído la novela, debo admitir que la labor de John Hillcoat a la dirección es verdaderamente sublime en lo que a intención de adaptación literaria se refiere. Uno puede vislumbrar y entender perfectamente los pasajes de la obra literaria, no sólo a través de esa voz en off tan necesaria que salpica ciertos momentos de la cinta con formidable prudencia, sino también a través de esos trasfondos apocalípticos comedidos pero impresionantes, hundidos en tal amalgama de grises que se podría decir que son las plasmaciones oníricas de un texto en blanco y negro. Un gris de desesperanza y vacuidad que produce una profunda desolación y malestar en el espectador, y que ayuda enormemente a hacernos sentir al borde del fin de nuestra raza. En ese sentido, una merecida congratulación para la excelente labor en la fotografía de Javier Aguirresarobe, quien parece haber encontrado finalmente un hueco definitivo en la Meca del Cine.
Pero sobre todo, debo quitarme el sombrero ante la impresionante labor interpretativa de Viggo Mortensen, quien con esa voz rota y entristecida y esa mirada melancólica y temerosa, logra hacernos conmover hasta extremos pocas veces alcanzados. Y otro diez para Kodi Smith-McPhee en el papel de su hijo, una réplica a la medida de su coprotagonista adulto, y sin el cual el papel de Mortensen perdería gran parte de su valor. Y a su vez se encuentran rodeados de unos secundarios de la talla de Charlize Theron, Robert Duvall o Guy Pearce, ambos gratificados con su particular escena memorable, y que ayudan potencialmente a crear una pléyade de personajes sólidos y reales sin los cuales, no hubiera sido posible hacer creíble un futuro tan desolador.
Hillcoat ha sabido compaginar perfectamente el lirismo narrativo de ciertos pasajes con la fluidez fílmica de los momentos de mayor tensión, sin caer en ningún momento en la arritmia o en la pesadez.
Y no hay que olvidar la fuerza interna del mensaje que pretende transmitir la película -a través de unos personajes intencionadamente sin nombre-, un mensaje esperanzador y trágico a la vez, y en cuya exposición se evalúa la bestialidad inherente al ser humano en contraposición a su idealismo y fuerza intrínsecos, que nos hace capaces de lo mejor y de lo peor. Y esa intencionalidad, desapegada en parte de etiquetas que puedan restarle credibilidad a la historia, es algo que merece otro punto a favor en una obra cuyo conjunto resulta, en conclusión, merecedora de las mejores alabanzas.

"EL HOMBRE LOBO"

UN REMAKE PARA DAR EJEMPLO

Sinopsis: Lawrence Talbot regresa a la casa nobiliar de su familia, en el pueblo de Blackmoor, tras la desaparición de su hermano. La prometida de su hermano, Gwen Conliffe, le pide personalmente que le ayude a encontrar a su prometido. Nada será fácil para él, ni el reencuentro con un padre del que se había distanciado, ni el tener que enfrentarse a un pasado que casi ha olvidado tras su reclusión en un manicomio, justo después de aquella noche en que murió su madre. Pero las cosas aún irán a peor cuando Talbot descubra que su hermano ha sido terriblemente despedazado por una bestia, y se entere de que una horrible maldición pesa sobre las tierras de Blackmoor.

Ante todo debo decir que me he llevado dos sorpresas con la llegada de tan esperada película: una buena y otra mala. La primera me llegó con el visionado de la cinta, un remake de la inmortal película homónima que en su día protagonizara Lon Chaney Jr. (George Waggner, 1941), y que ha supuesto un verdadero lifting visual más allá de todas mis expectativas, y de lo cual hablaré con detalle más adelante. La segunda sorpresa, la mala, ha sido el hecho de descubrir no pocos críticos dedicados a ensañarse con la película en la red, como si de hombres-lobo se tratara. Algunos la tildan de “traumático melodrama”; otros, se empeñan en decir que “Joe Johnston no es Coppola”, y así querer comparar el remake de “El Hombre Lobo” con el de “Drácula de Bram Stoker”; hay quien dice que “la cinta entretiene sin entusiasmar, recorre el mito sin innovar y vaciándolo de vida”.
Y heme aquí, al otro lado de ese extremo pastoso de los críticos voraces, que son incapaces de dar su brazo a torcer ante la posibilidad de ver un clásico del género superado por el artificioso Joe Johnston, rompiendo una lanza a favor de una cinta que merece gran consideración y respeto, y quitándome el sombrero –si lo llevara– frente a una obra de una factura verdaderamente sincera y de oficio.
No sólo estoy hablando de unos efectos especiales dignos de mención, algo de esperar en un artesano de lo digital como es Jonhston. No hablo sólo de un hombre lobo más que logrado y que hace honor a aquel que en su día protagonizara el hijo del mítico Lon Chaney. Hablo de unos personajes manifiestamente más elaborados que los del clásico de los Estudios Universal, de un guión repleto de matices que jamás llegó a tener la versión original –aunque algunos se empeñen en decir que está vacío–, de unas interpretaciones más que aceptables, un impecable vestuario y recreación de la época victoriana, así como unos decorados y exteriores que hacen continuamente referencia a tantas y tantas películas clásicas del género. Y es que, a nivel artístico, “El Hombre Lobo” es una película memorable, un acierto de ambientación gótica que transmite, durante todo el metraje, esa sensación lúgubre de pesadez atmosférica que tanto se echa de menos en el cine actual.
En el plano de actores, merece una mención especial el siempre solvente Benicio del Toro, que dota a su Lawrence Talbot de una personalidad atormentada que le confiere profundidad al personaje, lejos de la picaresca casi burlona con que interpretara Lon Chaney Jr. a su hombre-lobo. Y qué decir de Anthony Hopkins, dando la talla como padre de Lawrence, aunque tal vez a veces peque de ser un poco exagerado en su rol –como ya ocurriera con su Van Helsing en el “Drácula de Bram Stoker”–
Cierto es que en ocasiones se deja influir ligeramente por el “Drácula” de Francis Ford Coppola, como en la escena del manicomio o, –más escaradamente– en ciertos acordes de la por otro lado magistral partitura de Danny Elfman, pero no por ello desmerece en absoluto el enorme esfuerzo realizado ni el resultado final obtenido.
“El Hombre Lobo” es fresca y gratificante, sincera en las escenas más brutales, hasta el punto de manifestarse marcadamente más realista que aquella a la que homenajea.
Señores críticos, seamos sinceros: el Hombre Lobo de Joe Johnston es netamente superior al de Waggner sin pretenderlo, y un homenaje que merece el respeto y consideración que ella misma tiene para con la película de la Universal. Es un ejemplo claro de cómo se puede mejorar un clásico aportando matices, mejorando la ambientación y perfeccionando unos personajes e interpretaciones lejos de la teatralidad diacrónica de otros tiempos, pero siendo respetuosa con el contexto histórico en el que se movía el personaje.
Seamos sinceros. Aunque el director de “Jumanji” no sea Coppola.

"LA CUARTA FASE"

ABDUCCIONES EN ALASKA

Sinopsis: Basada en hechos reales documentados, la película nos narra los hechos vividos por Abbey Tyler, psicóloga afincada en Nome, Alaska, quien tuvo una serie de pacientes de la misma localidad con graves problemas de trastorno del sueño. A medida que avanzó en sus terapias de hipnosis, todos sus pacientes comenzaron a manifestar comportamientos que hacían sospechar encuentros con inteligencias no-humanas. Todos ellos afirmaban haber visto cerca de sus ventanas una lechuza blanca. La doctora Tyler acabó dándose cuenta que todas esas visiones y encuentros de los habitantes de Nome, se remontaban a los años 60.

Lo más llamativo de “La Cuarta Fase” (Olatunde Osunsanmi, 2009) es, sin lugar a dudas, el modo en que está narrada. Hay un empeño de su director por no hacernos olvidar en ningún momento que la película está basada en hechos reales, y lo hace con un empeño casi documentalista. Nos advierten desde un principio que, lo que vamos a presenciar, es una dramatización de los extraños sucesos acaecidos a la familia de la doctora Tyler y a algunos de sus pacientes, pero el soporte audiovisual que nos proporcionan –cotejado siempre en paralelo con las interpretaciones de los actores– ayuda enormemente a esa sensación de inquietud al saber que, lo que estamos viendo, además de suceder realmente, puede tener visos de contactos con seres no humanos. Lo malo es que, en ocasiones, el aporte documental ralentiza un poco el ritmo de los acontecimientos, y no aporta nada nuevo al discurso, ya que únicamente pretende comparar, en paralelo, la interpretación ficticia con los hechos reales que sucedieron en Nome.
Hay un par de escenas particularmente impactantes –que no contaré aquí por razones obvias–, pero exceptuándolas a ellas no hay, en ningún momento, intención alguna por parte del realizador de manipular nuestro modo de percibir las cosas, lo cual es de agradecer.
“La Cuarta Fase”, difiere de otras películas que hablan de contactos y abducciones extraterrestres en varios puntos, y precisamente por ello es de especial interés. Únicamente por ello, debería ser de visionado obligatorio. Eso sí, que nadie espere una película de extraterrestres al uso, ni nada por el estilo.
De entre esos puntos divergentes, tal vez el más destacado sea que no llegaremos a ver extraterrestres en ningún momento. Por otro lado, tampoco llegamos a tener al final una visión clara del conjunto, sino toda una serie de datos, pruebas, videos, grabaciones de audio, posibles testimonios históricos, etc., que nos proporcionarán toda una amalgama de piezas que conforman un puzzle de difícil resolución.
El espectador, sin lugar a dudas, saldrá del cine con la sensación de que hay algo. No sabemos muy bien qué, ni por qué, pero no nos quitaremos de encima ese ligero malestar que nos producirá el saber que, la próxima vez, podría sucedernos a nosotros.

"DAYBREAKERS" SE ESTRENARÁ EN 2010

La gran novedad del cine vampírico, "Daybreakers", prevista para su estreno en octubre de 2009, quedó finalmente pospuesta sin fecha exacta para su estreno en 2010, a pesar de que se había afirmado que será a finales del mes de enero.

La película, que protagonizará Ethan Hawke, transcurre en el año 2019. Nos sitúa en un futuro en el que los vampiros dominan el mundo. Hawke interpretará el papel de Edward Dalton, un joven científico que lidera a un grupo de humanos que pretende hacerse de nuevo con el control. Para ello, está investigando la existencia de una fuente de alimento alternativa a la sangre humana, y evitar con ello la extinción absoluta de la raza humana.

"LA HERENCIA VALDEMAR"

HOMENAJE A LOVECRAFT

Sinopsis: Luisa Llorente es la segunda persona desaparecida perteneciente a una agencia inmobiliaria que se encarga de tasar la hacienda victoriana Valdemar. Para encontrarla, sin querer recurrir a la policía bajo ningún concepto, su jefe, Maximilian, contrata al detective Nicolás Tremel para que se encargue del caso. Durante sus pesquisas, Tremel conocerá una antigua leyenda y unos hechos acaecidos hace casi un siglo en aquella mansión, hechos que parecen tener algún tipo de conexión con la desaparición de Luisa.

El debutante José Luis Alemán, se atreve con el enorme y fascinante mundo del escritor norteamericano H.P. Lovecraft de un modo único hasta la fecha. Lo hace desde el respeto y el homenaje, pero sin pretender adaptar fielmente ninguna sola de sus obras. Lo hace desde un perfeccionismo casi exasperante en los detalles, enlazando mediante un comedido flashback el presente con el pasado, sumergiéndonos de zambullida en un mundo recargado y polvoriento lleno de sombras y de luces vespertinas, para adentrarnos sin pausas pero sin prisas en una trama principal plagada de subtramas perfectamente cosidas entre ellas, con un guión que no deja resquicio alguno a las dudas o a la mediocridad. Y lo hace, sorprendentemente, sin ningún tipo de ayuda ni financiación televisiva ni corporativa, algo inconcebible en los tiempos que corren.
“La herencia Valdemar” se erige como una joya única de nuestro cine, a modo de auténtica alabanza al cine antiguo (especialmente al de la factoría británica “Hammer”), pero que no menosprecia tampoco las ventajas y posibilidades de las nuevas tecnologías digitales. No exagera en ningún momento el uso de los efectos especiales, contados y perfectos hasta un punto inimaginable, y solapa de manera harmónica y ejemplar los efectos especiales clásicos –de la mano del maestro de maestro, Reyes Abades– con los digitales o modernos.
La aparición de personajes históricos reales –como el ocultista Aleister Crowley o el escritor irlandés Bram Stoker–, y la perspicaz mención de algunos hechos históricos de la época –como la aparición de las primeras sufragistas femeninas en España–, ponen el colofón a una cinta detallista en extremo, hecho que contrasta con los hechos principales del hilo narrativo.
Una banda sonora inconmensurable y precisa, épica en ciertos momentos e intimista en otros, adorna con sus ribetes musicales un film auténticamente redondo.
Y no podemos dejarnos en tintero la que será una de las últimas apariciones en la gran pantalla del gran Paul Naschy, –o lo que es lo mismo, Jacinto Molina–, fallecido hace unos pocos días, en un personaje con poco diálogo pero al que dota de una personalidad y gestualidad dignas de alabanza.
Para aquellos que aún no lo sepan, “La herencia Valdemar” es un díptico que ha sido rodado de una sola vez –el último ejemplo lo tenemos en “El Señor de los Anillos”, de Peter Jackson–, por lo que no os extrañéis de ese final cortado a tajo. Y ya que estáis, no os perdáis los títulos de crédito, pues hay una pequeña sorpresa, un aperitivo de los que nos deparará la segunda parte. Porque como escribió Lovecraft citando a Abdul Alhazred, “no está muerto lo que yace eternamente, y con los evos extraños, incluso la Muerte puede morir”.

"SOLOMON KANE"

EL HÉROE PURITANO DE ROBERT E. HOWARD

Sinopsis: Basado en el personaje y los relatos de Robert E. Howard, la película nos narra la historia de Solomon Kane, un guerrero puritano del S.XVII que se ve obligado a combatir al mal en sus peores formas, con el propósito de redimir su alma.

Solomon Kane es un personaje completamente atípico, si atendemos al conjunto de los ciclos narrativos de fantasía heroica concebidos por el tejano Robert E. Howard. Lo es, no sólo por ser físicamente opuesto al archifamoso Conan de Cimmeria y al gran Kull de Valusia – e incluso a la guerrera hyrkania Red Sonja –, sino también por presentarnos a un personaje atípico, a un héroe puritano que lucha contra el mal por encima de su propio interés y gloria personales. A diferencia de los otros héroes de Howard, Kane está convencido de que es la “mano de Dios”, y de que su destino es acabar con el mal en la tierra en todas sus formas – entendido el mal como una fuerza superior que teje sus finas redes sobre los mortales –. Su aspecto enjuto y siniestro, pálido y melancólico, lo distancian enormemente del conjunto de la obra de Howard, quien le tenía un cariño especial – no en vano, Solomon Kane es el héroe sobre el que más relatos escribió Robert E. Howard, exceptuando a Conan, claro está –. Hasta aquí, los detalles importantes que conciernen al personaje y a su obra en general.
Ha habido varios intentos por llevar a la gran pantalla a este personaje desde principios de los 90. La fascinación de algunos autores por él, les ha llevado incluso a plagiar el personaje, como fue el caso de “Van Helsing” (Stephen Sommers, 2004), al que le pusieron este nombre en lugar del de Solomon Kane dado que no lograron hacerse con los derechos del personaje. Digo esto porque puede que leáis u oigáis críticas que afirman frívolamente que “Solomon Kane” (Michael J. Bassett, 2009) es una burda copia de “Van Helsing”, críticas que manifiestan un claro desconocimiento de lo que es y significa el personaje en realidad. Dicho esto, solo cabe adentrarnos ya en los aspectos estrictamente fílmicos de la obra en cuestión.
Tal vez el punto más débil en todo este asunto, sea un guión falto de matices, plagado de personajes bastante planos pero que no desentonan en absoluto con la esencia de los personajes del mundo de Kane, que no son sino meros comparsas de las aventuras del puritano y misterioso personaje. Basset ha intentado dotar al personaje de un origen – algo que en los relatos de Howard no llegamos a conocer –, y luego ha articulado el film en torno a toda una serie de aventuras y desventuras que salpican el metraje con mayor o menor fortuna. Se nota, sin embargo, una falta de originalidad en el desenlace, precipitado y simple, que parece más próximo al enfrentamiento del monstruo final de un videojuego que al supuesto horror al que se enfrenta toda Inglaterra.
Exceptuando estos aspectos negativos, el resto es auténtica belleza digna del mejor cómic. No podemos seguir adelante sin mencionar la inmensa labor artística de Dan Lausten, a quien recordaremos con especial cariño por su trabajo como director de fotografía en películas como “El Pacto de los Lobos” (Christophe Gans, 2001), “La Liga de los Hombres Extraordinarios” (Stephen Norrington, 2003) o “Silent Hill” (Christophe Gans, 2006). La particular concepción visual de esa otra Inglaterra del S. XVII queda perfectamente plasmada gracias a una fotografía magnífica, que no ceja en transmitirnos ese entorno lúgubre y húmedo, acechante y tenebroso que imagino Robert E. Howard para su personaje. A todo ello debemos sumar una correcta y precisa banda sonora, que aunque no llega a impactar en ningún momento, no deja de aportar su granito de arena a la épica narrativa.
Mención a parte merece también el vestuario, muy acertado en lo que a su sincronía histórica se refiere, y bien elaborado en su apartado fantástico, pero siempre perfectamente solapado para que no se pueda vislumbrar nada que haga chirriar las diferencias de ambos planos dentro de una misma historia.
La elección de James Purefoy para el papel de Kane, supone un acierto más. No es un actor demasiado conocido (se le conoce sobre todo por su papel como Marco Antonio en la serie “Roma”), por lo que le confiere al rol cierta personalidad propia e individual. El otro gran acierto en el plano artístico, es la presencia del enorme Max Von Sydow, en un papel breve pero decisivo en la historia.
Solomon Kane es una historia de aventuras a la vieja usanza, un estandarte que enarbola la esencia pura del género conocido como Espada y Brujería, y que inauguró precisamente su creador. Es una historia clásica del Bien contra el Mal, de la fuerza y voluntad humanas contra las presencias oscuras. Es una historia que debe ser entendida como lo que es, sin ningún tipo de pretensión más allá de la mera diversión, y del homenaje a un personaje, un autor y un género que llevaban largo tiempo olvidados.

"CONAN"

EL REGRESO DEL BÁRBARO

Desde que Arnold Schwarzenegger afirmara haber firmado contrato con Laurentiis para rodar 3 películas que adaptaran las obras de Robert E. Howard, las especulaciones han volado entre los fans como el Monzón.  Si el proyecto y retraso de Red Sonja por parte de Robert Rodríguez, ya levanta ampollas entre los fans, el caso de Conan aún es peor.  Han sido numerosos los presuntos directores que han pasado por la cabeza de los productores de Millenium tras haberse hecho con los derechos del enorme cimmerio, pero lo cierto es que ninguno de ellos parece haber cuajado hasta la fecha.  En estos momentos, el nombre que más parece sonar es el de Marcus Nispel -quien ya nos dejara retazos de gran calidad para adaptar mundos bárbaros con su "Pathfinder", o para desarrollar escenas sangrientas en sus remakes de "Viernes 13" y "La masacre de Texas"-, y desde ese mismo instante, los fans se han mostrado divididos en opinión.

Sea como sea, lo cierto es que nada está decidido aún -por no tener, no se tiene siquiera el nombre de quien vaya a reemplazar a Schwarzenegger como Conan-, y al igual que ya pasara con Red Sonja, la fecha de pre-producción se ha cambiado en 3 ocasiones: según los 2 posters teasers que circulan por la red, 2009 deja paso a 2010; según la IMDb, la pre-producción será en 2011.  Pase lo que pase, seguiremos esperando impacientes al gran Conan de Cimmeria, rey de Aquilonia.

"RED SONJA"

LA DIABLESA ROJA

2010 promete, en un principio, ser el año de los homenajes a Robert E. Howard.  De momento, ya hemos comenzado el año con el estreno mundial de "Solomon Kane" -tal vez su héroe menos conocido entre los profanos-, y desde inicios de 2009 nos prometen el retorno de Red Sonja, la Diablesa Roja, que en su día ya interpretara Brigitte Nielsen junto a Arnold Schwarzenegger, en una adaptación que pasó sin pena ni gloria a los anales del cine B.

El nuevo proyecto parece llevar la firma en la producción del supravalorado Robert Rodríguez, que cuenta con una impecable Rose McGowan para ejercer el papel de la famosa guerrera hyrkania.  El director Douglas Aarniokosky -quien ya participara con Rodríguez como primer asistente de dirección en "Abierto hasta el Amanecer", según últimas estimaciones de la IMDb (The Internet Movie Data Base), llevaría la batuta del film, cuyo guión recaería sobre el gran Roy Thomas, uno de los guionistas con más solera y que mejor han sabido adaptar las historias de Conan y Red Sonja al cómic.

De momento, todo cuanto conocemos del film es esto, y los tres posters teasers que ya circulan por internet -y que se incluyen en este artículo-, que prometían el estreno para 2009 y para 2010.

Y quién sabe: al paso que vamos, puede que la promesa se posponga una vez más hasta 2011.

"H.P. LOVECRAFT"

EL CINE QUE PODRÍA SER

Su nombre es Gerónimo, y es mexicano.  Los posters promocionales que aparecen más abajo, no pertenecen a ningún proyecto en marcha -salvo en el caso de "En las Montañas de la Locura", que ya se encuentra en manos del siempre sorprendente Guillermo del Toro-.  Se trata de composiciones personales que el tal Gerónimo ha hecho y mostrado en una página web dedicada a H.P. Lovecraft (http://www.hplovecraft.es/foros/Topic8885-3-2.aspx#bm14539), y que son dignas de un profesional.  Se trata de su particular visión de unas posibles películas que adaptaran obras del Solitario de Providence, concretamente "La llamada de Cthulhu", "El caso de Charles Dexter Ward", "La Sombra sobre Innsmouth" y la ya citada "En las Montañas de la Locura".  Como buen mexicano, cómo no, todas ellas dirigidas por Guillermo del Toro.  Y sin más preámbulos, aquí os adjunto estos fabulosos posters promocionales: